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Me ha gustado mucho “El irlandés”

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Me ha gustado mucho “El irlandés“. Y si Scorsese se hubiese ahorrado 15/20 minutos del final la película habría sido redonda, de principio a fin. Porque la duración tira para atrás. Y si la ves en el cine (como fue mi caso) dependes de las butacas de la sala y de la suerte que tengas con quien te toque al lado.

La actuación de Robert de Niro, Al Pacino y Joe Pesci está a la altura de sus ilustres carreras. Echo en falta más apariciones de Harvey Keitel. Los secundarios, como en todas las de Scorsese, son brillantes.

De Niro, que a veces se me parece a Springsteen y de anciano a Di Stéfano, es el irlandés, un hitman (asesino a sueldo) de la Mafia, que se gana la confianza de Jimmy Hoffa, el lider sindical, interpretado por Pacino (en momentos me recordaba a Loquillo).

Por primera vez, que yo recuerde, se ofrece un relato (basado en testimonios de primera mano) sobre lo que aconteció con Hoffa (quien un buen día desapareció). El testimonio principal es el relato del personaje, “el irlandés”, al que da vida De Niro. También se da crédito a la teoría del asesinato de Kennedy por parte de la Mafia.

Aparte de las anécdotas de los parecidos hubo otra que me tocó: el asesinato de Joe Gallo, Crazy Joe, en el Umberto’s (a los dos meses de abrir). Gallo y Carmine Persico se habían cargado en una barbería a Anastasia, uno de los capos de las cinco familias de Nueva York. Persico se hizo cargo de los negocios de Anastasia y eventualmente se configuró la familia Colombo, que Gallo dirigió brevemente hasta que “el irlandés” se lo cargó. Durante nuestros años en NY frecuentábamos Umberto’s (el local original, que cerró; el nuevo, en la misma calle Mulberry de Little Italy, está a dos manzanas). Sus espaguetis con almejas eran legendarios. Tanto como su leyenda mafiosa (desde el asesinato de Gallo hasta el propietario). Conocíamos la historia del tiroteo. Lo que no podía ni imaginarme es verlo recreado en “El irlandés” y narrado por quien cumplió el encargo de liquidar a Gallo.

Repito: me ha gustado mucho “El irlandés“.

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Día de lluvia en Nueva York

WA

Día de lluvia en Nueva York” es la última película estrenada por Woody Allen. Es la producida por Amazon y que se negaron a estrenar en Estados Unidos (alarmados por el ruido mediatico montado por Mia Farrow, al que se sumó el movimiento del #MeToo).

El arranque de la cinta me hizo temer lo peor. La pareja protagonista (Timothée Chalamet y Elie Fanning) no acababan de convencerme. La historia de una pareja de pijos tiraba para atras. Pero la actuación de ambos y el magnifico guión de Allen te acaban capturando. Ella (Fanning) acaba atrapándote en su papel de ñoña del sur de EEUU. Fanning, que ahora cuenta con 21 años, fue un descubrimiento en “Super 8” (2011), la producción de Spielberg dirigida por J. J. Abrams.

No sabía que Selena Gomez formaba parte del elenco. Esta fue la primera sorpresa. La segunda es que borda su papel. Está espectacular.

Woody Allen, con el trasfondo de un día lluvioso en Nueva York, nos sumerge en un cuento my bien hilado. En el que se van encadenando las distintas situaciones que configuran el relato. El final es sencillamente apoteósico. Para no destriparlo omitiré las dos situaciones que rematan una muy buena película.

Comentaba anteriormente que “Día de lluvia en Nueva York” es una muy buena película. Pero no está entre sus 10 mejores. Lo digo para ponerles en situación. Con una filmografía tan amplia (casi 50 títulos), con varias obras maestras a sus espaldas, y teniendo en cuenta su edad (83), es prodigioso que facture una obra como esta. Que les recomiendo ver.

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Venecia rescata a Hedy Lamarr

El Festival de Cine de Venecia va a proyectar, en su preapertura, una version restaurada de “Éxtasis“, estrenada en la Mostra de 1934. Su primer pase, el 7 de agosto de 1934, causó un revuelo. La película, una producción checa dirigida por Gustav Machatý, mostraba por primera vez un orgasmo femenino (reflejada en el rostro de Lamarr, lo único que se veía en pantalla) y probablemente tambien fuese el primer desnudo integral femenino del cine rodado para su exhibición comercial en salas (dos escenas de 10 minutos de duración cada una: una bañándose y la otra correteando por un bosque).

La austriaca Hedy Lamarr (Viena. 1914), nacida como Hedwig Eva Maria Kiesler en el seno de una acomodada familia judia, no solo se codeó con los grandes protagonistas masculinos del Hollywood de su época (Charles Boyer, Clark Gable, James Stewart o Spencer Tracy). También estudió ingeniería desde los 16 años, que abandonó para dedicarse al mundo de la escena (posteriormente reanudaría sus estudios, privadamente, en EEUU). Sin embargo su faceta como ingeniera y sobre todo inventora es la menos conocida. Aunque ultimamente se le está dando su justa relevancia.

Lamar junto al músico George Anthill patentaron una idea que posteriormente revolucionó las comunicaciones, las militares y las de la telefonía móvil (está en la base del WiFi y del Bluetooth). En 1942 denominaron su idea como “Secret Communication System”. Era el espectro ensanchado por salto de frecuencia.

Durante el transcurso de la II Guerra Mundial Lamarr había observado que los torpedos estadounidenses, guiados por radio, eran facilmente interceptados por las fuerzas enemigas. Con Anthill llegó a la conclusión que si se pueden cambiar las notas musicales en una pianola, también podría hacerse cambiando simultáneamente las radio frecuencias. Hasta la crisis de los misiles de Cuba, veinte años después, no se puso en práctica.

La aparición del transistor y su posterior miniaturización facilitaron la implantación y desarrollo del invento, entre la industria militar y la de la telefonía móvil.

HL

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El libro de memorias de Woody Allen

El País

Ayer varios medios españoles destacaban sorprendidos que ninguna editorial estadounidense se hubiese interesado por el libro de memorias de Woody Allen. Como única razón citaban los problemas suscitados a raíz de sus comentarios sobre el movimiento del #MeToo. Esas declaraciones tenían su origen en las denuncias (no sustentadas y de las que fue exonerado) de Mia Farrow. En otras palabras: en Estados Unidos es un apestado. Pero nadie mencionaba un factor igual de decisivo: el escaso atractivo comercial de Woody Allen en EEUU.

Su caso, salvando las distancias, es parecido al de Leonard Cohen. Su gancho comercial estaba fuera de Estados Unidos. Con Cohen, canadiense, me tocó vivir una situación similar: firmado por la compañía estadounidense le dieron la carta de libertad (entonces no existía el #MeToo ni Cohen fue objeto de ninguna campaña pública en su contra). Esta decisión afectaba a países donde tenía predicamento y sus discos se vendían bien. En la división internacional nos movimos rápido y le firmamos para todo el mundo excepto EEUU y su Canadá natal. El álbum en cuestión era “Various Positions” (donde se encontraban lo que ya son dos clásicos de su repertorio: “Dance Me To The End Of Love” y “Hallelujah“). El impacto internacional del disco finalmente provocó su edición en EEUU y Canadá. ¿Será esta una pista valida para Allen?

Las recaudaciones de las películas de Woody Allen han sido por lo general superiores fuera de EEUU, especialmente en Europa. En algunos países europeos, como el nuestro y Francia, está considerado como un genio. No sucede lo mismo en su país de origen. En Italia, Holanda y los países escandinavos también goza de gran predicamento. En Gran Bretaña varía de película de película. Pero, en proporción, también podríamos decir que tiene más gancho que en Estados Unidos.

Incluyo tres pantallazos de las recaudaciones de sus tres mejores películas de esta década: “Midnight In Paris” (2011), “Blue Jasmine” (2013) y “Cafe Society” (2016).

Cafe Society copiaBlue Jasmine copiaMidnight in Paris copia

Estas capturas de IMBD no solo confirman lo expresado aquí, además hay que resaltar dos hechos: uno importante y otro anecdótico:

  1. Cuando mencionan “limited release” se refieren a que fueron estrenadas en pocos cines. En la Web Box Office Mojo se encuentra el detalle: “Cafe Society” 5 salas; “Blue Jasmine” 6 salas y “Midnight In Paris” 6 salas. Una confirmación más de lo apuntado.
  2. El dato anecdótico es el del estreno de “Midnight In Paris” : se produjo en España una semana antes que en EEUU. Y la recaudación española del primer fin de semana superó en un 75% a la estadounidense.

Visto lo visto lo lógico hubiese sido buscar una editorial fuera de Estados Unidos. A no ser que la estrategia sea publicitar el rechazo, en el país de origen, para despertar el interés en Europa. Con los pardillos que trabajan hoy en día en los medios no me extrañaría lo más mínimo…

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Tarantino y Los Bravos

La tarde de ayer produjo una excelente noticia para la mejor época del pop español (1966-1976): se dio a conocer el trailer de la nueva película de Quentin TarantinoÉrase una vez en… Hollywood” y la música era un éxito de Los Bravos, “Bring a Little Lovin’” (al principio suena un tema del primer LP de The Mamas & The Papas).

No sería la primera vez que Tarantino usa música española. Ya incluyó “Tu mirá” de Lole y Manuel en “Kill Bill 2“. En esa ocasión el tema era en español (como los autores). Ahora es una composición en inglés para Los Bravos de Henry Vanda y George Young (entonces miembros del grupo The Easybeats; unos meses después de Los Bravos editaron su versión). En “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll” escribía al respecto. Un mínimo extracto:

Los Bravos

Y también incluía en el libro una tabla con los éxitos de Los Bravos (las canciones en español son de Manolo Díaz excepto “Como nadie más” que era la adaptación de un tema de los Bee Gees).

Hits

 

TOP es la posición más alta en listas, en paréntesis el n.º de semanas que encabezó la lista y SL es cuantas semanas permaneció en listas.

Érase una vez en… Hollywood” cuenta con Leonardo DiCaprio, Margot Robbie y Brad Pitt en los papeles principales. Localizada en el Los Angeles de 1969 aparecen personajes basados en personas reales de la época como Bruce Lee, Steve McQueen o Sharon Tate (asumo que Manson también). El estreno está previsto para agosto.

De despedida el clip original de “Bring a Little Lovin’“. ¡Así de modernos éramos!

 

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El pintor de canciones

Hoy estuve viendo la exposición El pintor de canciones, en el Teatro Fernán Gómez del Centro Cultural de la Villa (Madrid). Se trata de una impresionante muestra que abarca 30 años, desde 1948 hasta 1978 (año en el que se aprueba nuestra actual Constitución). Estuve con los alumnos de este curso del Máster en Industrias Musicales y Estudios Sonoros (MIMES) de la Universidad Carlos III. El comisario de la muestra, Javier Panera (a quien podemos ver en el video), se trajo a sus alumnos de Historia del Arte de la Universidad de Salamanca. Nos juntamos un buen grupo que disfrutamos de las explicaciones del shérif. (No pude evitar estar callado e intervine un par de veces).

El trabajo fino, riguroso e impecable de esta exposición se debe a Panera, sus dos colaboradoras y a La Fábrica, que dirige Alberto Anaut.

Mientras Panera nos daba una charla de introducción antes de recorrer la muestra vi entrar a Luis Mendo. Tanto él como Bernardo Fuster (incluyendo su faceta artística con seudónimo) están presentes en El pintor de canciones. Nos saludamos desde la distancia. Y me comentaron que la mayoría de quienes aparecen, o son mencionados, han visitado las salas de la exposición. Los vivos, claro está.

El impacto emocional que me supuso la exposición es difícil de expresar. Al acabar estuve comiendo con Javier Panera e Ignacio Marín, director del Fernán Gómez y viejo conocido. Javier me comentó lo emocionado que se sintió Gonzalo García-Pelayo, uno de los protagonistas culturales de la España de los 70. Me solidaricé con lo que comentó Gonzalo (siendo un servidor tan solo un segunda fila). Mi sobrecogimiento se debió a dos factores muy sencillos. Primero por revivir mi infancia, adolescencia y mis inicios profesionales, recorriendo los distintos apartados de las salas dedicadas al El pintor de canciones, mientras reconocía a amigos, conocidos y colaboradores. Y el segundo motivo fue por ver reflejado, o reivindicado, mi trabajo de “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll“. El paralelismo entre el libro y la exposición es evidente. Hay diferencias, lógicamente, pero son de enfoques puntuales en algunos aspectos, pero que son complementarios. En este aspecto de contar la historia de España, desde 1948 (ellos) o 1950 (yo), desde el punto de vista de la cultura popular ya no me siento tan solo. Es más, siento que he sido pionero al respecto (aspecto que señalaron varios críticos en su momento, pero que hoy he podido contrastar, palpar in situ).

Y aparte de refrescar cosas también aprendí: la primera visita a España de John Cage fue financiada por Joan Miró. Miró se enteró que la compañía de danza del bailarín Merce Cunningham estaba de gira por Europa. Intentó convencer al Hot Club de Barcelona para que le trajesen. Los problemas económicos frenaron la contratación. Miró no se amilanó y corrió con los gastos, además de realizar el cartel del evento. Club 49 (burocráticamente una sección del Hot Club) organizó la velada. Cunningham vino acompañado de su entonces pareja, John Cage (una de las piezas era música suya).

Cage Miró

La mala noticia es que El pintor de canciones se clausura el 11 de noviembre.

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“Noches de Rock ‘n’ Roll” el doc de Colomo sobre Burning

Anoche asistí al estreno en cines de “Noches de Rock ‘n’ Roll“, el documental de Fernando Colomo sobre Burning. Forma parte del festival In-Edit dedicado a documentales musicales (todos los de esta edición tienen una pinta estupenda). Y ya se está emitiendo por uno de los canales de Movistar.

A la sala del Proyecciones acudieron los coproductores Susana López Corcuera y Roberto Oltra (quien además fue batería de Burning) y el director. La Mundana nos hizo unas fotos. Entre los presentes estaban además parte del equipo técnico, Gonzalo García-Pelayo y el gran Jesús Ordovás (aparece en la foto con Susana).

Finalizado el pase hubo un turno de preguntas y respuestas. Susana, en su segunda intervención, comentó que el concierto del entonces denominado Barclayscard Center, con una pléyade de estrellas del rock nacional, y que es parte esencial de la filmación, lo organizó ella para recaudar fondos para financiar el documental. Es decir, no fue al revés, rodar aprovechando el evento.

Fernando Colomo vuelve a encontrarse con Burning. La primera, “¿Qué hace una chica como tú en sitio como este?“, no pudo ser más fructífera y lanzó comercialmente a la banda. Una vez más encontramos ejemplos de la estrecha colaboración entre el cine y el rock (y la música en general). Concepto que menciono frecuentemente en mis dos últimos libros. En “Noches de Rock ‘n’ Roll” Colomo nos cuenta los 40 años de existencia de Burning. Desde sus comienzos. Su ascenso a los cielos. Y sus infiernos. La narración es ágil y nos da la dimensión exacta de la importancia del grupo. Que es mucha. Así como su influencia. Y así lo reflejan los múltiples testimonios que recoge el documental. Desde Rosendo hasta Loquillo. De las personas que intervienen me gustaría destacar a las dos hermanas de Pepe Risi (José Casas Toledo), el que fuera guitarra solista y miembro fundador de Burning. Y también quiero agradecer a la productora por haber contado conmigo. Nunca me había visto en pantalla grande…

De los supervivientes de la formación original es el enorme Johnny Cifuentes quien lleva la antorcha de Burning, desde las desapariciones de Toño Martín (el primer cantante) y Pepe Risi. Y lógicamente Johnny es el gran protagonista de la cinta. Y objeto del cariño de sus compañeros de profesión y de Colomo.

No pierdan la ocasión de ver “Noches de Rock ‘n’ Roll“. Merece y mucho la pena. No les defraudará. Es más, les encantará.

Con Roberto Oltra y Fernando ColomoCon Susana López Corcuera y Jesús Ordovás

 

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