Semana Santa en la Plaza del Cordón

El cartel cinematográfico de la Plaza del Cordón marida bien con la decoración de Semana Santa de los balcones.

Little Richard en la Plaza del Cordón

Desde casa, camino del Anda Jaleo, siempre paso por la Plaza del Cordón, una de mis favoritas de Madrid, junto a la Plaza de la Paja (al lado de casa).

En la Plaza del Cordón debe haber una productora o distribuidora cinematográfica porque en el número 2 siempre tienen un cartel de película. Desde finales de enero estaba el cartel de la película de Little Richard. Me alegraba el paseo.

Hoy ya no estaba el de Little Richard.

Anatomía de una caída

Ayer estuvimos viendo la sensacional «Anatomía de una caída» de la directora francesa Justine Triet. En nuestra habitual sesión de los martes (2€ la entrada para los seniors). Una vez más se cumplió la máxima de que si a Boyero no le gusta debe ser muy buena. En este caso me atrevería a decir que «Anatomía de una caída» es una obra maestra.

Te mantiene en tensión las dos horas y media de proyección. Es un thriller judicial en el que hay que dirimir si la caída mortal del marido de la protagonista, a cargo de la excepcional actriz alemana Sandra Hüller, fue accidente, suicidio o asesinato. La intriga te atrapa con sus dimes y diretes. El testimonio final del hijo de la pareja es decisivo.

«Anatomía de una caída» es lo que los estadounidenses llaman un sleeper. Esas películas que crecen por el boca a boca de los espectadores, el apoyo de la crítica (menos Boyero) y/o su paso por festivales. En este caso la Palma de Oro de Cannes de este años (mayo) es un aval muy importante. Como lo han sido los Premios del Cine Europeo (Mejor película, Mejor dirección, Mejor actriz, Mejor guión y Mejor Montaje).

Aparte de la historia y de cómo está contada e interpretada me gustaría destacar otros dos aspectos:

• El manejo de cámara que añade dramatismo y veracidad al relato
• La importancia de la música a la hora de construir la trama. Desde la obsesiva versión instrumental del «P.I.M.P.» de 50 Cent a cargo de los alemanes Bacao Rhythm & Steel Band hasta las dos versiones del «Asturias» de Albéniz, interpretadas al piano por el hijo, pasando por las piezas de Chopin.

Salimos entusiasmados del cine. Y recomendamos encarecidamente «Anatomía de una caída«:

Familia cercana

«Familia cercana«, mi traducción de «Immediate Family«, es un documental sobre los músicos de sesión que protagonizaron la renovación generacional en Los Ángeles. Los sucesores de los legendarios Wrecking Crew. Representan el cambio de paradigma artístico: suponía el afianzamiento del concepto de álbum. Y en el caso de la ciudad de Los Ángeles estaban agrupados en la zona de Laurel Canyon (que también tuvo su documental). Al lado de gente del rock como Zappa, Clapton o Jim Morrison, se encontraban desde 1965 The Byrds (David Crosby siempre presumió de ser el primero en mudarse al barrio), Buffalo Springfield, Brian Wilson, Gram Parsons, Joni Mitchell, Jackson Browne, Linda Ronstadt, Fleetwood Mac, Carole King, James Taylor, Graham Nash o The Mamas & The Papas.

«Familia cercana«/»Immediate Family» está dirigido por Denny Tedesco, que ya realizó el documental sobre los Wrecking Crew. Además de los cuatro miembros de la familia (Russ Kunkel, Leland Sklar, Danny Kortchmar y Waddy Watchel) se incluyen intervenciones de los artistas con los que grabaron y giraron y también de admiradores como Keith Richards. Se estrena el 15 de diciembre en cines de EEUU y online.

La emocionante película de Ken Loach

«El viejo roble» («The Old Oak«) es la emocionante última película de Ken Loach. A sus 87 años deja un legado de más de 30 películas y una veintena de series (la última es de 1989).

Para su despedida ha elegido una historia que gira alrededor del propietario del único pub de una ciudad minera, del noroeste de Inglaterra, en decadencia tras los cierres de las minas. Magníficamente interpretado por Dave Turner, a quien conocíamos como actor de reparto en otras dos obras de Loach, se enfrenta a la xenofobia de su clientela más fiel, ante la llegada de refugiados sirios. La protagonista femenina, una excelente Ebla Mari en el papel de una joven fotógrafa siria, es su cómplice en los esfuerzos por integrar a los refugiados en el pueblo.

Ken Loach una vez más nos muestra lo peor y lo mejor de la sociedad inglesa. En este caso todos pertenecientes a la misma clase social. En «El viejo roble» se afronta el tema de la solidaridad. Y las secuencias finales, de lagrimones gordos, no dejan de ser una invitación a la esperanza.

De nuevo el termómetro Boyero no falla: película a la que pone pegas o no le gusta a nosotros nos encanta. Y desde luego, por solo dos euros (los martes para mayores de 65 años) merece la pena arriesgarse. Por otra parte, «El viejo roble» es otra estupenda película de Ken Loach. Muy recomendable.

Martes de cine y fútbol

Los martes a los seniors el cine nos cuesta solo dos euros; hoy además tenemos fútbol; juega el Real Madrid contra el Sporting de Braga (Champions), en el estadio municipal de Braga (obra del premio Pritzker 2011 de arquitectura Souto de Moura).

Será la segunda vez que aprovechemos la oferta de los dos euros, medida implantada por el gobierno de coalición. La primera fue con la última película de Woody Allen. Parece que la cartelera no es muy atractiva para nosotros. Al menos desde que se puso en marcha la oferta de los dos euros para mayores de 65 años (el programa Cine Senior entró en vigor este pasado julio).

La elegida para hoy es la de Martin Scorsese, «Los asesinos de la luna» (el título original es «Killers of the Flower Moon«). La trama gira alrededor de los asesinatos en serie de los indígenas pertenecientes a la Nación Osage en Oklahoma. Encontraron petróleo en sus tierras. Los hechos, conocidos mediáticamente  como «Reinado del terror», ocurrieron en la década de los 20, cuando el FBI no llevaba ni dos décadas en funcionamiento (entonces se llamaba de otra forma y su actual denominación data de 1935).

Es la sexta película que Scorsese rueda con Leonardo DiCaprio y la décima con Robert De Niro. Está dedicada a Robbie Robertson, fallecido dos meses antes del estreno. Es la undécima banda sonora del guitarrista de The Band para una cinta de Scorsese.

A priori, tengo en contra la larga duración (unas tres horas 40 minutos) y a favor que no le ha gustado a Boyero.

Taylor Swift bate todas las marcas

Taylor Swift bate todas las marcas. Va de récord en récord. A los que ya tenía hay que añadir que su gira estadounidense «The Eras Tour» está a punto de ser la que más dólares ha ingresado de la historia. Ahora llega la película de la gira, estrenada el pasado viernes. Según la cadena de cines AMC la recaudación, a falta de las cifras de hoy domingo, se situarán entre los 95 y 97 millones de dólares. Lo que la convierte en la película más taquillera de la historia en su primer fin de semana. Ciñéndonos a películas musicales o de conciertos ha superado en un fin de semana a «Never Say Never» de Justin Bieber (73 millones en total) y «This Is It» el film póstumo de Michael Jackson (72 millones). Si incluimos las taquillas internacionales los ingresos de la de Michael Jackson ascienden a 252 superando a la de Justin Bieber. Aquí la de Taylor Swift ya se ha colocado en segunda posición con un solo fin de semana y sin estrenos fuera de Estados Unidos.

Taylor Swift es una industria en si misma.

Raquel Welch en la portada de «Bikinis, Fútbol y Rock & Roll»

Raquel Welch ha fallecido a los 82 años. Y la foto de Terry O’Neill de 1966 con ella crucificada en bikini fue la que elegí para la portada de «Bikinis, Fútbol y Rock & Roll». La intención original del fotógrafo y la actriz fue denunciar la cosificación de las mujeres, algo que ella experimentó en la película «Hace un millón de años» (1966). Se paseó en bikini, luciendo palmito, sin decir una sola frase. El concepto y la intención de la foto coincidían totalmente con una de las premisas de mi libro. El tratamiento de la foto y el diseño de Akal hicieron el resto. Quedó una portada de lo más llamativa.

En el encabezado la portada y abajo la foto original.

Race (El héroe de Berlín)

Anoche vi «Race» (aquí «El héroe de Berlín«), una película de 2016 que desconocía. Y mira que me interesa el tema, Jesse Owens, y cuenta con un reparto de categoría (Jason Sudeikis, Jeremy Irons, o William Hurt entre otros). Pues no me enteré de su existencia.

El título, «Race«, no puede ser más acertado: es un juego entre «carrera» y «raza». Porque la presencia de Jesse Owens, atleta universitario negro del equipo de Ohio State University y de la selección olímpica estadounidense que compitió en los JJOO de Berlín 1936, estuvo marcada por la polémica racial y el éxito (récords mundiales y cuatro oros olímpicos).

Dirigida con eficacia por Stephen Hopkins muestra las contradicciones de la época. La disyuntiva entre la participación o no de EEUU en los Juegos de la Alemania nazi. Estados Unidos era un país racista que practicaba activamente la segregación: baños distintos para blancos y negros, comedores solo para blancos, zonas exclusivas para negros como la parte trasera de los autobuses, etc. Tampoco salían bien parados los judíos, especialmente en los estados del sur. Para que se hagan una idea en la película reflejan una anécdota de lo más significativa: en una cena homenaje en honor de Jesse Owens no le dejaron entrar, ni a el ni a su esposa, por la puerta principal. Los mandaron a la puerta de servicio.

No sabía que en su primer campeonato nacional de atletismo batió tres récords mundiales en 45 minutos (salto de longitud, 200 metros lisos y 200 vallas). En realidad fueron cuatro: en su primera carrera, los 100 metros lisos, cronometraron mal (arrebataba el récord a un atleta blanco) y dijeron que había igualado la mejor marca. Es decir, cuatro marcas mundiales en una hora.

En Berlín Hitler rechazó saludar a Owens, nieto de un esclavo. En cuatro ocasiones porque ganó cuatro oros. En 100 y 200 metros lisos, salto de longitud y el 4×100 de relevos. En esta prueba se produjo otro incidente. Owens no formaba parte del equipo de relevos. Nunca había corrido la prueba. Pero entre los cuatro atletas estadounidenses había dos judíos. La presión nazi logró (intereses económicos mediante) que los apartasen. Owens se negó a formar parte. Pero cuando los dos afectados le pidieron reconsiderar su postura atendió sus razones y fue el primer relevo. Lo de Hitler tuvo su réplica en casa: el presidente de Estados Unidos, Roosevelt, no recibió al héroe de Berlín. La administración de EEUU no reconoció sus éxitos de Berlín 1936 hasta 1976 cuando el presidente Ford le otorgó la Presidential Medal of Freedom. Tres años después fue Jimmy Carter quien le dio otra distinción.

Sus tres primeros oros olímpicos igualaba la mejor marca de un deportista en unos JJOO. La cuarta establecía un nuevo hito.

Ennio, el maestro

Carlos Narea me escribió para recomendar encarecidamente que viese «Ennio, el maestro«, la película documental sobre el gran Ennio Morricone dirigida por Giuseppe Tornatore (el de «Cinema Paradiso«). «Es emocionante» me dijo. Y en verdad «emocionante» es el adjetivo que mejor describe esta obra maestra audiovisual (disponible en Movistar). Bruce Springsteen también habla de emociones en su intervención.

En casa siempre nos ha gustado Morricone. De hecho La Mundana usaba la música de «La misión» para acunar a nuestro bebé. Yo me inclinaba por el «What’s Going On» de Marvin Gaye. Había otras músicas, por supuesto, pero estas eran las de referencia.

Aparte de emocionarme viendo la peli también me emocioné con Morricone emocionandose.

Hay dos aspectos de la biografía del maestro que desconocía. El primero y quizás el más importante; su formación como músico de vanguardia (en un país que ha producido grandes nombres como los de Aldo Clementi -alumno de Petrassi como Morricone-; Luigi Nono -casado con la hija de Schönberg y alumno de Bruno Maderna-; Luciano Berio -fundador de la Julliard Ensemble y que en sus clases en Julliard tuvo de alumnos a Steve Reich y Phil Lesh de los Grateful Dead, y junto a Maderna en 1955 creó en Milán el primer estudio italiano de música electrónica para la RAI-; Luigi Dallapiccola -maestro en EEUU de Berio y el primer compositor italiano en abrazar el dodecafonismo-;  o el ya mencionado Bruno Maderna. Menciono todos estos nombres para situar el bagaje de Morricone (1928-2020) y las frustraciones provocadas por el rechazo de sus compañeros de estudio y profesión. Esto queda muy bien reflejado en «Ennio, el maestro«. Así como el alivio en su años finales de vida cuando recibe una carta pidiéndole perdón y reconociendo el error de haberle menospreciado. Y todo esto está relacionado con el segundo aspecto que desconocía: su rol como artífice de la gloriosa época de la RCA italiana, que dominó el pop italiano desde finales de los 50. Morricone trabajó ahí como productor, arreglista y compositor musical. Volcó sus conocimientos de la nueva música contemporánea, electrónica, serialista, llámenlo H, a la música popular de éxito. Adaptó ruidos, sonoridades desconocidas, para crear hipnóticos efectos de sonido que realzan el potencial comercial de las canciones. Precisamente es aquí cuando sus compañeros empezaron a echarse las manos a la cabeza y pensaron que estaba desperdiciando su talento. El famoso y tristemente célebre «se ha vendido». Que alcanzaría su cima con su trabajo para las banda sonoras de los conocidos como spaghetti westerns y su dedicación exclusiva a la música para el cine. Género al que sin lugar a dudas dignificó y puso en un pedestal. Como así reconocen John Williams y Hans Zimmer en «Ennio, el maestro»

Entre los grandes nombres y éxitos con los que Morricone se relacionó en su etapa pop destaco los del gran Gianni Morandi, el arreglo del pelotazo de «Il mondo» de Jimmy Fontana y la enorme Mina. Precisamente es el autor de la música y de los arreglos de «Se telefonando…» (1966), el gran hit de esos años de la sin par Mina.

Cuando agradecí a Carlos Narea la recomendación me contestó «Voy a volver a verlo». Yo también lo hice.