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Se apagó la luz de Caballero Bonald

Se apagó la luz de José Manuel Caballero Bonald. Un faro de muchas madrugás, de mañanas, tardes y noches. Caballero Bonald (Jerez de la Frontera, 1926 – Madrid, 2021) era ante todo un hombre culto, de vasta cultura. Asumo que influido por sus progenitores (padre cubano y madre descendiente de aristócratas franceses), supo navegar entre las mal llamadas alta cultura y baja cultura. Apasionado de esta última, especialmente del flamenco, siempre supo distinguir cual era la música popular de su tiempo. En casi todos los obituarios que lean destacarán su faceta de escritor, sobre todo como poeta. Es justo que sea así. Pero no podemos ni debemos olvidar su aportación a la música popular.

Fue además un excelente gestor cultural. El librero asturiano Silverio Cañada fundó Ediciones Júcar (Gijón, 1967). Encargaría la dirección de la editorial a Pepe Caballero Bonald, que abrió oficina en Madrid y bajó su mandato se editaron casi 2.000 libros. Cañada y Caballero Bonald le compraron una idea a otro grande, Mariano Antolín Rato (trabajaba de traductor en la editorial): ampliar al rock la colección “Los Juglares” dedicada a los cantautores, bajo la dirección del propio Antolín Rato, el primer traductor español de las letras de Bob Dylan. En “Los Juglares” se editaron los primeros libros en España sobre Bob Dylan (del gran Jesús Ordovás), Leonard Cohen, Serrat (de Vázquez Montalbán), The Beatles, The Who, Simon & Garfunkel, etc. Se tradujeron libros franceses sobre sus principales cantautores, Ramón de España publicó volúmenes en los 80 sobre Roxy Music y Buddy Holly. Marcos Ordoñez (Gato Pérez) y Ramón Chao (George Brassens) también forman parte del ilustre elenco de autores de “Los Juglares“.

Su labor de difusión del flamenco fue muy activa en varios frentes. Como letrista, productor y director de sello discográfico. Las alegrías que abren este post son letra suya. Como todas las de los dos primeros discos de Diego Clavel, a quien produjo esos dos primeros LPs para Ariola. “Tierra” el doble álbum de El Lebrijano también son letras suyas. Lo produjeron ambos. Entre Clavel y El Lebrijano, Caballero Bonald dirigió el sello Pauta para Ariola. Pauta, fue la respuesta a mediados de los 70 del jefe de Ariola, Ramón Segura, al éxito de Gong, el sello en Movieplay de Gonzalo García-Pelayo (entonces Garcíapelayo). Gong ampliaba sus miras al rock, mientras Pauta se enfocaba en el flamenco y la canción de autor. El día a día de Pauta lo llevaba Charo García. En Pauta reeditaron el primer LP de Luis Eduardo Aute (RCA) y le grabaron dos más (“Babel” y “Sarcófago“). Rosa León, el Forgesound, Miro Casabella, María del Mar Bonet, Paco Ibáñez y el Cuarteto Cedrón, Manuel Gerena, El Sordera, Agujetas padre e hijo, son algunos de los artistas que formaron parte de los casi tres años de existencia de Pauta.

Como productor, aparte de los mencionados y por mencionar, destacar dos discos para Ariola: el “Heliotropo” de Vainica Doble y “Rito” de Aute con el gran Carlos Montero en la dirección musical y artífice de los arreglos.

Ramón Segura y Pepe Caballero Bonald se conocían desde los tiempos de Vergara, la discográfica barcelonesa que fue adquirida por la alemana Ariola. En Vergara, Caballero Bonald puso en marcha y produjo en 1968,  con Segura coordinando, la magna obra “Archivo del Cante Flamenco“. En seis discos se recorrían todos los cantes, divididos en Cantes Primitivos y Cantes Derivados. Esta antología, años después, me sirvió de enciclopedia para mi aprendizaje flamenco.

Mi admiración por José Manuel Caballero Bonald fue siempre desde la distancia. Coincidímos brevemente en la presentación de “La raíz del grito“, el segundo LP de Diego Clavel con portada de Guinovart (Ariola, 1974). En esa época trabajaba en medios. Se mostró interesado por el hecho de alguien apasionado por el rock apreciase el cante. Volvimos a coincidir en otros saraos: la presentación de Pauta, el Forgesound y el “Babel” de Aute. Breves ráfagas, en las que su luz se proyectaba en cada frase. Muchos años después nos vimos en BMG (el grupo empresarial formado tras la compra de RCA por parte de Ariola). Yo trabajaba ahí. Salía del despacho de Tato Luzardo (exbatería de Canarios y brazo derecho de Segura) y nos cruzamos en la escalera. El subía y yo me disponía a bajar a mi despacho. Su cariñoso saludo me sorprendió. Me agarró del brazo y me pidió que le acompañase. Había quedado para comer con Ramón Segura. Tato, testigo de la escena, se acercó y se dieron un fuerte abrazo. Dos sentidos del humor complementarios: el canario y el jerezano. Segura no le hizo esperar demasiado tiempo. El suficiente para alertarnos que si teníamos pendientes con el jefe que aprovechásemos, porque la comida, según costumbre, se alargaría bastante. Tato le replicó que como ya lo sabía había cancelado el desayuno conjunto que tenían para el día siguiente.

He sabido de su fallecimiento por Javier Rioyo en su muro de Facebook. Pedro Lópeh en el suyo puso el video de Diego Clavel. Y Ángel Sánchez Harguindey recordaba en FB esta frase del desaparecido maestro:

“Un buen poema es la máxima temperatura que puede alcanzarse manejando el idioma. Un buen poema justifica toda una vida. Ojalá me llegue algún día ese buen poema”.

Archivo cante flamenco

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Sorteo de cuartos y semis de Champions: podría haber sido peor para el Real Madrid

Marca

No ha salido mal parado el Real Madrid del sorteo de cuartos de final y semifinales de Champions. Pudo haber sido peor. Mucho peor.

Los tres cocos del sorteo Bayern, City y PSG han quedado por el otro lado del cuadro. Y dos se enfrentan en cuartos. De estos tres seguro que sale uno de los finalistas. No le doy tantas opciones al cuarto en discordia, el Borussia. Aunque supere los cuartos no les veo eliminando al vencedor del Bayern-PSG. La buen noticia para el Madrid es que se ha librado de los tres, hasta la hipotética final.

El Real Madrid-Liverpool de cuartos presenta tres facetas a destacar. La irregularidad de ambos equipos. Más acusada en el caso de los ingleses. Porque mientras el Madrid aún mantiene esperanzas en la Liga, el Liverpool esta prácticamente imposibilitado para renovar el título de la Premier. Actualmente son sextos, fuera de puestos de Champions, a 25 puntos del líder (Manchester City). El segundo factor a tener cuenta es el de la revancha. Me refiero a la final de Champions en las que les goleamos y logramos nuestra decimotercera copa de Europa. Nos tienen ganas. Y por último, la más importante: Van Dijk. Su baja es decisiva. El Liverpool es uno con él y otro muy distinto sin su presencia. En mi opinión el neerlandés a sus 29 años es, junto a Sergio Ramos, el mejor central del mundo. El Madrid ha sorteado en el ámbito domestico la baja del gran capitán. Mientras que en Europa su presencia en el campo es imprescindible. El Liverpool acusa mucho la ausencia de su central estrella.

El duelo de pizarras de Klopp-Zidane promete ser apasionante.

P.D.: me queda la duda si los ingleses podrán viajar a Madrid y nosotros a la ciudad de los Beatles.

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En agosto vuelven The Beatles!!!

En agosto vuelven The Beatles!!! Y lo harán en los cines en un viaje atras en el tiempo. A la época en la que el grupo, a punto de disolverse, está preparando, tras dos años sin tocar en directo, la que sería su última actuación, la de la azotea del edificio de la calle Savile Row donde Apple Records tenía sus oficinas. “The Beatles: Get Back” se rodó en enero de 1969 por Michael Lindsay-Hogg (supuestamente hijo de Orson Wells), realizador de varios metrajes tanto de Beatles como de los Rolling Stones.

The Beatles: Get Back” son más de 60 horas inéditas de filmación (así como 150 horas de grabaciones sonoras). Todo este material esta siendo procesado y editado por el neozelandés Peter Jackson (el director responsable de la saga de “El señor de los anillos“). La película recogerá la actuación entera celebrada en el tejado londinense (en el documental de “Let It Be“, dirigido por Lindsay-Hogg, solo aparecían cinco canciones del concierto).

Del video que presenta Peter Jackson dos aspectos han llamado mi atención. Un plano donde se ven infinidad de guitarras eléctricas. Es una imagen simbólica de otros tiempos. Hoy en día serían ordenadores portátiles, tabletas, etc. Y el otro es el buen rollo que transmiten estas imágenes. Reina el buen humor y la camaradería. Yoko Ono y Linda McCartney también aparecen. Así como la hija de Linda, Billy Preston, George Martin y Geoff Emerick.

Se me va a hacer muy larga la espera…

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Mi vida con y sin Lennon

Mi vida con John Lennon, bajo su influencia, se podría resumir en las canciones anotadas en el sobre de la imagen. Son mi selección final para el especial 24 Horas Lennon de Rock FM. Me dejé fuera muchas favoritas de John, tanto con The Beatles como sin ellos. Un ejemplo: en el teléfono tengo de tono la introducción de guitarra del “Revolution“. También entraron temas que no están apuntados y que surgieron durante la conversación. De esta lista, que luego reduje porque no cabían todas, me sabe mal haber dejado fuera “Fame“. Compuesta por David Bowie, Carlos Alomar y John Lennon, fue el primer nº 1 de Bowie en EEUU. Me resarzo con el video: Bowie la interpreta en el show de TV “Soul Train“.

Por resumir: desde mi infancia John Lennon ha estado presente en mi vida. (Paul también así como George y Ringo).

Su asesinato, el 8 de diciembre de 1980, marca un antes y un después. Y arranca mi vida sin John. Hacia unas semanas que Lennon (y Yoko) había editado “Double Fantasy” con Geffen Records & Tapes. Un gran disco que contenía dos maravillas: “(Just Like) Starting Over” y “Woman” (me costó horrores quitarlas de la lista). Podría citar un par más, pero estas dos son las imprescindibles. A la altura de sus mejores obras.

Casi un año después, el 24 de noviembre de 1981, La Mundana y un servidor aterrizábamos en Nueva York. Llegaba a la central de CBS para gestionar el marketing internacional de Geffen. De no haber sido asesinado habría trabajado con Lennon, artista Geffen. En el presumible álbum posterior a “Double Fantasy“. Y a partir de aquí arranca mi fantasía…

Hubiese conocido el edificio Dakota por dentro, concretamente el piso de John y Yoko. Seguro que me habría amigado con ambos. Nunca he formado parte del grupo de haters de Yoko Ono. Al revés, lo cual me convertía en una rareza y podría ser un excelente pasaporte de cara a la pareja. Hoy, muchos de sus detractores han madurado y ya ven a Yoko de otra forma.

También fantaseo con la buena pandilla que habríamos formado Leonard Cohen, John Lennon y un servidor. Y cuento con un as en la manga: las magnificas paellas de Osvaldo Gomariz, celebradas en todo Manhattan. Ay, esas paellas perdidas en el Dakota… maldito asesino!!!

Si en Rock FM decía que me habría gustado dirigir Apple, la discográfica de los Beatles, imaginen lo que me hubiese gustado llevar el marketing internacional de Lennon. ¡Y tratarle!

 

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50 años del “After The Gold Rush” de Neil Young

Hoy se cumplen 50 años de la edición del “After The Gold Rush” de Neil Young. Era su tercer álbum en solitario y en mi opinión el mejor de su carrera. Es mi favorito y el único suyo que aún sigo escuchando. Luego vendría “Harvest“, que lo catapultó al estrellato mundial absoluto, con ese “Heart Of Gold“, n.º 1 en Estados Unidos y Top 10 en los principales mercados.

Generalmente cuando se habla del country-rock (hoy conocido como Americana) siempre surgen dos nombres pioneros: Gram Parsons y The Byrds. Y solemos olvidar el tercer pilar: “After The Gold Rush” de Neil Young.

El ambiente campero del LP rezumaba desde los primeros compases de la maravillosa “Tell Me Why“, que abría la cara A. Y continuaba con tres joyas más: “After The Gold Rush“, “Only Love Can Break Your Heart” y “Southern Man“. Esta última sirvió para que Lynyrd Skynyrd  respondiesen a Neil Young con otra obra maestra, “Sweet Home Alabama“. La cara A, al igual que la B, cerraba con un pequeño divertimento.

La cara B arrancaba con la versión de un clásico de Don Gibson (un grande del country, conocido como The Sad Poet). El resto de los temas estaban al nivel de los de la cara A, sobre todo “Don’t Let It Bring You Down” y “When You Dance I Can Really Love“.

Una característica de este LP, y de la nueva época discográfica, era el foco puesto en los álbumes. El primer sencillo no se editó hasta un mes después del LP. Y solo hubo uno mas, en marzo del 71. Se trataba de resaltar la obra conjunta.

1970 fue el año de la explosión de Crosby, Stills, Nash & Young en Estados Unidos. Su disco “Dèjá Vu” se había editado en marzo de ese año. Era la primera colaboración con Neil Young tras el LP de debut de Crosby, Stills & Nash del año anterior. El éxito del álbum les convirtió en el grupo más taquillero del país. Esa gira del 70 fue recogida en el excelente doble “4 Way Street“, editado en 1971. En ese 1970, además del “Dèjá Vu” de CSN&Y y el “After The Gold Rush” de Neil Young, tuvimos el primer LP en solitario de Stephen Stills, en noviembre, con el hitLove The One You’re With“. Y en el 71 llegaron los debuts en solitario de Graham Nash y David Crosby.

En los años que viví en Nueva York descubrí, hablando con compañeros y colegas, que la edición de “After The Gold Rush” coincidió con el comienzo del curso universitario. Esto quería decir que los adolescentes que crecieron con la revolución de los Beatles y Bob Dylan y/o luego con la del rock, la contracultura y los hippies, estaban predispuestos a los nuevos sonidos del conglomerado CSN&Y. “After The Gold Rush” nació de pie entre los jóvenes universitarios y se convirtió en una obra que formó parte del dormitorio de todas las residencias universitarias y colegios mayores. Las incipientes radios universitarias también tuvieron mucho que ver. Se convirtió en un disco generacional.

Les dejo con esta versión en directo con Paul McCartney de “Only Love Can Break Your Heart“, la canción que Young compuso a raíz de la separación de Nash y Joni Mitchell.

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Los Estudiantes y Los Pekenikes los semilleros del pop-rock español

Los Brincos

Los Estudiantes y Los Pekenikes, grupos pioneros de la segunda mitad de los 50, son semilleros del pop-rock español. Contemporáneos del Dúo Dinámico, los grandes de su época, de sus filas surgieron Los Brincos, Estos se convirtieron en los grandes competidores del Dúo y de los mismísimos Beatles (aplicable también a Juan y Junior, la escisión de Los Brincos). Este nuevo fenómeno fue bautizado como Brincosis.

Fernando Arbex era el bateria de Los Estudiantes y Pepe Barranco su cantante. Luis Satorius, primo de Nicolás Sartorius –historico dirigente del Partido Comunista y cofundador del sindicato Comisiones Obreras– había dejado la formación de Los Estudiantes para incorporarse a la dirección artística de la discográfica Philips. De ahí pasó a Zafiro para dirigir un nuevo sello enfocado al público joven, Novola. Y tuvo la idea de formar un grupo para competir a nivel nacional con The Beatles. En mi libro “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll” cuento esta génesis (incluyo pantallazos al final). También digo que Los Brincos fueron el primer supergrupo de la historia del pop-rock, antes que los anglosajones acuñasen el termino. Y también menciono la particular situación de España y México: al principio en estos países predominaban los grupos mientras que en el de origen, EEUU, eran los solistas quienes partían la pana. Esto indudablemente favorece la aparición de supergrupos.

Sartorius ofreció a Arbex y Barranco entrar en la formación que estaba gestando. Barranco prefirió la otra opción que tenía: acababa de ingresar en Los Pekenikes sustituyendo a Juan Pardo. Y con ellos, Pekenikes, actuó de telonero de los Beatles en Las Ventas.

Barranco fue el último cantante de Pekenikes. A partir de su marcha el grupo pasó a ser instrumental y alcanzaron sus mayores éxitos (“Hilo de seda“, “Lady Pepa“, n.º 1, y “Frente a palacio“).

Juan Pardo había entrado en Los Pekenikes sustituyendo a Junior. Pardo y Junior son de la primera formación original de Los Brincos con Arbex y al bajo otro ex-Estudiantes, Manolo González.

Por estos primeros Pekenikes, además de los ya mencionados, también pasaron el gran Pepe Nieto o guitarristas como Tony Luz y posteriormente Salvador Domínguez, tras formar en Los Canarios.

Les dejo con las capturas de “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll“.

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50 años de “Cosmo’s Factory”

CCR

Tal día como hoy hace 50 años se editaba “Cosmo’s Factory” de la Creedence Clearwater Revival. Seis meses después lanzaban otro álbum “Pendulum“. 1970 fue un año muy fértil para el pop-rock. Por ejemplo, Grateful Dead lanzaban “Workingman’s Dead” y “American Beauty“, en mi opinión sus dos mejores LPs. Hay más ejemplos pero me ciño a estas dos bandas emblemáticas del área de la bahía de San Francisco (el otro grupo insignia Jefferson Airplane, tras su obra maestra “Volunteers” de 1969, editaron en 1970 tan solo un recopilatorio “The Worst Of Jefferson Airplane“).

El primer álbum de la CCR es de 1968. ¡En 1969 sacaron tres y dos en 1970! Algo impensable en nuestros días y más concretamente a partir de mediados de los 70.

El nombre del álbum hace referencia al local de ensayo de la banda en Berkeley, la ciudad natal de los hermanos Fogerty. Se trataba de un almacén. El batería Doug “Cosmo” Clifford (montado en la bici en la portada del LP) lo bautizó como “la fábrica”, por que John Fogerty les obligaba a ensayar todos los días y era especialmente exigente con su forma de tocar los tambores.

Cosmo’s Factory” fue n.º 1 en los principales mercados discográficos (EEUU, UK, Australia, Canadá, Francia) y n.º 2 en muchos otros países (como Italia y Holanda). Fue todo un éxito planetario.

Siendo adolescente bebía los vientos por la Creedence. Ya iba solo los domingos al Rastro. Y me sorprendía que la opinión mayoritaria, entre los aficionados habituales que nos congregamos alrededor de los puestos de discos, fuese la de que eran unos horteras. La razón principal era porque tenían éxito comercial (sus singles eran cañonazos que sonaban en las radios). Mi opinión no era tenida en cuenta porque en 1969 tenía 13 años. Uno más en 1970. Esos días aprendí que la calidad y la popularidad no estaban reñidas. Al contrario. Era mucho mejor que lo bueno triunfase. Como se supone que deberíamos haber aprendido del éxito de Beatles, Brincos, etc. Esta enseñanza que ha marcado mi rumbo profesional y personal data de esos años de la adolescencia, en los que por otra parte mis gustos eran bastante radicales y limitados al rock. La madurez amplió mis miras.

Travelin’ Band” fue el primer sencillo de los dos que anticiparon el “Cosmo’s Factory“. Se sacó en enero del 70.

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Little Richard (1932-2020)

Nueva Orleans

Poco tengo que añadir sobre Little Richard que no haya escrito ya en mis dos últimos libros, “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll” y “Rock ‘n’ Roll: el ritmo que cambió el mundo“. En el primero, el de “Bikinis,…“, contaba la historia del emblemático “Tutti Frutti” y como “limpiaron” la letra para disimular las connotaciones gay. Y del segundo he elegido unos pantallazos que forman los tres vertices de un triángulo indispensable de la música popular del siglo XX: Nueva Orleans, The Beatles y The Rolling Stones. Little Richard es pieza fundamental de la historia de los tres. Es cadena de transmisión: Nueva Orleans le influye y su impronta se transmite a través suya a McCartney y Jagger. Aparte de su liderazgo indiscutible como primer espada del rock ‘n’ roll y su decidido apoyo a los Beatles desde sus inicios.

HamburgoRolling Stones

De los primeros reyes del rock ‘n’ roll (Chuck Berry, Fats Domino, Elvis Presley, Little Richard y Jerry Lee Lewis) ya solo nos queda vivo Jerry Lee…

Quizás este sea un momento adecuado para afrontar la reedición en España de su biografía “The Life And Times Of Little Richard: The Quasar Of Rock” escrita por Charles White.

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Ray Charles en Sao Paulo (1963)

He elegido esta actuación de Ray Charles, el genio, porque es la misma formación con la que vino al Florida Park, de Madrid, ese mismo año de 1963. Mis padres me llevaron. Tenía solo siete años y el impacto que me produjo me cambió profundamente. Despertó mi pasión por la música. The Beatles también pusieron su granito de arena. Pero ver a Ray Charles fue el visado que me permitió viajar por el apasionante mundo de la música popular.

Me cautivaron sus movimientos, balanceándose de derecha a izquierda (años después Donald Fagen de Steely Dan lo adoptaría en claro homenaje al maestro), su forma de dirigir a la banda parapetado detrás de sus gafas negras y marcando el ritmo con sus pies (eran señales para el batería), las Raelettes, todo fueron impresiones muy fuertes para un chaval de siete años.

Habíamos acudido con la primera plantilla del Real Madrid y sus familias. Fue la noche que conocí a Miguel Ríos, quien se acercó a saludar a nuestra mesa (estábamos con los Di Stéfano, Santamaría, Isidro y Carmen Flores, Puskas y su esposa).

Ray Charles estaba a punto de cumplir 33 años cuando actuó dos noches seguidas en el Teatro Cultura Artística de Sao Paulo. Ambas actuaciones fueron rodadas por la cadena de TV Excelsior, que emitió en directo el segundo show (en las imágenes aparecen los anuncios del patrocinador). Esta cadena estuvo en antena 10 años (1960-1970) y sucumbió por la persecución de la dictadura militar.

En la orquesta de Ray Charles destacaba el saxo tenor de David Fathead Newman y la jefa de las Raelettes, Margie Hendrix (es la segunda por la izquierda). Al año siguiente, 1964, ella y Ray Charles romperían su relación personal (tuvieron un hijo) y profesional.

Es interesante observar como la primera noche arranca con “What’d I Say“. Es decir, empieza por todo lo alto. Así de confiado y pletórico se encontraba Ray Charles. Para la segunda noche, la deja para el final, lo habitual en sus actuaciones.

repertorio ray charles

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El brutal dominio de Universal

UMG IFPIEl brutal dominio de Universal Music Group se traduce en cifras financieras (ingresos –subieron 821 millones de dólares en 2019 respecto al 2018– y beneficios), cuotas de mercado y la relevancia de sus artistas. Estos llevan años copando la lista de los más vendedores. En el gráfico vemos el porcentaje del liderazgo de sus artistas, el 82,5%, en el Top 10 de ventas mundiales. En estos tiempos estos 10 son especialmente importantes: las diferencias con los siguientes son enormes y aumentan a medida que vas bajando en la clasificación. La brecha entre el décimo y el vigésimo, por ejemplo, hoy en día es mayor que la que hubo en las décadas anteriores.

Este Top 10 de IFPI (la patronal mundial) se ha confeccionado con las facturaciones obtenidas de streaming, descargas y ventas físicas (CD y vinilos). La lista de los mejores de 2019 es:

  1. Taylor Swift (Universal / Republic)
  2. Ed Sheeran (Warner / Atlantic)
  3. Post Malone (Universal / Republic)
  4. Billie Eilish (Universal / Interscope)
  5. Queen (Universal)
  6. Ariana Grande (Universal / Republic)
  7. BTS (Sony / Universal / Big Hit)
  8. Drake (Universal / Republic)
  9. Lady Gaga (Universal / Interscope)
  10. The Beatles (Universal / Apple)

Taylor Swift repite como la más vendedora del año. Ya lo fue también en 2014. Otras observaciones serían que de los tres grupos presentes en el Top 10 dos son de catalogo (Queen y The Beatles) y el otro (BTS) es una boy band. Solo hay dos raperos. Y tenemos cuatro solistas femeninas muy diferentes (aunque podamos encontrar puntos en común entre algunas de ellas). Las cuatro pertenecen a Universal (dos son del sello Interscope y las otras dos de Republic).

P.D.: El 82,5% es porque Universal y Sony comparten BTS. La compañía coreana Big Hit tiene licenciado a Universal las grabaciones en versión original mientras Sony tiene las cantadas en inglés.

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