Este mes el monumental «Exile On Main Street» de los Rolling Stones cumple 50 años. En mi opinión este doble álbum es el mejor de su carrera. Para muchos críticos es el segundo, detrás del «Sticky Fingers«, su predecesor. En cualquier caso culmina una racha de estupendos discos de estudio que se inició con el «Aftermath» de 1966. Siguió con dos LPs que igual hoy están injustamente olvidados: «Between The Buttons» y el infravalorado «Their Satanic Majesties Request«. Tras estos dos otra joya indiscutible: «Beggars Banquet«. Después vino otro discazo «Let It Bleed«. La década de los 70 la estrenan con su propia compañía, Rolling Stones Records. El primer lanzamiento fue «Sticky FIngers» (1971) y el segundo «Exile On Main Street» (1972), que es el décimo álbum de estudio de la banda.
«Exile On Main Street«, doble álbum de 18 temazos (con la aparición del CD las 18 canciones cupieron en un solo CD), fue n.º 1 en USA y UKy dio pie a su primera gran gira por Estados Unidos, la que cimentó su reputación como la mejor banda en directo (con permiso de los Who). Y la que los catapultó a los grandes estadios.
El sonido de «Exile…» es sucio, denso, intenso, reflejo de los momentos que los Stones estaban viviendo. Exiliados fiscales de su país, por culpa de su manager (Allen Klein), se instalaron en la Costa Azul francesa. La base de operaciones fue la casa alquilada por Keith RIchards en cuyo sótano montaron el estudio y se trajeron su Rolling Stones Mobile Studio. Las finanzas del grupo estaban en crisis por el rejonazo que les había metido Klein. Este personaje, Klein, es el auténtico malo de la película en la separación de los Beatles, es decir el verdadero Yoko Ono de la historia.
El sexo, drogas y rock & roll tiene su banda sonora en este «Exile…«. Las entradas y salidas de la casa eran incontables. La presión policial, que vigilaba la mansión y sus alrededores ante el constante desfile de camellos, provocó que Gram Parsons fuese invitado a abandonar la residencia. Keith RIchards afianzó su adicción al caballo y Mick Taylor inició la suya. Todo esto se refleja en el sonido del disco, incluyendo un ambiente caótico (aunque el producto final no lo sea, porque se mezcló fuera de este ambiente, en Los Ángeles).
«Exile On Main Street» es un disco tan urbano como rural. Es sobre todo sureño, en la onda de lo que hacían esos días Delaney & Bonnie (subyugaron a Eric Clapton que se fue de gira con ellos) o Joe Cocker con la banda que montó Leon Russell para el «Mad Dogs & Englishmen«. Es decir una amalgama de blues, rock, soul, espirituales y country. De hecho la segunda cara del «Exile…» está dedicada a lo que entonces se conocía como country rock y hoy llamamos americana. El «Sweet Virginia» que encabeza esta entrada es el mejor ejemplo. En cuanto al blues rescataron un tema de Robert Johnson y volvieron a darle cancha a Slim Harpo grabando su «Shake Your Hips» (una de sus canciones dio nombre al grupo Moody Blues). En el primer LP de los Stones ya grabaron un tema de Slim Harpo: «I’m A King Bee» con el que debutó discograficamente a finales de los 50.
He notado que hay cierta confusión sobre la fecha de lanzamiento de «Exile On Main Street«. Muchos citan el 12 de mayo. Asumo que es por la Wikipedia. La referida al álbum en español y la de la discografía del grupo en inglés. Se retroalimentan. En cambio en la página en inglés dedicada al «Exile…» mencionan 26 de mayo. Que es la fecha de lanzamiento en Gran Bretaña. Las fechas correctas son 22 de mayo en Estados Unidos y la mencionada del 26 de mayo en UK.
Tulsa Power y más concretamente el Instituto Will Rogers de la ciudad del estado de Oklahoma, a orillas del rio Arkansas. En sus aulas coincidieron J.J. Cale, Leon Russell,Elvin Bishop (que formaría parte de la Paul Butterfield Blues Band cuando fue a la universidad en Chicago) y David Gates, cofundador de Bread. También la fenomenal sección rítmica formada por Carl Radle, al bajo, y Jim Keltner, a la bateria, fueron alumnos del centro. Ambos son instituciones. Radle formó en Derek and The Dominoes, el grupo de Eric Clapton y Duane Allman. Keltner estuvo con John Lennon y George Harrison en sus proyectos tras los Beatles y en los Traveling Wilburys. Entre los dos suman cientos de grabaciones y giras.
El primer grupo de David Gates en el instituto tuvo a Leon Russell de pianista. Gates fue el primero en mudarse a Los Angeles. Le siguieron Russell, Cale y los demás. Bishop fue la excepción.
En el video una actuación completa, de 1979, de J.J. Cale y su banda con Leon Russell. Rodada en los estudios Paradise de Russell en LA.
Sencillamente espectaculares anoche Wyoming & Los Insolventes celebrando sus 10 años de existencia. Si ya son buenos de por sí (tuve ocasión de comprobarlo en Coruña el pasado mes de diciembre) anoche en La Riviera, durante las casi dos horas y media de concierto, con semejantes ilustres invitados pusieron boca abajo el recinto que estaba a rebosar. A los nombres que hay en el cartel del encabezado habría que añadir y destacar alguno más. Como el de dos grandes cantantes Jesús Trujillo de King Sapo (quien sí aparece) y Maikel Rodeiro (baterista además del trio ferrolano Malditos Pendejos; también es infante de marina del Tercio Norte). Poderosa voz la de Maikel y dúctil al mismo tiempo. En el escenario lució una camiseta de Malditos Pendejos y una espectacular corbata con tres figuras en blanco y negro de Elvis. «Lo siento, tuve que dársela a Rosendo» se excusaba ante mi pregunta sobre la corbata, apoyados ambos en la barra del Galileo Galilei, a donde habíamos acudido tras el show de La Riviera.
El repertorio de Wyoming & Los Insolventes es insuperable (y cambiante, porque hubo variantes respecto al de Coruña de hace 10 meses): clásicos de Beatles, algunos pasados por el tamiz de Joe Cocker y Leon Russell (del «Mad Dogs & Englishmen«) y que también se puede aplicar al «The Letter«, David Bowie, el momento apostólico sobre el «Land Of A Thousand Dances«, el «My Sharona«, The Clash, etc. y sobre todo algunos de los himnos inmortales del rock nacional. Que fueron los que más enfervorizaron al público presente. Le comentaba al final a Julián Hernández de Siniestro Total (una alegría verle de nuevo en forma tras un periodo complicado) que tres de Beatles, tres de Bowie y otras tres de Siniestro. La Mundana nos hizo esta foto al acabar, en un bar enfrente de La Riviera.
El dominio escenico de El Gran Wyoming es incuestionable. Aparte de su innegable faceta de showman. Aguantar el tirón de cantar tanto tiempo es admirable. Y además se marcó un excelente solo de guitarra (y presumió de ello, como no podía ser menos, además de vacilarle a ese estupendo guitarrista que es Miguel Ángel Ariza –»sí, sí, ahora afina, claro, después de esta exhibición que he dado»).
Los Insolventes no hacen honor a su nombre en cuanto a su solvencia musical: son excelente músicos. Y ayer contaron con los dos baterístas que han formado parte de su historia. Muchas veces tocando juntos (como hacían James Brown y la Allman Brothers Band que llevaban dos baterías). Otro subidón fueron las coristas. Las tres excelentes. En su punto justo, apoyando los temas y haciéndolos crecer. Mientras disfrutaban con su labor (y contagiaban ese entusiasmo). Fue una alegría ver a mi apreciada Cristina Narea como una de las tres integrantes. Lo mismo puede decirse de José Alberto Solís, al bajo y los saltos: entusiasmo contagioso. Y Mr. Cool, Manolo Villalta, a los teclados, con su sempiterno cigarrillo, creando «colchones» y ambientes sonoros que envuelven las canciones y proporcionan seguridad y bienestar al resto de los músicos. Mientras, a esas horas, se realizaba el recuento de las votaciones en SGAE. Villalta salió elegido para formar parte de la Junta Directiva. Ya le he dado el pésame esta mañana.
Esta foto de los camerinos está «robada» del Facebook de Eugenio Muñoz. (La he recortado porque en la parte superior había mucha zona en negro). En ella, aparte de Eugenio, intimo colaborador de Rosendo, se encuentran varias de las estrellas del rock que arroparon anoche a Wyoming & Los Insolventes.
Algunas fotos mías del momento final cuando Wyoming reunió a todos sobre el escenario.
La Mundana me ha pasado las dos siguientes del apoteósico final con todos interpretando el «Maneras de vivir«.
John Echevarría me ha pasado algunas fotos (desenfocadas). También rodó unos fragmentos del «Bienvenidos» de Miguel Ríos y el «Agradecidos» de Rosendo, que he subido a mis redes sociales. Subo aquí esta de Miguel Ríos porque, a pesar del problema técnico, me parece un fotón que recoge fielmente uno de los momentos cumbre de ayer (y recuerda a la portada de uno de sus míticos álbumes).
Los hermanos Monzón (Seju y Chechu) me han hecho llegar fotos de gran calidad. No en vano son de Domingo J. Casas (un maestro) y una de Julio P. Sotillo.
¡Una gran noche! Mágica, divertida y de muy buen rollo. Una noche de rock & roll. ¡Qué más se puede pedir!
P.D.: Me quedé con las ganas de hacerme una foto con dos de los prologuistas de mi dos últimos libros, Miguel Ríos y El Gran Wyoming. Me queda el consuelo de pensar que faltaba Igor Paskual por lo que la instantánea sería incompleta.
P.D. bis: No he visto ninguna reseña hoy en los medios. En cambio en youtube pueden encontrarla filmación de «En blanco y negro» con Enrique VillarealEl Drogas y fragmentos de varias partes de la actuación.
Aprovecho esta foto que me mandó Juanlu Vela del memorable concierto de Leon Russell en Madrid para hacer unos comentarios al respecto. Fue una gozada. Ha pasado una semana y aun recuerdo lo bien que lo pasamos. Mezcló canciones propias con versiones. Todas clásicas de la historia del Rock. Me sorprendió muy favorablemente que rematase el «Jumpin’ Jack Flash» con el «Papa Was A Rollin’ Stone«.
Sucedió el lunes pasado en el Teatro Lara. Arrancó tan puntual con el «I Got A Woman» de Ray Charles que nos pilló desprevenidos a unos cuantos. Incluyendo a Julio Ruiz, quien tenía que presentarle.
Me encanta ver actuaciones en directo en teatros y en clubs (con mesas). Huyo de las aglomeraciones (nunca fui entusiasta de festivales). Russell, músico indispensable de los 60 y 70, se presentó por primera vez en España (Madrid y Bilbao) con una formación reducida (bajo, batería y un guitarrista, quien además tocó steel guitar y órgano). Acostumbrado a la opulencia de las grandes bandas que formó en sus días de máximo esplendor (Mad Dogs & Englishmen, concierto por Bangla Desh, etc.) resultaba raro verle con tan poco bagaje. Y aquí viene mi única critica negativa al respecto: ¡eché en falta esos coros, marca de la casa! Parte fundamental de la estructura de sus canciones, y de la música americana en general, faltaba ese plus que tanto aporta a la dinámica de los temas y de la puesta en escena. Como bien apuntaba La Mundana no estaban «esas cantantes moviendo caderas a golpes de pandereta».
A su 72 años el venerable Leon Russell, historia viva, conserva sus facultades vocales. Lo cual es mucho para un hombre tan vivido y con dificultades para moverse. Y nos hizo disfrutar de lo lindo. Un viaje por la historia de la música para quienes le adoramos en su momento y que todavía recordamos lo mucho que nos supuso.
P.D.: Con Julio comentamos el derby que se avecinaba. Quedamos en pasar de hacer la previa en El Mundano por problemas de agenda. Recuerdo decirle «nos ganareis, esas jugadas vuestras a balón parado nos hacen mucho daño» a lo que me contestó con una sonrisa «No sé, pero seguro que perder no perdemos». En mala hora hice ese vaticinio…
Hoy actúa el gran Leon Russell en el Teatro Lara de Madrid y mañana en la sala BBK de Bilbao. No había actuado nunca en España y será la primera vez que le vea en directo. Las películas del concierto por Bangla Desh y la gira Mad Dogs & Englishmen de Joe Cocker las he visto decenas de veces. Era el director musical de ambos eventos. Para lo de Bangla Desh fue Bob Dylan quien le recomendó a George Harrison. El argumento, además del enorme talento musical de Russell, era que la banda para Cocker ya estaba ensayada y tenían montado gran parte del repertorio.
Su carrera se remonta a finales de la década de los 50, cuando a los 14 años forma The Starlighters, su primera banda, en Tulsa (Oklahoma). Otro ilustre miembro de esa formación era JJ Cale.
Su llegada a Los Angeles viene marcada por dos nombres claves: James Burton, leyenda viva de la guitarra y el dobro, y Phil Spector, el productor que redefinió el sonido del Rock’n’Roll. El primero le enseñó a tocar la guitarra (y los secretos del oficio) y el segundo le incorporó como pianista a The Wrecking Crew, la elite de los músicos de sesión de LA y habituales de las grabaciones de Spector. Y de la mayoría de los éxitos de los 60 que fueran grabados en la citada ciudad de la costa oeste de EEUU.
Pero no es mi intención hacer un repaso biográfico de su dilatada carrera, sus composiciones de éxito, etc. Tan solo expresar mi emoción por el concierto de esta noche, de uno de los ídolos de mi adolescencia.
Un par de vídeos: uno de 1971 haciendo una versión del «Honky Tonk Women» con una esplendorosa Claudia Lennear (la «brown sugar», a quien Bowie también cantó) y la animadísima cocinera del catering.
Y para despedir una versión de una de sus canciones de más éxito, «A Song For You«, con Willie Nelson y un inmenso Ray Charles.
Un ataque al corazón se llevó esta pasada madrugada por delante a un grande entre los grandes: JJ Cale. Su música, sus canciones, han influido a varias generaciones. Luminarias como Mark Knopfler, Neil Young y sobre todo Eric Clapton le han citado como una de sus influencias. Precisamente fue Clapton quien le dio a conocer popularmente cuando grabó versiones de sus temas «After Midnight» y «Cocaine«.
Con Eric «Slowhand» Clapton grabó y giró. Carlos Santana, Tom Petty, Lynyrd Skynyrd son otros artistas que también interpretaron sus composiciones. La banda de Ronnie Van Zant eligió «Call Me The Breeze«, incluida en su segundo álbum «Second Helping» (1974) producido por Al Kooper y que contenía el ya clásico «Sweet Home Alabama«. Aquí podremos ver una versión en directo de JJ Cale con Eric Clapton.
Para finalizar un descubrimiento, toda una joya: JJ Cale y Leon Russell. Al principio de este siglo se hallaron las cintas de una grabación conjunta de ambos maestros en los estudios Paradise, propiedad de Russell. No se lo pierdan.
Hoy se cumplen 40 años del Concierto por Bangla Desh. Fue el 1 de agosto de 1971 en el Madison Square Garden de Nueva York.
A una sugerencia de Ravi Shankar su amigo George Harrison se movilizó inmediatamente. Y se organizó el primer festival benéfico de la historia. El modelo a seguir años después por los Live Aid, las giras de Amnistía Internacional, etc. Nunca antes las superestrellas del Rock se habían congregado de forma altruista.
También sería la primera vez que un Beatle actuaria tras la separación del grupo. Y esa noche, hace 40 años, hubo dos sobre el escenario: Ringo Starr estuvo al lado de George, su excompañero y amigo.
Bob Dylan llevaba sin actuar desde agosto de 1969. Fue en el Festival de la Isla de Wight. Esta causa le sacó de su retiro. Salvo una aparición en el concierto de Nochevieja de The Band, ese mismo año (1971), no volvería a cantar en directo hasta 1974.
Harrison, Dylan y Russell en el MSG
Harrison le encargo la dirección musical a Leon Russell, quien en tiempo récord montó la banda base (su experiencia al frente de la gira de los Mad Dogs & Englishmen de Joe Cocker resultó decisiva, porque además casi no hubo tiempo para ensayar).
La siguiente pieza documental, con subtítulos en español, sitúa perfectamente el momento y la situación.
Leon Russell ha sido uno de mis músicos preferidos de toda la vida. Desde que era el gran gurú del Rock Sureño (junto a J.J. Cale y con Delaney Bramlett y los hermanos Allman como apóstoles). A pesar de ser solamente 5 años mayor que Elton John su influencia sobre el inglés ha sido decisiva. Porque Russell es un tren de largo recorrido. Con 14 años formó con J.J. Cale su primer grupo, The Starlighters: empezaron a perfilar lo que se conocería como el Tulsa Sound. Se mudó a Los Ángeles, donde como músico de sesión fue miembro del Wrecking Crew, el equipo de producción habitual de Phil Spector y además grabó con Glen Campbell, The Byrds, Herb Alpert, Gary Lewis & The Playboys, Brian Hyland, Bobby Picket, Beach Boys, etc. Luego llegaron los británicos (George Harrison, Eric Clapton, Badfinger, Cocker, Dave Mason de Traffic y un largo etc.)
La primera vez que le escuché a sabiendas fue en el grandioso «Mad Dogs And Englishmen» (1969) de Joe Cocker. Era el director musical de la banda y su «Delta Lady«) fue uno de los éxitos de ese maravilloso doble álbum grabado en directo. «Superstar» (una composición a medias con Bramlett), también del «Mad Dogs…», interpretada por Rita Coolidge, era otro temazo. Ambas obras han tenido muchas versiones a lo largo de las décadas posteriores.
Elton John me cautivó en 1970 con su segundo disco «Elton John«, aunque para mí fuese el primero. Y uno de los aspectos que me atrapó fue esa influencia Russelliana (si me permiten tal palabro): evocaciones sureñas de Soul con ligeros toques Country, coros tipo Gospel, la forma de «atacar» el piano, el fraseo vocal. Canciones como «Your Song» (su primer gran éxito y cara B del single), «Border Song» o «Take Me To The Pilot» (la cara A de «Your Song«) son las influencias más obvias.
Así que cuando me enteré que Elton John y Leon Russell planeaban grabar juntos ¡y producidos por T Bone Burnett! mi alegría fue inmensa. Y la espera se hizo larguisima. Pero ha merecido la pena. «The Union» es el álbum y no me ha defraudado.
Si han tenido la oportunidad de ver el making of, dirigido por Cameron Crowe, habrán comprobado que todo se empieza a fraguar desde el escenario del programa de TV de Elvis Costello, en el Beacon Theater. A Elton John le piden que toque el piano «sureño» a lo Leon Russell…
Si escuchan el primer sencillo de «The Union«, «If It Wasn´t For Bad«, quedaran atrapados de inmediato. Pero les dejo con un clip de otra canción, «Gone To Shiloh«, grabada hace 15 días en un concierto conjunto en Boston ¡acompañados por Greg Allman!
«The Letter» es la canción que lanzó a Alex Chilton y sus The Box Tops. Compuesta por Wayne Carson Thompson (autor también de «Always On My Mind«, interpretada por Elvis Presley, Willie Nelson y The Pet Shop Boys) vio la luz fruto de la casualidad. Y de la ambición del músico y técnico de sonido Dan Penn y sus aspiraciones para ser productor de grabaciones.
«Dame lo peor que tengas» le pidió Penn a su jefe, Chips Momam (dueño del estudio American Sound de Memphis). Pretendía demostrarle que podía volar solo. Pero necesitaba hacerlo con algún artista. Así que Momam le recomendó un quinteto local, a quienes ni siquiera había escuchado. Tenía noticias de ellos a través de un disc-jockey. También le entregó unas maquetas de canciones de su amigo Wayne Carson. Y el resto ya forma parte de la historia del Pop.
Editada en el verano de 1967 fue elegida la canción del año en EE.UU. Estuvo 4 semanas en el nº 1 de las listas de singles norteamericanas. Y también fue un éxito internacional (nº 1 en Chile/Israel/Noruega/Polonia, 2 en Francia, 3 en Holanda, 4 en Australia, 5 en Alemania y UK, 9 en España, etc.).
La canción tuvo asimismo su impacto tanto entre las tropas destinadas en Vietnam como entre los manifestantes contra la guerra.
Tres años después Joe Cocker con los Mad Dogs and Englishmen, bajo la batuta del gran Leon Russell, lanzaron un single con su versión. Grabada en directo durante sus actuaciones del Fillmore East de Nueva York, en la cara B encontrábamos la grabación de estudio. Y volvió a triunfar. Cocker y Russell la llevaban más su terreno, el del Blues-Rock, pero mantenían ese «gancho» del órgano (del disco original y que ellos reforzaron con una sección de viento), inspirado en el «I’m A Believer» que Neil Diamond compuso para los Monkees.
Con el paso de los años ha habido más revisiones de nuestra canción de hoy. Incluso en plan Disco, lo cual es una clara demostración de su versatilidad. Y es que cuando un tema es bueno puede con todo.
Delaney ha vuelto a morir. Al menos para mi es la segunda vez que lo hace, lo cual es todo un hito (y eso que nací en Rumania, tierra de vampiros y dragones). Porque “mi” Delaney Bramlett, el de Delaney & Bonnie, formó parte de la banda sonora de mi adolescencia. «Delaney & Bonnie & Friends on Tour with Eric Clapton” (1970), «To Bonnie from Delaney” (1970) y “Motel Shot” (1971), el primer “unplugged” de la historia, fueron mis LP’s de cabecera de la época.
Al final de este post podéis ver los antecedentes de este momento, en la tele británica con Eric Clapton, Dave Mason y Bobby Whitlock acompañando a la pareja y rindiendo homenaje a Robert Johnson con su interpretación de “Poor Elijah”. Y Delaney no sólo fue mi profesor emerito del legado del blues/rock/soul sureño de los EE.UU. sino también de ilustres como Eric Clapton o George Harrison. Con la diferencia que no le traté. Lo cual quizás me libró de su enorme magnetismo. El mismo que cautivó primeramente a los Beatles y a Dave Mason, quien abandonó Traffic para trasladarse a EE.UU. y aprender de él. Como hizo George Harrison, quien le pidió que le enseñase a tocar la slide guitar. Y de paso conoció las esencias del gospel. “My sweet Lord” y “All Things Must Pass” fueron el reflejo de esa amistad y esas enseñanzas.
“La primera vez que tocamos en Londres, en un festival en el Royal Albert Hall, nos encontramos con los cuatro Beatles sentados en primera fila. ¿A quien habrán venido a ver? me preguntaba. Lo descubrí después de la actuación cuando pasaron a los camerinos a saludarnos. Y George después de un rato me pidió que le enseñase a tocar la slide” comentaba Delaney en los 70. Eran los momentos Apple, la discográfica de los cuatro de Liverpool. Y D&B firmaron con ellos (como James Taylor o Badfinger) lo cual les acarreó problemas legales (duplicidad de contratos con Elektra, tras su primer LP con ¡Stax!).
Pero vayamos por partes: Delaney falleció este fin de semana como consecuencia de unos problemas derivados de una operación de vesícula biliar. Era su segunda muerte, al menos para mí, como comentaba al principio. La primera fue su divorcio de Bonnie (nada que ver con la de Bonnie & Clyde), lo cual supuso la muerte creativa y artística para ambos. Si bien él siguió con la música, ella tras acompañar a Stephen Stills y a Allman Brothers Band se pasó al mundo del cine (“The Doors”) y la tele, como actriz. Trabajando en series como “Fame”, “The Guardian” o “Roseanne”, bajo el nombre de Bonnie Sheridan (es norma en USA, incluso entre las feministas, que las mujeres adopten el apellido del esposo: después de su separación de Delaney Bramlett se casó con Danny Sheridan).
Si en los 60 mis amores eran Grace Slick, Marisol y Brigitte Bardot, Bonnie Lynn O’Farrell reunía todas las condiciones para robar mi frágil corazón. Había sido la única Ikette blanca (las Ikettes eran el trío de coristas que acompañaban a Ike & Tina Turner). Disimulaba poniéndose una peluca negra y oscureciendo su rostro (a la inversa de Michael Jackson). Pero Delaney me imponía. Y el que ambos fichasen por Stax, siendo los primeros artistas blancos por fichar por la compañía negra por excelencia -después de Motown- compartiendo sello con Otis Redding, Eddie Floyd, Rufus Thomas, Sam & Dave, Booker T & The MG’s, Carla Thomas, Albert King, Staple Singers, Isaac Hayes, John Lee Hooker, etc., era simplemente demasiado. ¡Era el mundo pre Obama! La música por encima de razas, sexo, religiones, etc., en el país que ha tardado cuarenta años en asumir “políticamente” esta realidad. ¡Viva la música! ¡Vivan Delaney & Bonnie!
El gran Delaney Bramlett se inició componiendo junto a compositores como Jackie De Shannon y pronto se estableció como músico de sesión en Los Ángeles (es su guitarra la que suena en el hit “Tequila” de los The Champs, formación “prefabricada” que contó con Glen Campbell y Seals & Crofts entre otros). Se hizo un hueco como miembro de la banda del programa de TV “Shindig” y editó varios singles –sin pena ni gloria- junto a sus compañeros Leon Russell y J.J. Cale(su primer guitarrista).
Canciones “suyas” como “Superstar” o “Let it rain” alcanzaron fama mundial. Y entrecomillo «suyas» por varias razones. “Superstar” –éxito primero en la versión The Carpenters y décadas después con Cher– fue inicialmente editada como “Groupie (Superstar)” y era la cara B del single “Comin’ Home” de Delaney & Bonnie. Se supone que ella era RitaCoolidge y Eric Clapton el “galáctico”. Inicialmente la canción mostraba a Leon Russell y a Bonnie como autores. Tras la separación, Delaney reclamó que todas las canciones atribuidas – por motivos fiscales- a Bonnie eran suyas… Clapton y otros testigos de la época confirman sus declaraciones. La primera versión de calado de este tema la hace la propia Rita Coolidge en el “Mad Dogs & Englishmen” de Joe Cocker. Decenas de versiones (desde Sonic Youth a Luther Vandross, además de las ya mencionadas) avalan esta composición. Como “Let it rain”, del primer LP en solitario de Eric Clapton –producido por Delaney- y también atribuida erróneamente a Bonnie. Es el debut del “dios” de la guitarra tras Blind Faith y nexo de unión con su nuevo proyecto Derek and the Dominos (que no era más que la banda de “friends” de Delaney & Bonnie).
Corría el año 1968 y los “superstars” Stevie Winwood y Eric Clapton han formado el súpergrupo Blind Faith. En realidad eran Cream sin Jack Bruce (sustituido por Ric Grech de Family) más Winwood. Preparaban su primera (y única gira estadounidense). Harrison, íntimo de Clapton (a su vez a punto de intimar con “Layla” la esposa del Beatle) le recomienda que contrate a los Bramlett como teloneros. Acababa de lapidar el futuro –sin saberlo- de la primera superbanda de la historia. Porque resulta que el bueno de Eric se aburre tocando con sus Blind Faith y disfruta con los Delaney & Bonnie & Friends. A punto de finalizar la gira por Estados Unidos le pide a Delaney si puede unirse a su grupo. A lo cual éste responde afirmativamente. Encantado. Y Clapton aprende los secretos del blues/rock sureño ¡y a cantar! Su obsesión de siempre. El resultado de estas experiencias se traducen en el álbum en directo –ya mencionado- “Delaney & Bonnie & Friends on Tour with Eric Clapton” (1970), su primer álbum en solitario “Eric Clapton” (producido por Delaney, que incluye el “Let it rain” y un clásico de J.J. Cale “After Midnight”) y la formación de Derek and the Dominos. Ahí es nada…
Con Duane Allman
Tres años después, el sueño se termina. Delaney y Bonnie se divorcian… 25 años más tarde Delaney nos dice adiós definitivamente… Imagino al gran productor Jerry Wexler organizando la jam en el “rock & roll heaven” con Duane Allman, Otis Redding, Delaney Bramlett…
Discografía:
1969 Accept No Substitute (Original Delaney & Bonnie) (Elektra)
1969 Home (Stax)
1970 Delaney & Bonnie & Friends on Tour (WEA / Atlantic)
1970 To Bonnie from Delaney (Atco)
1971 Motel Shot (Atco)
1971 Genesis (GNP/Crescendo)
1972 Something’s Coming (Columbia)
1972 Country Life (Atco)
1972 D&B Together (CBS)
1973 Best of Delaney Bramlett (Atlantic)
1973 Mobius Strip (CBS)
1975 Giving Birth to a Song (MGM)
1977 Class Reunion (Prodigal)
1978 Delaney Bramlett with Steve Cropper (Motown)
1990 Best of Delaney & Bonnie (Rhino)
1998 Sounds From Home (DK/Zane)
2002 Sweet Inspiration (Dreamsville)
2008 A New Kind Of Blues (Magnolia Gold)
2008 Rise Up (Magnolia Gold):
Otros créditos:
1969 Bishop, Elvin, Best of Elvin Bishop: Tulsa Shuffle, Guitar (Rhythm), Vocals (bckgr), Producer
1970 Crickets, Rockin’ 50’s Rock ‘n’ Roll, Producer
1970 Bishop, Elvin, Best of Elvin Bishop: Crabshaw, Producer
1970 Clapton, Eric, Eric Clapton, Arranger, Guitar (Rhythm), Vocals, Producer
1970 Russell, Leon, Leon Russell, Guitar
1970 Mason, Dave, Alone Together, Guitar, Vocals
1971 Simon, John, John Simon’s Album, Tambourine
1972 Bishop, Elvin, Rock My Soul, Guitar, Vocals, Producer
1972 Hammond, John Jr, I’m Satisfied, Producer, Vocals, Guitar
1972 Clapton, Eric, History of Eric Clapton, Guitar, Vocals
1972 Clapton, Eric, Eric Clapton at His Best, Producer
1972 Allman, Duane, Anthology, Guitar (Rhythm), Vocals, Producer
1972 Everly Brothers, Stories We Could Tell, Guitar, Vocals
1973 Lewis, Jerry Lee, Sometimes a Memory Ain’t Enough, Guitar, Vocals
1973 Pacific Gas & Electric, Best
1973 Ussery, John, Ussery, Percussion, Producer, Slide Guitar
1974 Allman, Duane, Anthology, Vol. 2 Guitar, Vocals
1976 Free Creek, Summit Meeting, Guitar
1978 Commander Cody, Flying Dreams, Vocals
1978 Rogers, Dann, Hearts Under Fire, Vocals (bckgr)
1982 Clapton, Eric Time Pieces: Best of Eric Clapton Guitar (Rhythm), Producer
1988 Clapton, Eric, Crossroads, Guitar, Vocals, Producer (Rhythm), Vocals, Choir, Chorus, Producer, Horn Arrangements
1991 Zoo, Shakin’ the Cage, Vocals (bckgr)
1992 Driscoll, Phil, Picture Changes, Vocals (bckgr)
1992 Classic Rock Classic Rock [Cema], Producer
1996 Heroes of Country Music, Vol. 5, Vocals, Producer
1997 Thompson, Hank, Real Thing, Vocals, Vocals (bckgr), National Steel Body Dobro
1998 Whitcomb, Ian, You Turn Me On: The Very Best of Ian Whitcomb, Guitar (Bass)
1998 Brown, T. Graham, Wine into Water, Guitar, Vocals
1999 Mason, Dave, Ultimate Collection, Vocals (bckgr)
Os dejo con una actuación en directo en TV, en el programa “Price of Fame” de 1969 con Eric Clapton, Delaney Bramlett, Bonnie Bramlett, Bobbie Whitlock y Dave Mason. Interpretan “Poor Elijah”.
Sencillamente espectaculares anoche Wyoming & Los Insolventes celebrando sus 10 años de existencia. Si ya son buenos de por sí (
El Mundano 