Los domingos de una pareja de veteranos (Robert Fripp y Toyah Willcox)

Durante la pandemia, y desde mayo del año pasado, los veteranos Robert Fripp (77 años) y su esposa Toyah Willcox (63 años) organizan en su cocina los “Toyah & Robert’s Sunday Lunch”. En su última experiencia dominical se lanzaron con el «Paranoid» de Black Sabbath. Les ayudó Sidney Jake.

En domingos anteriores nos alegraron con versiones de Nirvana, Sex Pistols, Jimi Hendrix, David Bowie, Led Zeppelin, Deep Purple, etc. Para hoy tienen previsto ZZ Top.

La pareja contrajo matrimonio en 1986.

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De Geordie al «Back In Black» de AC/DC

Ayer se cumplieron 40 años de la edición de «Back In Black» de AC/DC. Era el retorno de luto de la banda, que a principios de 1980 había perdido a su cantante, Bon Scott. Su álbum anterior, el último con Scott, se llamó premonitoriamente «Highway To Hell» (1979). Esa autopista al infierno, que se llevó a Scott, nos condujo a escuchar las campanas del infierno, porque «Hell’s Bells» abría el «Back In Black«. Era el primer corte de la cara A del LP.

Era la primera vez que oíamos al nuevo cantante de AC/DC, Brian Johnson. Nativo de Newcastle acababa de dar el gran salto profesional en su carrera como cantante de rock: de Geordie, una buena banda local, a AC/DC, los reyes del rock duro. Su estreno con la banda fue de lo más acertado y afortunado. «Back in Black» no pudo funcionar mejor. A fecha de hoy sigue siendo el disco más vendido de rock de la historia. Y Brian Johnson ha pasado a la historia del rock desde ese álbum.

Geordie gozaban de mis simpatias y ya era fan de Brian Johnson. Llegué a escribir en AU (Apuntes Universitarios, la semilla de lo que sería Ozono) que Johnson era mejor que Robert Plant de Led Zeppelin. Era una reseña del concierto de Geordie en la tristemente desaparecida M&M. Decía en la crónica titulada “Grandes exponentes del Rock Proletario” que “Brian Johnson es un aventajado discípulo de Robert Plant, pero como suele ocurrir en estos casos, el discípulo supera al maestro”.

Los había visto con Mariskal Romero en el Marquee de Londres y nos habían impactado. Vicente se movilizó para traerlos a tocar a su sala y Alain Milhaud editó su LP en CFE, la discografica que tenía por aquella época (la misma que alumbró el primer LP del gran Hilario Camacho). Sobre esto de Geordie ya di cuenta aquí.

Geordie tenían un número característico: Brian Johnson se subía a hombros al bajista. Lo podemos ver en esta actuación en TVE:

P.D.: pueden ver a continuación una excelente versión en directo de «Hell’s Bells«. Es del Festival de Donington (agosto de 1991).

De Niro mejoró «New York, New York»

Hace unas semanas leí un artículo del New York Times en el que contaban como Robert de Niro mejoró el tema «New York, New York«, para la película de Martin Scorsese del mismo título.

De Niro y Liza Minnelli protagonizaron el film en 1977. El NYT contaba la historia de la canción que en esta pandemia se había convertido en el «Resistiré» de la ciudad de Nueva York. En la versión de Frank Sinatra. Se repetía así el fenomeno acontecido tras el atentado a las Torres Gemelas.

El músico John Kander y el letrista Fred Ebb, responsables de «Cabaret» entre otros clásicos, presentaron a Scorsese, Minnelli y De Niro las canciones que habían compuesto para la película. El director y la actriz quedaron encantados. Pero De Niro hizo un aparte con Scorsese. Tras una conversación «a la italiana», con mucho movimiento de brazos, el cineasta se acercó a la pareja de autores. Claramente apurado les dijo que a De Niro el tema principal le parecía liviano. Sin profundidad. Deseaba que le diesen otra vuelta al asunto.

El comentario no les sentó bien. No aceptaban que un actor les dijese lo que era una buena canción. Pero reunidos en casa de Ebb acabaron rematando «New York, New York» en 45 minutos. Y pasado el tiempo reconocieron que De Niro llevaba razón.

Sinatra fue quien más se benefició de esta composición. En su regreso al planeta musical era un extraterrestre frente a los Led Zeppelin, Pink Floyd, etc. Su esposa le insistió en grabar «New York, New York«. Pero Ol’ blue eyes se negaba porque era la canción de Liza. Finalmente accedió a cantarla en directo. La primera vez fue en el Radio City Music Hall de NY y el publico enloqueció. A su esposa se unieron otras voces para que la registrase. Cedió tras pedirle permiso a la Minnelli. Hizo unas modificaciones en la letra (entre ellas añadió lo del «number one«) y el resto es historia. Su versión arrasó y es la que todo el mundo recuerda.

Cuando conocí a Liza Minnelli a principios de noviembre de 1989 hablamos de esto. Vino a Madrid para promocionar el álbum «Results«, producido por los Pet Shop Boys, y el primer sencillo «Losing My Mind» (compuesta por Stephen Sondheim y parte de su musical «Follies«). Me cautivó. No solo a mi, también a todas las personas con las que tuvo trato.

Estaba como una niña con zapatos nuevos. Todo le resultaba fascinante, novedoso. Estaba en una nube, viviendo una segunda juventud. Adoraba lo que los Pet Shops Boys habían logrado. El álbum fue disco de oro en Inglaterra y España.

Estaba limpia de todas sus adicciones. No tuvo problemas en referirse a ellas, ni en vernos tomar vino en una inolvidable cena en La Dorada, presidida por Manolo Díaz. Transpiraba bondad, como demuestra este episodio del «New York, New York«: «No podía negarle que la grabase. La canción no era mía. Mi negativa perjudicaría a los autores. Y el detalle que tuvo en llamarme, sin necesidad de hacerlo, me pareció impecable. Siempre fue un caballero. Y un amigo».

Un año y un mes después de este encuentro madrileño, ambos la cantarían en NY en el concierto por el 75 cumpleaños de Sinatra.

El truño de «45 revoluciones»

… Y luego tenemos la huida de la audiencia (un rechazo en toda regla). Como en el caso del truño de «45 revoluciones» de Antena 3, cuyo fracaso es más que evidente. En la siguiente imagen (de Wikipedia) podemos observar como el público ha ido abandonando la serie.

Pero los datos de audiencia son solo un aspecto del fiasco. También tenemos la baja calidad y la falta de rigor de los tres episodios emitidos. La serie es simplemente mala. Mala de solemnidad. ¿Se precisan tantos guionistas para construir un relato tan penoso?

La falta de rigor es asombrosa. Y esto sí que me sorprende. Porque si pretendes recrear el año 1962 y la confirmación, más que los inicios, de un nueva era musical, lo mínimo que debes hacer es reflejar adecuadamente la época. Hay licencias que te puedes permitir como la de los edificios, locales, etc. porque los originales ya no existen. Pero no puedes poner minifaldas años antes de que estas apareciesen. O enseñar la portada del segundo LP de Led Zeppelin, editado siete años después (1969). O meter canciones de ahora y no reflejar la música de entonces (por mucho que lo hayan intentado explicar no han convencido a nadie). Son demasiados detalles para enumerar. Estamos acostumbrados al rigor (y a ciertas licencias) de series como «Cuéntame«, «El ministerio del tiempo» o las de la BBC, por poner unos pocos ejemplos. Así que lo de «45 revoluciones» no es de recibo.

La actriz protagonista Guiomar Puerta (Bilbao, 1992) dio la clave sin darse cuenta en una entrevista. Decía que tuvo pocas referencias para crear su personaje porque «No encontré nada escrito, apenas unas páginas en un libro de Los Brincos» para soltar a continuación un alegato feminista, que ni venía a cuento ni tenía nada que ver con la serie (ni con la época). Se refería a la gran Maryní Callejo. ¿Tantos guionistas, ni nadie en la productora (Bambú), supieron encontrar nada sobre la Callejo? En mi «Bikinis, Fútbol y Rock & Roll» así como en otros libros hubiesen podido encontrar información. O haber preguntado a Patricia Godes o José Ramón Pardo. O a artistas que trabajaron con ella como Micky o Paco Pastor. O… a la propia Maryní. ¿La actriz o la productora no saben usar Google? ¡A mi me salen 1.890 resultados! No hicieron adecuadamente los deberes. Se quedaron en la superficie. Por eso la serie no funciona y la audiencia ha ido dando la espalda. No hay profundidad en los planteamientos ni en las situaciones.

¿Qué futuro puede tener «45 revoluciones» cuando ha pasado del (por los pelos) aceptable 10,1% del primer capitulo al estrepitoso 5,4% del tercero?

P.D.: el primer capítulo lo vi (grabado) a las pocas horas de su emisión; el segundo al día siguiente; el tercero anoche, donde las referencias a la Hispavox de los hermanos Vidal son obvias. Y adaptaban un conflicto autoral tomado de la historia de «La moto«, compuesta por Manolo Díaz y grabada en 1966 por Los Bravos (Columbia) y Los Pasos (Hispavox). Según José Ramón Pardo este fue el primer conflicto autoral del pop español. En «Bikinis…» escribía lo siguiente:

El falso éxito internacional de Rosalía

El domingo pasado La Voz de Galicia, a insistencia de Javier Becerra, me publicó un texto «El falso éxito internacional de Rosalía» (afortunado título a sugerencia del propio JB). Era un anexo a su artículo principal, «¿Lo de Rosalía es para tanto?«. A lo largo del día ambas piezas aparecieron en el diario hermano de La Voz de Asturias. Por el interés despertado paso a reproducir integra mi nota (que también pueden ver, así como el artículo de Javier Becerra, en los enlaces correspondientes). Tan solo he añadido un par de frases referidas a Jorge Drexler:

«Desde hace tiempo se conoce que la sobreexposición es perjudicial para el objetivo fijado y resulta contraproducente. Porque puede causar el efecto contrario al perseguido. Concretado al marketing musical esto se traduce en lo siguiente:

• Antiguamente las radio formulas machacaban las canciones de éxito. Esto se podía traducir en ventas de sencillos. El mercado discográfico estaba dividido en sencillos y álbumes. Prevalecían criterios como el poder adquisitivo directamente relacionado con la edad del comprador, el tipo de música, la credibilidad del artista, etc. Se daba el caso que excelentes artistas de rock eran considerados horteras porque sus discos sonaban en Los 40 Principales y copaban las listas de éxitos. La Creedence Clearwater Revival es un claro ejemplo. Por el contrario, Led Zeppelin se negaban a editar singles para evitar esta situación. Y eso que los tenían estupendos.
• Los álbumes eran para artistas de largo recorrido, para un publico más adulto, con criterio formado y de mayor poder adquisitivo. Para artistas con credibilidad. Nótese que uso poder adquisitivo y credibilidad por segunda vez. Son dos conceptos claves.
• En la era digital quienes dictaminan, lo que es de buen gusto o hortera, se han multiplicado. Las/os fans de antaño son las/os influencers de hoy en día. Solo que las/os haters en nuestros días tienen más peso y repercusión que antes. Las redes sociales proporcionan unos cauces de los que carecían. En cambio, sean fans o influencers mantienen proporcionalmente el mismo peso especifico.
• Antiguamente la fama (por ejemplo, ser portada del ¡Hola!) no vendía discos, pero proporcionaba galas. La fama digital ni vende discos ni hace que actúes todos los fines de semana del año. Como los tiempos han cambiado y hay nuevos negocios, hoy puedes facturar en conceptos como patrocinios, merchandising o festivales. Las preguntas son ¿cuánto durarán estos nuevos ingresos y que tiene que ver la música con ellos?
• La sobreexposición siempre provocó que el producto en cuestión resultase estomagante. Esto en nuestros días se multiplica por los haters en las redes sociales. Quienes además influyen en la propagación del mensaje sin quererlo.

El caso de Rosalía corresponde claramente a estos parámetros. Y lleva ya un par de años de recorrido. No funcionó con su primer disco (vendió poco). Pero el interés se tradujo en un buen número de actuaciones. Su segundo álbum ha vendido más, objeto de una campaña masiva de marketing, pero bastante menos de lo esperado. Y no parece haberse traducido de momento en contrataciones (su gala más importante fue un playback gratuito en la Plaza de Colón en Madrid).

¿Qué ha logrado el marketing masivo –técnica tan antigua como negativa porque actúa como un bumerán­­– en el caso de Rosalía? Engañar a público y medios generalistas. Nos han vendido que es un fenómeno internacional. No lo es. Pero la gente y muchos periodistas y becarios mediáticos se lo han tragado. Fuera de España no ha aparecido en ninguna lista de éxitos. Ni en las de los más vendidos, ni en las de streaming, ni en las de las canciones más radiadas. También nos han engañado con los premios Grammy. Ha logrado dos Grammy latinos, no los de verdad. Los latinos tienen su aquel a la hora de concederlos (hay mucha “política”, por decir algo diplomático). Pero se habla de estos galardones obviando lo de “latino”. ¿Engaño o clasismo? Para completar la manipulación mediática hay que recordar que Jorge Drexler ganó ¡tres! Pero aquí resaltaron los dos de Rosalía.  Nos han vendido lo del anuncio en los luminosos de Times Square (de NY). Pero no nos han contado que son propiedad de Sony (la empresa matriz de su discográfica) y que el álbum no estaba disponible. Craso error (anunciar un producto que no está a la venta). Nos han relatado que a Kim Kardashian le gusta el disco. ¿Y? ¿Quién es? ¿Cuántos discos le gustan al día? ¿A la gente que nos gusta la música de verdad nos importa su opinión? Probablemente lo que piense nos va a alejar de Rosalía. La opinión de una hortera siempre será una horterada. ¿Los referentes mediáticos que han empleado para vendernos el producto Rosalía son relevantes? No. Son todos del siglo pasado. Nos intentan pasar por moderno algo usando clichés desfasados. Como Jools Holland o el sexagenario crítico del New York Times. ¿Ha funcionado Rosalía en Inglaterra o EEUU? No. Esa es la respuesta y la falta de influencia de estos no influencers.

La última ha sido la actuación en los devaluados premios Goya. Haciendo una pretenciosa versión de un clásico de Los Chunguitos. Con un coro catalán, del templo de la burguesía de esos lares (y de su corrupción). Por si teníamos dudas de a quien no representaba Rosalía, el otro día nos lo dejó claro. Tomó una canción callejera, de arrabal, y pretendió elevarla al gusto de las mentes bien pensantes de toda la vida. ¡Un mojón! Pero, eso sí, una vez más consiguieron engañar a los ignorantes. Esos mismos que en sus notas de prensa escribieron que “recibió el aplauso incluso de sus autores originales”.  Dos autores que están muertos. Ambos. ¿Confunden autores con artistas? Si es así, no hay mejor prueba de la ignorancia de quienes escriben alabando a Rosalía.

Mal marketing. Porque el marketing se marca unos objetivos. Si el objetivo era crear un falso clima de éxito lo han logrado. Pero el buen marketing busca la rentabilidad. Y el humo es deficitario. A corto y largo plazo. El tiempo dictaminará sentencia. Mientras tanto recordemos los avisos para nuestra salud de los paquetes de cigarrillos, esos productos que también producen humo…»

 

Los 10 temas de Led Zeppelin que más recaudan

Con motivo del 50 aniversario de la aparición de Led Zeppelin, Billboard ha publicado la lista de los temas que más han recaudado digitalmente en Estados Unidos. Aquí solo traigo el Top 10.

En realidad el listado, al reflejar la realidad digital, se convierte en el termómetro del gusto del aficionado al grupo. Porque solo contabiliza las descargas y el streaming bajo demanda. Es decir, es el gusto del fan por tal o cual canción. A su libre albedrío. Y no incluye las ventas físicas de álbumes o sencillos.

Billboard ha confeccionado la lista de los datos recogidos por Nielsen Music. Y han usado 90 centavos de dólar de media por canción. El calculo para los videos es más complicado (para los interesados sugiero que lo busquen al final del artículo).

La información data desde noviembre del 2007 para las descargas y diciembre del 2015 para los streams. Son las fechas en las que Led Zeppelin autorizó estas nuevas formas de comercialización. Y se ha contabilizado hasta el 12 de julio de 2018.

1. «Stairway To Heaven«: $2.903.223,42

2. «Kashmir«: $1.421.130,32

3. «Immigrant Song«: $1.306.140,94

4. «Black Dog«: $1.167.232,19

5. «Whole Lotta Love«: $1.034.129,29

6. «Ramble On«: $888.793,61

7. «Over the Hills And Far Away«: $757.125,57

8. «Goin’ To California«: $694.689,56

9. «Rock n’ Roll«: $636.985,97

10. «D’yer Mak’er«: $553.459,73

Los 94 temas han recaudado $21.607.542,71.

Otro aspecto interesante del análisis de la información es que los seguidores más veteranos de Led Zeppelin pierden interés por las obras del grupo después de sus cuatro primeros álbumes. Los más jóvenes se inclinan por «Houses Of The Holy«. Y a los más fieles les gusta y consumen todo.

 

 

 

 

 

 

 

Wanda Jackson en «Rock ‘n’ Roll»

Wanda Jackson cumplió ayer 81 años. Y los dos pantallazos que encabezan esta entrada están extraídos de mi libro «Rock ‘n’ Roll: el ritmo que cambió el mundo«. Mi buen amigo Luis Javier Martínez (excompañero en Epic y que posteriormente triunfó a lo grande al frente de Disney en España) recordaba la onomástica en su Facebook y la ilustraba con una actuación de Wanda Jackson, de finales de noviembre de 1958, interpretando «Hard Headed Woman» (Cabezota).

Hay varios aspectos que quisiera destacar de esta filmación (los 18 minutos completos los pueden ver aquí y son de lo más recomendable):

• El doble mástil del guitarrista principal. Décadas después Jimmy Page de Led Zeppelin popularizaría este tipo de guitarra.
• Estos programas de TV Town Hall Party se rodaban en el edificio del ayuntamiento de Compton (Condado de Los Ángeles) para ser programados por distintos canales locales y posteriormente ser emitidos por los medios del ejercito de EEUU estacionados fuera del país (American Armed Forces Televisión Service).
• El tema seleccionado para cerrar este post, «Hard Headed Woman«, que Wanda Jackson grabó tres años después para su LP «There’s A Party Goin’ On» (1961), es una composición de Claude Demetrius. Como autor Demetrius ha trabajado con tres de los más grandes: Louis Armstrong, Louis Jordan y Elvis Presley. Afroamericano del estado de Maine a los 20 años ya estaba en Nueva York. Empezó a componer para o junto a Armstrong. De ahí pasó a Jordan (componía junto a su esposa, Fleeecie Moore). Su carrera dio un vuelco cuando la editorial Gladys Music le fichó. La editorial, formada por los Aberbach, controlaba el repertorio que grababa Elvis para RCA. Suya fue la cara B del «Heartbreak Hotel«, el primer sencillo de Presley para RCA. Compuso también temas que formaron parte de sus películas. La más importante, sin dudas, es «Hard Headed Woman» de 1958 para la banda sonora de King Creole (El barrio contra mi) y que fue single: n.º 1 pop en EEUU y el primer rock ‘n’ roll que logró el disco de oro (esta certificación de disco de oro surgió precisamente en el 58). En las listas de country y de rhythm & blues llegó al 2 (como en Inglaterra).
• La presencia femenina en la banda de Wanda Jackson: además de la Jackson encontramos a Rose Lee Maphis, guitarra rítmica, y a Margie Fiddlin Kate Warren, violinista. Y esto me lleva a otro punto que señalo en «Rock ‘n’ Roll«, que rompía una tradición de la música popular estadounidense con amplia presencia femenina en blues, gospel, country, rhythm & blues, etc., pero no tanto en el rock ‘n’ roll.
• Si en «Rock ‘n’  Roll«, como habrán podido leer en el extracto del encabezamiento, destacaba la aportación estética de Jackson, en la filmación que pueden ver completa (enlace más arriba) o en el clip en el que interpreta «Hard Headed Woman«, por favor observen la ropa que lleva: es un vestido de flecos, formado por una falda larga y un top (como si fuese de un bikini, un dos piezas o un sujetador). Y recuerden que es de 1958.

 

 

 

Los 10 mejores discos de Heavy de la historia

Los lectores del Rolling Stone estadounidense han elegido los mejores discos de Heavy Metal de la historia. Los resultados de las votaciones han sido:

10: Metallica «Ride The Lightning»

9: Led Zeppelin «II»

8: Metallica «Metallica (The Black Album)»

7: Guns ‘N’ Roses «Appetite For Destruction»

6: Slayer «Reign In Blood»

5: Metallica «… And Justice For All»

4: Iron Maiden «The Number Of The Beast»

3: Black Sabbath «Black Sabbath»

2: Black Sabbath «Paranoid»

1: Metallica «Master Of Puppets»

Me sorprende la ausencia de AC/DC en esta lista. Y también el dominio absoluto de Metallica. De todas formas es solo el reflejo de los gustos de los lectores de una publicación. Cada uno tiene sus discos favoritos. Aquí son todos los que están pero no están todos los que son. ¿Cuáles echáis en falta vosotros compañeros de Metal?

 

Un siglo de canciones 66: 5 canciones

27 de abril de 2010

Rafa Martínez del blog El auricular digital me pidió colaborar en su serie “5 canciones en la vida de…”. Ayer lo subió y lo traigo hoy a “Un siglo de canciones”, rompiendo un poco la línea habitual de esta sección. Se puede leer ahí o aquí a continuación:

Mis 5 canciones (por Adrian Vogel)

Normalmente el componente emocional es básico a la hora de seleccionar canciones. Solemos recurrir a esos temas que forman parte de la banda sonora de nuestra vida. Llevo más de un año comprobándolo en mi blog con la serie “Un siglo de canciones”, un espacio abierto –como este- a la colaboración espontánea. Y aprovecho a animaros y solicitar vuestras aportaciones.

Espero que el criterio seguido sea de vuestro agrado. Porque lo habitual es refrescar nuestra memoria musical con hechos y eventos de la infancia o adolescencia e incluso de nuestra madurez; un amor o la ruptura que tanto nos marcó; un logro o una decepción; etc. No lo toméis como un afán por ser original pero he pensado que -dado mi perfil- lo más conveniente sería darle un toque “profesional”. Esas canciones que de alguna manera dejaron huella o marcaron mi trayectoria en el mundo de la música.

“Like A Shot”

La primera vez que entré profesionalmente en un estudio de grabación fue con Burning, en 1975 con su segundo single. Contenía dos canciones originales de la banda: “Like A Shot” en la Cara A y “Rock and Roll” en la B. Es también una de las pocas veces que mi nombre aparece en los créditos de producción (como coproductor junto a Gonzalo García Pelayo, fundador del sello Gong). Algunos de los temas de estos primeros sencillos fueron incluidos en el ya mítico primer “Viva el Rollo”. Un proyecto impulsado por Mariskal Romero, en el que también colaboré en la producción. El álbum recogía el espíritu de una época y también de una ciudad. Y que a mediados de los 70 marcaba los años que empezamos a vivir peligrosamente. Burning fueron la banda sonora de esos tiempos.

Hace uno años el sello Munster reedito estos primeros 45s en un pack doble y me pidieron escribir los textos. Lo podéis leer pinchando aquí.

He encontrado en youtube una versión que grabaron en directo de “Like A Shot” para Radio Nacional (emisora donde algunos de nosotros colaborábamos):

 

“Sr. Troncoso”

Jesús de la Rosa tenía suficientes canciones para comenzar a grabar un nuevo LP de Triana. Movieplay –propietaria del sello Gong- no estaba muy por la labor. Pero nosotros –el sello y la banda- estábamos convencidos. El primer disco se estaba empezando a mover finalmente: lento pero seguro. Y el calendario de actuaciones se iba apretando poco a poco. Se trataba de aprovechar los huecos y meterse en el estudio. Triana estaban empeñados en autoproducirse, lo cual no encajaba demasiado bien en los planes de Gonzalo García Pelayo. De alguna forma serví de formula de compromiso. El grupo eran amigos y yo sería el enlace con la compañía.

“Hijos Del Agobio” era un álbum más denso y complicado que el anterior. “Sr. Troncoso” debía servir de oxigeno. Pero los arreglos y la superposición de pistas grabadas (¡qué obsesión tienen los artistas con grabar todas las pistas!) no cumplían con el propósito. La canción estaba cargada del ambiente y la atmosfera de los demás temas. Sugerí eliminar todo, manteniendo sólo las guitarras acústicas y las percusiones. Aquello cogió otro color. Y ya puestos y viendo a Antonio García de Diego en la sesión comenté “por qué no aprovechamos a este excelente guitarrista y le pedimos un solo a lo “Stairway To Heaven” de los Zeppelin”. A los tres Triana se les iluminó la cara y Antonio se lució a la eléctrica.

 

“La Saeta”

A principios de 1981 Raimundo Fagner irrumpió en mi vida. Y en 1998 se convirtió en padrino de mi único hijo. A principios de los 80 trabajaba en CBS España y Fagner era artista de CBS Brasil, dirigida por Tomás Muñoz (había sido el fundador de la compañía en España y llevaba instalado unos meses en Río de Janeiro).

Raimundo llegaba con la idea de grabar un álbum europeo (en París y Lisboa). Le llevamos a un festival flamenco en Alcalá de Henares (cartel de primera con Camarón, Lole y Manuel, Manzanita, etc.). Se volvió loco. Cambio sus planes: ¡quería grabar un álbum español! Y nos pusimos manos a la obra. “Traduzir-se” fue el resultado final. El disco incluía varias colaboraciones: «Verde» con Manzanita; grabamos “La Leyenda Del Tiempo” con Camarón (la primera vez que el de la isla cantaba con alguien); había un guiño a la América de habla hispana (una canción de Pablo Milanés fue la elegida para el dúo con Mercedes Sosa); y por supuesto “La Saeta” con  Joan Manuel Serrat, el primer dueto que Serrat grababa en castellano. En su Web se puede leer que esta versión es la mejor: “Probablemente la mejor versión grabada hasta hoy del mítico tema de Antonio Machado musicado por Joan Manuel Serrat. Un extraordinario experimento que nos ha quedado como palpable demostración del talento de los dos intérpretes.”

“Take This Waltz”

Después de pasar cinco años en la central de CBS en Nueva York volví a Madrid, en 1986. Dirigía la cia. Manolo Díaz, uno de los primeros cantautores que hubo (en los 60), compositor de éxito (suyas son muchas canciones de Los Bravos), productor y ejecutivo discográfico de relieve y además pionero de los cultivos tropicales en España (Motril).

Conocedor de mi afinidad con Leonard Cohen me pidió una gestión: estaba preparando un proyecto sobre el Poeta en Nueva York de Federico García Lorca y quería contar con Cohen. El álbum congregaba a lo más florido de la canción de autor de Europa. El bueno de Leonard sería la guinda y elevaría la dimensión del disco. El canadiense aceptó encantado –su hija se llama Lorca– y eligió el poema “Pequeño vals vienes”. “Take This Waltz” fue su adaptación del texto del poeta granadino.

Meses más tarde vino a Madrid para la presentación del álbum y viajamos a Granada, para visitar la casa-museo de Lorca y rodar un documental al respecto (se convirtió en el videoclip que podréis ver más abajo).

Para los curiosos os aconsejo leer Las Diosas de Cohen y Waits (Efe Eme)

“Indicios De Arrepentimiento”

Tras mi salida de CBS monté Compadres. De todos los líos en los que me metí quisiera destacar la vuelta de Carlos Berlanga al mundo de la música. Gracias a Pablo Sycet contacté con él y nos pusimos de acuerdo rápidamente. Las maquetas de las canciones nuevas eran muy buenas.

“Indicios” fue el titulo del álbum. Y a fecha de hoy está considerado por la crítica como uno de los mejores discos de la historia del pop español (entre los 10 mejores de los 90). Editado cuatro años después de su primer disco en solitario –que no tuvo ninguna repercusión- se quedó a las puertas del disco de oro (entonces eran 50.000 unidades; con los parámetros de hoy lo hubiese conseguido).

 Y aquí si que me ha sido difícil elegir un tema. Tengo tantas favoritas. Casi todas. Al final me he decidido por la que fue el primer single “Indicios De Arrepentimiento”.

 

Entradas anteriores en:

Un siglo de canciones (todos los posts)

¿Volvieron para quedarse?

12 de diciembre de 2007

¿Volvieron para quedarse? O fue simplemente un detalle en homenaje a Ahmet Ertegun. 

Aquí esta el Kashmir en una grabación hecha por un asistente al concierto del 10 de diciembre en el O2 Arena de Londres. 

 

La lista de los temas que tocaron:

Good Times, Bad Times
Ramble On
Black Dog
In My Time of Dying
For Your Life
Trampled Under Foot
Nobody’s Fault But Mine
No Quarter
Since I’ve Been Lovin’ You
Dazed and Confused
Stairway To Heaven
The Song Remains the Same
Misty Mountain Hop
Kashmir

Y de propina:
Whole Lotta Love
Rock and Roll