Miguel Ríos, en su celebración de los 40 años del “Rock & Ríos” del marzo pasado en dos conciertos históricos en el WiZink, contó con varios invitados. Representaban a todas las generaciones del rock español. Para la versión 2.0 de “Nueva Ola” Anni B. Sweet fue la elegida. ¡Gran elección!
Es el segundo single extraído de lo que será el próximo gran trabajo de Miguel Ríos: «Rock & Ríos and cia. 40 años después«.
Recuerden que Miguel Ríos cerrará 2023 con una gira con esta celebración y que las entradas ya están a la venta.
¿Quién era Elizabeth Reed? ¿Por qué inspiró un temazo instrumental de la Allman Brothers Band? En la época era una pregunta difícil de responder. Hoy, pasado el tiempo y con Internet, se pueden conocer algunas claves.
Elizabeth Reed fue inmortalizada por la Allman Brothers Band en «In Memory Of Elizabeth Reed«. Compuesta por el guitarrista Dicky Betts, su primera para el grupo, fue incluida en el segundo álbum «Idlewild South» (1970). También fue la primera vez que la Allman Brothers Band grabaron un instrumental. En el video, con las limitaciones técnicas de entonces, vemos a la formación original interpretando lo que ya era un clásico de su repertorio y se lanzó al estrellato con esta actuación en el Fillmore East de Nueva York en 1971 y formó parte del espectacular doble en directo editado ese mismo año. Este directo pertenece a la primera noche de las dos que tocaron (y grabaron).
En realidad hay dos Elizabeth Reed. La auténtica Elizabeth Reed según el salvaje Betts, autor del tema, era una morena hispana con la que tuvo relaciones en Macon (sede y hogar de la banda). En la época ella era la novia de Boz Scaggs. De ahí que ocultase su verdadera identidad. Y recurrió a usar el de Elizabeth Reed. Nombre que tomó prestado de una lápida del cementerio de Macon. Ahí solía reunirse el grupo para ponerse a gustito y componer. Cierro con la foto de la lápida de Elizabeth Reed (de Saginaw-hitchhiker – Trabajo propio, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=43171222).
P.D.: «Little Martha«, esta vez de Duane Allman, está inspirado en el nombre de una niña de 12 años enterrada también en el cementerio de Macon. Fue escrita y grabada poco antes de su fatal accidente de moto,
Las políticas del PP respecto a la Sanidad Pública se han cantado en el Carnaval de Cádiz. La comparsa de Germán GarcíaRendón, Los Trampucheros, dedicaron su segundo pasodoble a la privatización de la Sanidad en Andalucía. Sucedió en los cuartos de final del Concurso Oficial de Agrupaciones. El primer pasodoble hizo referencia a la carestía de los alimentos y arremetía contra las grandes cadenas alimentarias. Pasaron a semifinales.
La situación que denuncian de la política sanitaria de Juanma Moreno Bonilla en Andalucía es igual a la de Isabel DíazAyuso en la Comunidad de Madrid. Ambas comunidades están gobernadas por el PP.
Anoche fuimos al Teatro Lara para disfrutar de la presentación de «Galaxias«, el nuevo álbum de Niño Josele. Fue una noche de buen rollo: buena música y reencuentros con viejos amigos y conocidos. Que reunió, además de a los artistas invitados que actuaron, a tres guitarristas de renombre como Pepe Habichuela, Serranito y Juan Manuel Cañizares. Hubo otros músicos entre el público. También vi a Fernando Trueba y a Cristina Huete. Y a dos políticos, Eduardo Madina (ya retirado) y Mónica García. En la foto, tomada durante el fin de fiesta, vemos de izquierda a derecha a la banda de Niño Josele y a sus invitados: su hijo a los teclados, el bajista, Enrique HerediaNegri, Josémi Carmona, Rosario La Tremendita, Niño Josele, Jorge Pardo, Nino de los Reyes (parcialmente tapado por Jorge) y los dos percusionistas. La labor de ambos junto a los taconeados de Nino crearon un sólido e inspirado armazón que sostuvo la estructura del concierto y sus improvisaciones.
La primera referencia que tuvo de Niño Josele fue cuando Paco de Lucía lo integró a su formación. Ahí es ná. Fueron 10 años. Los últimos si no me equivoco. Alguien me apuntó que ya lo había visto cuando tocó para Enrique Morente cuando tan solo contaba con 17 años.
Hoy en día Niño Josele es un músico cotizado fuera de nuestras fronteras. Ha tocado y/o grabado con Elton John, Paul Simon, Alicia Keys, Lenny Kravitz, Chick Corea, Rubén Blades, etc. Precisamente Corea y Blades colaboran en «Galaxias«. El tema de Blades, que anoche cantó El Negri, está dedicado a Paco de Lucía.
Miguel Ríos no para: esta semana se ha confirmado el rumor de que habrá gira para celebrar el 40 aniversario del «Rock & Ríos«. Se han anunciado 14 ciudades entre mediados de agosto y principios de noviembre. Las entradas se pondrán a la venta en su web a partir del próximo jueves 16 de febrero a las 12:00. Se ha habilitado un formulario para hacer la reserva desde ya y poder adquirir las entradas con 24 horas de antelación.
Esta gira 40 aniversario del «Rock & Ríos» será una celebración del rock español.
Asumo que ya conocen el fallecimiento de Burt Bacharach, músico insigne donde los haya. Todo el mundo que se ha volcado en elogios a su figura y obra ha mencionado las dos docenas de canciones clásicas que compuso. Pero nadie se refiere a este magistral «Toledo» escrita junto a Elvis Costello (ambos grabaron un álbum juntos, «Painted From Memory«, que es una maravilla).
Hace unas semanas se anunció un nuevo álbum de ambos para celebrar los 95 años de Bacharach (los hubiera cumplido en mayo). El repertorio lo forman las canciones que ambos han compuesto juntos en esta últimas décadas desde el «Painted From Memory» (1998). Como podrán suponer lo espero impaciente.
En los Grammy 2023 dominados por Harry Styles en los principales galardones y en los que Beyoncé se convirtió en el artista que más premios ha logrado, hubo varios momentos espectaculares. En una gala que recobró el brillo y vigor perdido se celebraron los 50 años del rap, con un medley que reunió a las principales figuras del género y otra actuación liderada por Jay Z, DJ Khaled y John Legend en los exteriores del recinto donde se entregaban los premios. Mas quisiera destacar a dos mujeres: Lizzo y BonnieRaitt. Diametralmente opuestas pero igual de combativas y reivindicativas. Sus trayectorias musicales difieren aunque beban de las ricas tradiciones musicales estadounidenses, Una, Lizzo, es más rythm & blues y rap, y la otra, Bonnie Raitt tiene sus raíces en el country y el blues (americana lo llaman). Ambas ganaron dos Grammy de los de relumbrón, Mejor Canción del Año y MejorGrabación del Año.
Bonnie Raitt (73) no se esperaba el premio. Su «Just Like That«, título de su decimoctavo disco de estudio, fue elegida como la Mejor Canción del Año. Era su tercero de la noche: el tema también se llevó el de Mejor Canción de Raíz Americana y el primer sencillo del álbum, «Made Up Mind«, ganó el de Mejor Interpretación de Americana. La canción «Just Like That» está inspirada en un hecho real: el recipiente de un corazón visita a la madre que donó el órgano de su fallecido hijo. Según explicó Raitt la canción tomó su forma definitiva cuando su amigo John Prine falleció en 2020.
Antes de estos tres de este año Bonnie Raitt había ganado 10 Grammys.
Lizzo (Detroit, 1988) estaba nominada en tres categorías por su «About Damn Time«. La que ganó, Grabación del Año (o Discodel Año si lo prefieren, pero me inclino por «grabación» porque hace referencia a la producción y mezclas así como al productor y los ingenieros de sonido); a Mejor Interpretación Solista Pop y al que se llevó Bonnie Raitt (Mejor Canción del Año). Era el cuarto Grammy de su carrera, con la canción que mejor defiende su físico y color de piel y proclama a los cuatro vientos como venció obstáculos, prejuicios y temores. Temáticas frecuentes en su repertorio cargado de buen rollo y humor.
Entre las actuaciones destacadas, además de las dos mencionadas de los raperos, están la de Bad Bunny que abrió la ceremonia de entrega de premios, el homenaje a Smokey Robinson a cargo de Stevie Wonder y las que ilustraron la larga lista de fallecidos, agrupados por estilos musicales. De estas me gustó mucho la de Sheryl Crow, Bonnie Raitt y Mick Fleetwood.
El regalo más dulce fue el que nos ofrecieron Dolly Parton, Emmylou Harris y Linda Ronstadt. Todo surgió cuando en 1974 la Parton invitó a cenar a su casa a las otras dos. Congeniaron y se forjó una amistad duradera. «Como si fuésemos hermanas» comentó Dolly Parton. La cena terminó con las tres cantando canciones. Empezaron a aparecer en los especiales de TV de Parton (tanto en su propio programa «Dolly«y como en los de Navidad). En el video de 1976 las vemos cantando «The Sweetest Gift» -El regalo más dulce-, una canción que la mamá de Dolly Parton cantaba de pequeña y que adoraba la versión que Ronstadt había grabado con Harris.
Una cosa llevó a la otra y acabaron grabando «Trio» su primer álbum a iniciativa de Linda Ronstadt («hagámoslo ya antes de que envejezcamos más»). Se editó en 1987 ¡once años después de esa primera aparición conjunta en TV! El impacto fue el que se pueden imaginar. Y nuevamente la espera para una nueva grabación fue muy larga. Se dice que grabaron en 1994 aunque no se editó hasta 1999. Otra versión, la lógica, es que por problemas de calendarios de las tres tardaron cinco años en completar la grabación. Fuera como fuese el lanzamiento de «Trio II» se anunció en el «Late Show» de David Letterman. El tema elegido y primer sencillo fue un clásico de Neil Young: «After The Gold Rush«.
«Flowers» es el pelotazo mundial de Miley Cyrus. Lanzado el pasado 13 de enero lleva batiendo récords en Spotify desde entonces. Y por segunda semana consecutiva ocupa el número uno global en Billboard por su impacto en multitud de países. Es su tercer nº. 1 en Gran Bretaña, el segundo en Estados Unidos y el primero en Alemania y Francia.
La canción versa sobre la ruptura con su marido. No ha tomado la senda de otras artistas como Paquita la del barrio, Taylor Swift o Shakira que despellejan a sus ex. Más bien va por los derroteros del «Blue» de Joni Mitchell: se abre en canal (como ya hiciera en «Wrecking Ball«, otro temazo). Las flores del título son de una frase del estribillo, «me regalo flores», que hace referencia a un texto de Virginia Woolf. Y también es una respuesta a una de Bruno Mars que su exmarido la dedicó cuando se quemó la mansión de ambos.
«Flowers» es un pedazo de canción y Miley Cyrus lo borda. Siempre me gustó el color de su voz y su personalidad cantando.
Doy por supuesto que ya conocen la triste noticia del fallecimiento de Jeff Beck (1944-2023). Pero quizás lo que muchos desconozcan es su relación con Stevie Wonder. La foto de Kevin Mazur (Wireimage) del encabezado es de 2011 mas la cosa viene de lejos. Y se remonta al «Superstition«, uno de mis temas favoritos de Stevie Wonder.
Estamos a principios de los 70. Stevie Wonder ya había editado «Music Of My Mind» (marzo 1972), su primer disco «maduro» y el primero de su nuevo contrato con Motown (Tamla Records). Coproducido junto a dos pioneros de la música electrónica: el británico Malcolm Cecil y el estadounidense Robert Margouleff. Ellos se encargaron de las programaciones de los sintetizadores Moog y Arp. Wonder tocó todo lo que suena en el álbum excepto un trombón en una canción y una guitarra en otra («Superwoman«, que fue el primer sencillo del LP). La pareja continuó colaborando con Wonder en sus siguientes tres álbumes. Son precisamente ellos quienes pusieron en contacto a Jeff Beck con Stevie Wonder.
Para el siguiente LP de Wonder «Talking Book» (octubre 1972) Cecil y Margouleff pidieron a Beck que tocase. El tema elegido «Lookin’ For Another Pure Love» cuenta con un sobresaliente y delicado solo del legendario guitarrista, al que da paso Wonder (do it Jeff). Wonder quedó tan encantado que en señal de agradecimiento le ofreció «Superstition«. Jeff Beck la grabó con Beck, Bogert & Appice, un proyecto que retomaba tras un parón debido a desafortunadas circunstancias. Ese primer y único álbum del trío se editó en marzo de 1973 cuando la versión de su autor, Stevie Wonder, ya había sido número uno en EEUU y era un pelotazo en todo el planeta. Cuando BarryGordy, el capo de Motown, la escuchó decidió que fuese el primer single. Wonder contó que se la había cedido a Beck y mejor salir primero con «You Are The Sunshine Of My Love» (sería el segundo sencillo y también alcanzó el n.º 1 de listas de EEUU). Gordy no cedió y se salió con la suya.
Stevie Wonder le contó el asunto a Jeff Beck. Y lo compensaba con dos canciones: «Cause We Ended As Lovers» y «Thelonious«. Ambas se grabaron para el «Blow By Blow» (1975, el álbum de Jeff Beck producido por George Martin. La primera pertenecía al segundo álbum de su entonces esposa, Syreeta Wright, «Stevie Wonder Presents: Syreeta» (1974), y es una de las mejores del «Blow By Blow«. La segunda, inédita, contó con la colaboración de Wonder tocando el clavinet.
Más allá de estas aventuras musicales hay otro aspecto fundamental en la relación Beck-Wonder. Jeff Beck se convirtió en el mejor embajador del talento de Stevie Wonder en la comunidad del rock y por extensión entre el público blanco. Si bien es cierto que los números uno de Wonder abrieron todas las puertas, el peso de Beck otorgó la credibilidad artística más allá del éxito comercial. La palabra de Beck iba a misa. Tal era su predicamento en el rock de los 70. A Beck se añadieron otros roqueros blancos y… Chris Blackwell de Island Records emuló esta circunstancia para el lanzamiento mundial de Bob Marley.
El Mundano 