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Dylan y su “Infidels”

Por razones que se me escapan el soberbio “Infidels” de Bob Dylan ha vuelto a mi vida esta semana. Primero fue la aparición de un video de “Licensed To Kill“, rodada en el estudio con los músicos que grabaron “Infidels” (1983). Vemos a Mark Knopfler, coproductor junto a Dylan del álbum, a Mick Taylor y a la sección rítmica jamaicana de Sly & Robbie. Este video apareció el pasado día 5 y me puso sobre la pista de otra filmación de ese mismo álbum. Es la de “Don’t Fall Apart On Me Tonight“, que se subió el 16 de septiembre. La pueden ver en el enlace.

El siguiente paso fue rescatar el álbum de la estantería. Y ponerme a escucharlo de nuevo. Hacía años que no lo hacía (a pesar del excelente sabor de boca que me dejó en su día y lo mucho que me acompañó en los 80).

Anteayer descubrí la segunda y última aparición de Dylan en el show de David Letterman. Sucedió en marzo de 1984. En aquella época Dylan vivía en Los Ángeles y tenía que desplazarse a Nueva York para la actuación. Recuerdo el revuelo que se armó en la compañía (Columbia Records), por lo raro que era tener a Dylan en TV. Y sobre todo me acuerdo de mis fallidos intentos de asistir al programa o a los ensayos. Los estudios de la cadena NBC, en Rockefeller Center, estaban a dos manzanas del edificio de CBS, donde trabajaba. Como no llevaba el marketing internacional del artista y no pintaba nada ahí no pude colarme.

El comentario más escuchado en Columbia era que la actuación iba a ser a revolucionaria. Según contaba Don de VIto, su A&R, el futuro Nobel de Literatura frecuentaba los garitos punk de LA, acompañando a sus hijos adolescentes (devotos del estilo). En el programa de Letterman se iba a hacer acompañar por dos miembros de The Plugz. Eran pioneros de la autoedición y el DIY (Do It Yourself). Además había otra circunstancia: eran un trío de punk chicano. Tenían ascendentes latinos. El guitarrista de la actuación de Letterman no formaba entonces parte de The Plugz mas era amigo del bajista y el batería, con los que alternaba en otros proyectos.

La guitarra que tocó Dylan era la de Ron Wood. Se la prestó pero se demoró la entrega y el ensayo se retrasó hasta que llegó. También hubo un incidente con la armónica en la última canción. Se observa en las imágenes a alguien corriendo de lado a lado del escenario buscándola. Me he enterado estos días que Dylan se confundió al pedir la afinación. La usó en dos temas, pero con afinaciones diferentes. En realidad tenían que haber estado afinadas igual, con lo que hubiese bastado con una sola armónica.

La idea inicial era tocar dos temas pero Letterman hábilmente, y en directo, le sacó un tercero. El primero fue una versión del “Don’t Start Me Talkin” de Sonny Boy WIlliamson, antes de lanzarse a dos temas del “Infidels“: “Licensed To Kill” (que no aparece en el clip porque no se ha dado permiso; asumo que sería para no interferir con el video oficial) y la gran “Jokerman“. Respecto a esta última las diferencias entre la versión de “Infidels” y la actuación de TV son notables. Y refleja el espíritu que Dylan quería transmitir en ese momento. La grabación original tiene reminiscencias reggae, o lo que Dylan pueda entender por reggae. La influencia de Sly y Robbie en este reggae lento son obvias. La versión de televisión es mucho más áspera y roquera. La presencia de los jóvenes músicos punky de LA es notoria.

Este clip del programa de Letterman se subió el pasado 23 de agosto.

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Desayunando con Monk

Monk

Me estoy aficionando a desayunar escuchando a Thelonious Monk. En realidad estoy enganchado a Monk y lo escucho constantemente desde que adquirí en mayo la cajita con 5 CDs de Columbia Records (CBS) por 16,27€ (en Amazon). Entre los cinco están tres de mis favoritos suyos: “Underground“, “Monk’s Dream” y “Criss-Cross“. Estos dos últimos según el maestro Juan Claudio Cifuentes Cifu son sus obras cumbres. Por mi parte añado mi entusiasmo por “Underground“, que me suele acompañar en mis desplazamientos en coche, donde lo alterno con Aretha Franklin, Elvis In Memphis, Kenny Rogers y Triana. Por ser de reciente adquisición Monk prevalece como primera opción. 

El genial pianista firmó por Columbia a principios de los 60. En marzo de 1963 editó su primer LP con su nueva compañía: “Monk’s Dream“. Firmaba como The Thelonious Monk Quartet. De las ocho piezas, que originalmente conformaban el álbum (en esta edición se incluyen cuatro pistas adicionales con otras tomas), solo una-“Bright Mississippi“- es inédita. Las otras siete habían sido grabadas anteriormente en estudio o en directo (dos de ellas con otros títulos, aunque similares a los de este disco). Esta operación rescate le salió redonda a Monk. Vista la calidad de lo que escuchamos y las opiniones de gente tan acreditada como Cifu o los principales críticos estadounidenses de jazz de la época. “Monk’s Dream” es ahora la banda sonora de mis desayunos. 

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Dylan cumple 80 años

Hoy 24 de mayo Bob Dylan cumple 80 años. Y qué mejor forma de celebrarlo que con este “Forever Young“. Aunque fuese compuesta con su primer hijo en mente, el título de la canción (“Siempre joven”) viene al pelo.

En el video, extraido de la película “The Last Waltz“, le acompañan de The Band. Que además grabaron la versión original incluida en “Planet Waves” (1974), su primer álbum tras abandonar CBS (Columbia Records), su compañía desde el principio de su carrera. David Geffen y Elliot Roberts le ficharon para Asylum. El siguiente “Before The Flood“, el doble en directo con The Band que fue su primer disco live, fue el último con Asylum y volvió a CBS. Donde aún sigue.

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La audiencia de los Grammy se desploma

Grammy

La audiencia televisiva de los Premios Grammy se desploma en Estados Unidos. Sigue la tendencia de otras galas de entrega de galardones de las distintas industrias culturales.

Esta pasado domingo los Grammy perdieron casi 10 millones de espectadores respecto al evento del año pasado. Nielsen reporta que los 8,8 millones que los vieron este año suponen un descenso del 53%.

Los Grammy 2021 han sido los menos vistos de su historia.

Con todo, el dato escalofriante es que el 97,7% de los telespectadores entre los 18 y los 49 años no vieron la ceremonia de entrega. Es decir, la cadena CBS solo atrajo al 2,1% de esta amplia franja de edad. El año pasado fueron el 5,4% y en 2019 el 5,6%.

En la siguiente gráfica pueden observar la evolución de las audiencias de los últimos años, donde destaca la edición de 2012.

Audiencia TV Grammy

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Primary Wave y Sun Records más Tencent y Universal

Esta semana, en la industria de la música grabada, se cierra con dos noticias, una adquisición y una confirmación.

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Primary Wave Music de Nueva York, protagonista de varias compras de catálogos de canciones (Stevie Nicks, Smokey Robinson, Burt Bacharach, Bob Marley, Whitney Houston, Leo Sayer), ha adquirido la legendaria Sun Records de Memphis. Es decir, Primary Wave entra de lleno en el mercado de compra de grabaciones. Estamos hablando de más de 6.000 masters de Sun, discográfica puntera en el nacimiento del primer rock ‘n’ roll y rockabilly en los 50. Suyas fueron las primeras grabaciones de gigantes como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Johnny Cash o Roy Orbison. La compra por un precio aproximado de 30 millones de dólares incluye, además de la discográfica, su catálogo editorial de canciones, locales de ocio y los derechos sobre el logotipo de la compañía. Atención: las grabaciones originales de Elvis no están incluidas, porque cuando traspasaron su contrato a RCA (hoy Sony), esta tuvo el acierto de comprar también sus grabaciones. Algo que Columbia Records (CBS, hoy Sony) no hizo cuando fichó a Cash y que se demostró ser un gran error. En mi libro “Rock ‘n’ Roll: el ritmo que cambió el mundo” escribía al respecto:

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Sam Phillips, quien fundó la cia. en 1952, tras abrir su propio estudio y producir discos para otros sellos, vendió Sun en 1969 a Shelby Singleton, productor discográfico de Mercury Records en Nashville. Convirtió a la empresa en Sun Entertainment Company y añadió los sellos que había fundado y comprado tras independizarse de Mercury. Sun tuvo en Nashville su nueva sede. Tras el fallecimiento de Singleton (2009) su hermano John, socio suyo desde la compra, se hizo cargo de la firma. En su comunicado John Singleton afirma que al no tener herederos la mejor opción era vender para mantener vivo el legado de Sun. Y Primary Wave le ofrecía todas las garantías. 

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Del gigante chino Tencent y su participación accionarial en Universal Music Group se ha dado cuenta en el blog. La primera noticia fue la entrada en el accionariado de UMG con un 10% y una opción para una inversión posterior hasta un máximo de otro 10%. Los plazos fijados en la compra inicial se han ido cumpliendo. Primero Tencent anunció hace un mes su intención de llegar al limite. Y hoy día 29, cuando se cumplía la fecha prevista, han ejecutado la compra de ese 10% adicional por los 30 mil millones de euros fijados. Ya controlan el 20% de Universal, empresa que prevé salir a bolsa en este año.

Además, hay que tener en cuenta las participaciones cruzadas: las de Universal en Tencent, con Spotify y otros acuerdos de la empresa china con otras majors. Un patio muy revuelto.

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50 años de Philadelphia International Records

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Este año se celebran los 50 años de la fundación de Philadelphia International Records por Kenneth Gamble y Leon Huff. Músicos, autores y productores juntaron sus caminos y pronto llegaron sus primeros éxitos. Con sus canciones y sus producciones. El siguiente paso fue el lógico: fundar su propia compañía, Philadelphia International Records (PIR).

Gamble y Huff con PIR atesoran varios hitos:

  • El desembarco de los Jacksons en Epic fue una joint venture con PIR. Jermaine Jackson se quedó en Motown y los hermanos pasaron de The Jackson 5 a ser The Jacksons. Gamble y Huff, que ya trabajaban con CBS (Columbia y Epic), produjeron y compusieron la mayoría de las canciones de los dos primeros álbumes de los Jacksons para Epic.
  • Sus suntuosas producciones rítmicas anticiparon la era disco. Su banda de músicos, MFSB, con su “TSOP” (The Sound of Philadelphia) fue el claro precursor en 1973 de lo que se avecinaba. Fue compuesta para ser la sintonía del programa “Soul Train“. Era la primera vez en EEUU que una sintonía de TV alcanzaba la cima de las listas. También está considerado como el primer N.º 1 disco de la historia.
  • A lo anterior hay que añadir los arreglos orquestales (de cuerda y metal) y sus producciones para las baladas, arropando a una cantera de excelentes cantantes, fuesen solistas o parte de grupos. Como Teddy Pendergrass, Harold Melvin & The Bluenotes (Pendergrass era su cantante principal durante su época dorada con PIR), BIlly Paul, The O’Jays, The Spinners, Jerry Butler, McFadden y Whitehead, Lou Rawls, Patti Labelle, etc. Tanto los temas rítmicos como las baladas dieron lugar a lo que se denominó Philly Soul Sound (y entre nosotros se conoció como El sonido de Filadelfia, emulando el título del éxito, un clásico en nuestras discotecas y boites).

Gamble y Huff no estaban solos. Además de los músicos contaban con un plantel de autores y técnicos de sonido, Thom Bell, Dexter Wansel, Bobby Martin y Joe Tarsia, congregados alrededor de los estudios Sigma. El éxito de PIR condujo a Sigma, propiedad del ingeniero Tarsia, a abrir una sucursal en Nueva York (Madonna grabó ahí su primer LP). En el momento de mayor esplendor de PIR Sigma llegó a tener 10 salas de grabación en Filadelfia (una gran parte del “Young Americans” de Bowie se grabó ahí). Por Sigma pasaron desde Aretha Franklin hasta ZZ Top y Billy Joel.

De cara a este 50 aniversario de Philadelphia International Records se editaran varias ediciones especiales, antologías, remezclas, etc. Y abrirá una emisora de radio online dedicada en exclusiva al sello.

Ain’t No Stopping Us Now” de McFadden y Whitehead será la canción bandera de la conmemoración. Aquí, sin embargo, elijo mi favorita. La de las puñaladas traperas de los O’Jays: “Back Stabbers“.

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Mi vida con y sin Lennon

Mi vida con John Lennon, bajo su influencia, se podría resumir en las canciones anotadas en el sobre de la imagen. Son mi selección final para el especial 24 Horas Lennon de Rock FM. Me dejé fuera muchas favoritas de John, tanto con The Beatles como sin ellos. Un ejemplo: en el teléfono tengo de tono la introducción de guitarra del “Revolution“. También entraron temas que no están apuntados y que surgieron durante la conversación. De esta lista, que luego reduje porque no cabían todas, me sabe mal haber dejado fuera “Fame“. Compuesta por David Bowie, Carlos Alomar y John Lennon, fue el primer nº 1 de Bowie en EEUU. Me resarzo con el video: Bowie la interpreta en el show de TV “Soul Train“.

Por resumir: desde mi infancia John Lennon ha estado presente en mi vida. (Paul también así como George y Ringo).

Su asesinato, el 8 de diciembre de 1980, marca un antes y un después. Y arranca mi vida sin John. Hacia unas semanas que Lennon (y Yoko) había editado “Double Fantasy” con Geffen Records & Tapes. Un gran disco que contenía dos maravillas: “(Just Like) Starting Over” y “Woman” (me costó horrores quitarlas de la lista). Podría citar un par más, pero estas dos son las imprescindibles. A la altura de sus mejores obras.

Casi un año después, el 24 de noviembre de 1981, La Mundana y un servidor aterrizábamos en Nueva York. Llegaba a la central de CBS para gestionar el marketing internacional de Geffen. De no haber sido asesinado habría trabajado con Lennon, artista Geffen. En el presumible álbum posterior a “Double Fantasy“. Y a partir de aquí arranca mi fantasía…

Hubiese conocido el edificio Dakota por dentro, concretamente el piso de John y Yoko. Seguro que me habría amigado con ambos. Nunca he formado parte del grupo de haters de Yoko Ono. Al revés, lo cual me convertía en una rareza y podría ser un excelente pasaporte de cara a la pareja. Hoy, muchos de sus detractores han madurado y ya ven a Yoko de otra forma.

También fantaseo con la buena pandilla que habríamos formado Leonard Cohen, John Lennon y un servidor. Y cuento con un as en la manga: las magnificas paellas de Osvaldo Gomariz, celebradas en todo Manhattan. Ay, esas paellas perdidas en el Dakota… maldito asesino!!!

Si en Rock FM decía que me habría gustado dirigir Apple, la discográfica de los Beatles, imaginen lo que me hubiese gustado llevar el marketing internacional de Lennon. ¡Y tratarle!

 

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En los 70 la salsa de Fania dominaba la escena latina

En la década de los 70 los artistas y músicos puertorriqueños de Nueva York, agrupados alrededor de la discográfica Fania (creada en 1964 por el abogado neoyorkino Jerry Masucci y el músico dominicano Johnny Pacheco, quien acuñó la etiqueta “salsa”), crearon el concepto musical de la salsa. Cubrieron el hueco que dejaba la música tropical cubana (a causa del embargo de EEUU a Cuba). Esa década supuso el auge y afianzamiento de Fania y de la salsa. Dominaron la escena latina, la urbana (aunque ese concepto de urbano aún no se había popularizado, mas existía).

En España los primeros discos de Fania me llegaron a través de Discophon (1956-1994). Se habían hecho con los derechos de distribución y se lanzaron a promover Fania. De alguna forma pretendían cubrir el hueco dejado por CBS. Fueron los últimos distribuidores del gigante estadounidense en España. CBS abrió su filial española en 1970, con Tomás Muñoz al frente.

De esos primeros lanzamientos de Fania recuerdo especialmente dos. El de Fania All StarsLatin-Soul-Rock“, con grabaciones en directo. Un título muy acertado para la fusión que los músicos de Fania estaban llevando a cabo.

Si se fijan en la parte inferior de la carátula aparecen destacados varios músicos: Manu Dibango, de quien interpretaban su eterno “Soul Makossa” (que posteriormente plagiaría Michael Jackson); Jorge “Malo” Santana, hermano del excepcional Carlos, quien se lucía en el solo de guitarra de la maravillosa “El ratón” de Cheo Feliciano (y de paso descubrimos que Don Carlos tenía un hermano músico muy bueno, que formaría parte de Malo la banda de rock latino que fusionaba con el jazz); los ex Mahavishnu Orchestra Billy Cobham, a la batería) y Jan Hammer, al organo Hammond (el panameño Cobham antes de la Mahavisnu había formado parte de la banda de Miles Davis y el checo Hammer luego metió un pelotazo con la sintonía de la serie de TV “Miami Vice“). Aparte del afro-soul de Dibango la otra aportación soul fue una versión de un tema de Edwin Starr.

El otro LP era de Willie ColónLo mato (si no compra este LP)“. Era la octava grabación de dos grandes: Willie Colón y Héctor Lavoe, el cantante (o el cantante de los cantantes). Fue el cuarto disco de oro. A partir de esta grabación los problemas de Lavoe con las drogas lo distanciaron de la banda de Colón. Aunque siguieron colaborando juntos y Colón produjo los primeros discos en solitario de Lavoe. Eventualmente Colón le sustituyó en su grupo por Rubén Blades. Este trombonista, Colón, tenía muy buen ojo para elegir y descubrir cantantes…Y es uno de los grandes nombres de la salsa. Su talento creativo fue indispensable en la creación del edificio de Fania.

Para mi este disco supuso descubrir a dos grandes: Willie Colón y Héctor Lavoe.

En “Lo mato (si no compra este LP)” encontramos clásicos como “Todo tiene su final“, “Calle Luna, Calle Sol“, Guajira ven o “El día de suerte“. Esta última es una composición conjunta de Colón y Lavoe mientras “Guajira ven” es un tema popular (las otras dos son de Willie Colón). En el medley del video encontraran alguna. Les recomiendo encarecidamente que lo vean. Merece mucho la pena.

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En el 84 aniversario del asesinato de Lorca

PeNY

Hace un par de semanas el amigo Juan de Díos, cuya carrera en la radio estuvo vinculada a la SER desde la radio musical hasta la gerencia ejecutiva, me pidió un texto sobre el álbum “Poetas en Nueva York“, que reunió a la flor y nata de la canción de autor de Europa y América alrededor del libro de Federico García Lorca. La intención de Juan era publicar el texto hoy 18 de agosto, cuando se cumplen 84 años del asesinato del poeta. Y así ha sido. Lo pueden comprobar en su blog Nunca estuve en NY. Les dejo el enlace, que además de mi nota incluye el video de “Take This Waltz“, rodado en Granada con Leonard Cohen, y un texto del propio Juan de Díos, en el que amplia la info. sobre el disco y sus participantes (además de una pequeña nota biográfica sobre mi persona y una foto mía con Cohen en Granada). A continuación copio y pego mi escrito original antes de la necesaria edición para su publicación en blog ajeno:

Poetas en Nueva York” fue un ambicioso proyecto discográfico, ideado por Manolo Díaz, para conmemorar el 50 aniversario del asesinato de Federico García Lorca.

Como toda obra o proyecto además de su génesis y desarrollo hay unos antecedentes, unas raíces. En este caso pasan invariablemente por Manolo Díaz. Su visión se pudo llevar a cabo porque dirigía CBS en España. La otra columna fundamental sobre la que se asentó la idea fue el conocimiento que Díaz tenía de la poesía contemporánea española y sus posibilidades comerciales aplicadas al mundo de la música. Esto último, el conocimiento práctico, es fruto de una larga y exitosa carrera artística y ejecutiva. De ser uno de nuestros pioneros del pop- rock madrileño (Los Sonor), pasó a componer éxitos para otros (entre ellos Los Bravos y Massiel), luego fue uno de los primeros, quizás el primero, de los cantautores protesta, para terminar produciendo y dirigiendo. Su primera labor como ejecutivo fue al frente de la dirección artística de la recién creada Discos Acción. Ahí supervisó y alentó la formación de Aguaviva. Una agrupación que cantaba a los poetas españoles del siglo XX y que obtuvo un gran éxito en Italia con un poema de Alberti, “Poetas andaluces”. Y por supuesto, también cantaron a Lorca (tres poemas suyos se incluyeron en el LP de debut de Aguaviva).

Tener al jefe de la compañía involucrado desde el inicio suele ser sinónimo de éxito. Una garantía. Además, Manolo Díaz supo crear el espíritu de equipo necesario a la hora de confeccionar “Poetas en Nueva York“. Algo que se aprecia viendo el resultado final: la variedad de cantautores, representantes de las diversas culturas que configuran los continentes europeos y americanos. La labor de Rafa Alvero, como director artístico de CBS y productor ejecutivo del álbum, también debe ser señalada.

Manolo me incorporó al proyecto, aunque fuese responsable del producto internacional y esto era una producción local. Mi departamento ejercía, por decirlo de alguna forma, de import/export. Por lo que a la larga me tocaría convencer a mis colegas de las filiales de CBS, a lo largo y ancho del mundo, para que editasen el disco.

Mi participación se tradujo en tres de las 11 colaboraciones: los temas de Leonard Cohen, Raimundo Fagner y Chico Buarque, Pepe y Paco de Lucía. Fueron tres contactos (Leonard, Raimundo y Paco) muy fructíferos, especialmente uno de ellos. Con los tres me unía una buena amistad (y con Raimundo algo más: una década después sería el padrino de mi único hijo).

En el tema de Paco de Lucía me limité al contacto inicial. A pesar de estar en discográficas distintas nos conocíamos de hacía muchos años. Concretamente de cuando era parte del Para vosotros jóvenes de Radio Nacional, que dirigía Carlos Tena. En ese programa lanzamos al estrellato su “Entre dos aguas”. Y antes de mi marcha a Nueva York habíamos trabajado juntos en dos producciones de Raimundo Fagner en España. Durante ms años en NY nos veíamos al menos una vez al año, cuando venia a tocar con su grupo o con el trio (McLaughlin, Coryell/Di Meola). Después de ese primer contacto y su interés en participar, Alvero y su departamento tomaron las riendas junto al productor del tema. Su hermano Pepe cantó el poema elegido, “Asesinato“.

Raimundo Fagner era un artista de CBS Brasil. Su participación en “Poetas en Nueva York” fue lo último que grabó para CBS. Ese mismo año de 1986 firmó por BMG Brasil. Nos conocimos en 1981 cuando apareció en España, descubrió el flamenco y las conexiones musicales con su tierra de Ceará (estado nordestino de Brasil). Nos hicimos amigos y hoy en día es mi compadre. Cuando le llamé para plantearle la idea la respuesta afirmativa no se hizo esperar. Le pregunté si nos podía echar una mano con Chico Buarque, buen amigo suyo y una institución de la música brasileña. Me dijo que por supuesto. Y sugirió la idea de hacer un dúo. La propuesta era muy buena. A Manolo le encantó y eligió el poema que ambos grabaron. De la adaptación al portugués de “La aurora” se encargó el gran Ferreira Gullar.

En 1986, ya de vuelta en España, Manolo Díaz, conocedor de mi afinidad con Leonard Cohen cimentada en Nueva York, me pidió que gestionase su colaboración para el disco. Sería la guinda. Cuando le comenté que no creía que hubiese problemas porque la hija de Leonard se llamaba Lorca, sonrió con satisfacción.

Cohen eligió un poema fácil de musicar “Pequeño vals vienés” pero difícil de traducir. Le trajo de cabeza. Fueron dos meses de intenso trabajo (empleó unas 150 horas para adaptar el texto al inglés). Lo cual, por problemas de agenda, nos hizo cambiar el lugar de grabación de Nueva York a Paris (estudios Montmarte). “Take This Waltz” fue el resultado que después retocaría ligeramente para incluirla en su siguiente álbum “I’m Your Man” (1988).

Poetas en Nueva York” se grabó a lo largo de 1986 y se editó en otoño con un cuadro del pintor Eduardo Urculo de portada. Fue pintado especialmente para el disco. Cuenta con el sello característico de Urculo: un hombre de espaldas con sombrero.

En octubre del 86 Cohen vino a Madrid para la presentación del álbum y para rodar el videoclip de su tema en Granada. Todo estaba calculado al milímetro: primero el viaje para un día de rodaje, incluyendo la visita a la casa-museo de Lorca. Regreso esa misma noche a Madrid. Entre el viaje a Granada y la presentación en Madrid, Leonard hizo promoción y el realizador montó el video.

Take This Waltz” fue un pelotazo en España (n.º 1) y el impulso del álbum “Poetas en Nueva York“. También fue el pasaporte necesario para editar el proyecto internacionalmente con garantías de éxito.

Para quienes tuvimos el honor de participar “Poetas en Nueva York” y “Take This Waltz” nos proporcionó dos motivos de orgullo. El primero ver como nuestra producción pasó a formar parte del siguiente disco del maestro Cohen. Todo un logro desde la península ibérica. El segundo fue obtener el Premio Edison al Mejor Álbum Internacional. Los Edison son los premios oficiales de la industria holandesa, su equivalente a los Grammy.

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Blanca Li: de Xoxonees a la Academia francesa

Blanca Li (Blanca Gutierrez, Granada 1964) tuvo un 2019 agitado: entró en la Academia de Bellas Artes de Francia, como coreógrafa, y la Consejera de Cultura de la CAM, Marta Rivera de la Cruz (Cs), la nombró directora de los Teatros del Canal (Madrid).

En Francia antes de su nombramiento como académica logró algunas de las máximas distinciones oficiales del país vecino, además de premios en diversos festivales de teatro, danza y cine. También trabajó y montó coreografías para anuncios de TV y videoclips de Beyoncé, Paul McCartney o Coldplay.

A los 12 años cambió la gimnasia rítmica por la danza. Un problema de salud la apartó del equipo nacional que compitió en los JJOO de Montreal 1976. Cinco años después se marchaba a Nueva York. Ahí se formó con Martha Graham, Alvin AileyMerce Cunningham (como nombres más destacados). En NY conoce al matemático y grafitero franco-coreano Etienne Li. La relación que comenzó con el diseño de los folletos del primer espectáculo de Blanca se solidifica a nivel personal. Durante estos años de formación neoyorquina, en el campo de la danza, se inicia en la cultura hip hop. Coinciden el nacimiento del rap y la faceta artística de su pareja.

Es en NY donde en 1983 forma Xoxonees junto a su hermana Chus Gutierrez (hoy directora de cine) y dos amigas. Se definen como un grupo de flamenco-rap. Concepto tan interesante como avanzado para ese momento. Claro antecedente de Mala Rodríguez, el “Aserejé” o Las Niñas.

A la vuelta de NY su hermana y ella reforman el grupo en 1987: Silvia San Miguel (teclados) y Elena Robles (bajo) se incorporan reemplazando a las que se quedaron en la gran manzana. Dos años después Xoxonees editaban su primer y único LP.

Las ficha CBS que entonces dirigía Manolo Díaz. El álbum salió en Epic, la división en la que trabajaba llevando el departamento internacional (import/export). Conseguí que se lanzará en Colombia, donde “Marijuli asustadita perdiá” (el tema del video) pegó y salió también en Venezuela. Si lo escuchan comprobaran que es un claro precedente del “Aserejé“, porque emulaban fonéticamente el rapeado del “Rapper’s Delight” igual que después harían Las Ketchup. El problema en América fue que para entonces el grupo ya no existía y no pudo hacerse un seguimiento promocional adecuado.

El disco conceptualmente era muy interesante, pero estaba mal desarrollado. La frescura de las letras, como las de la mencionada “Marijuli“, “Tirate un yupi“, “Molan” o “Peludas“, tenían su punto. Pero la producción era naif. Faltaban intención y picardía. Tomas San Miguel, hermano de Silvia, es un excelente músico y un acreditado compositor. Producir un disco es otra cosa y este debió ser de los primeros de Tomás, por no decir el primero. Se nota porque las canciones no están rematadas. Apuntan ideas aunque no acaban de dar en la diana. Producir rap parece sencillo y no lo es. Menos aún entonces, cuando apenas había experiencia en España. Por ejemplo, a la voz principal (mayormente Blanca) le faltan recursos (inflexiones, giros, etc.). Eso sí, Tomás San Miguel tuvo el acierto de contar con Gerardo Núñez a la guitarra flamenca.

Las pegas anteriores se pueden solucionar. Lo que es imposible de arreglar es la separación del grupo. A principios de 1990 Xoxonees se disolvían. El álbum no llevaba ni un año en el mercado. Blanca Li se volcaría en su compañía de danza. Actuó en la Expo de Sevilla (1992) y al año siguiente se mudaba a París. Donde triunfaría a todos los niveles.

No se olvidó de la cultura urbana de Nueva York y presentaría “Macadam Macadam“, una obra hip-hop creada para el festival Suresnes Cite Danse de 1999. Realizó una gira mundial pasando por festivales como el de Aviñón o el Arts and Ideas de New Haven (EEUU). “Macadam Macadam recibiría años después el premio de la crítica cultural francesa Globes de Cristal al mejor musical.

Su posición al frente de los Teatros del Canal nos ha traído a Blanca Li a Madrid. ¡Es una gran noticia! La pandemia ha frenado sus planes iniciales pero me consta que está con las pilas bien cargadas.

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