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Fairport Convention: “Folk Heroes”

Acabo de ver este documental, “Folk Heroes“, sobre la legendaria banda inglesa Fairport Convention. Es de 2017, con motivo del 50 aniversario de su fundación. Lo grabé hace unas semanas cuando lo emitió Sundance TV.

Fairport Convention, apadrinados por el indispensable Joe Boyd (su productor y mánager), asentaron las bases del folk-rock inglés. Renovaron el acervo tradicional y lo electrificaron. También fueron los primeros en grabar canciones de Joni Mitchell, antes de que ella se diese a conocer masivamente. Bob Dylan les reconoció como los mejores interpretes de sus canciones inéditas (las que el aún no había grabado). La edición del primer álbum de The BandMusic From The Big Pink” (1968) les hizo cambiar su dirección musical. Vieron imposible alcanzar esa cota. Y dejaron de mirar a la música popular estadounidense para bucear en las raíces de su propio país. 

El documental recoge los múltiples cambios de formación, los nuevos grupos y solistas que surgieron y los diversos fallecimientos a lo largo de las cinco décadas que celebra. Y, por supuesto, airea y reafirma el enorme legado de Fairport Convention.

Les recomiendo que lo busquen en el canal Sundance TV (con subtítulos) o a continuación (sin subtítulos): 

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Trump empeñado en propagar el coronavirus

Trump sigue empeñado en propagar el coronavirus. Ayer anunció una nueva recepción en la Casa Blanca. La anterior del 26 de septiembre, en el Rose Garden primero y luego en el interior, fue la zona cero del brote que ha afectado a más de 20 personas del complejo presidencial (tanto a trabajadores como a miembros del equipo de Trump). En la foto del New York Times en rojo están señalados los contagiados. Ya escribí el pasado 3 de octubre y luego el día 6 señalando ese acto –celebrado para nominar al Supremo a la juez Amy Coney Barrett– como el “infectódromo”. Ayer el doctor Anthony Fauci lo confirmó, dando validez a las suposiciones. Si aquel día hubo 200 invitados para la celebración de hoy habrá 2.000 invitados. Entonces efectuaron tests rápidos a los asistentes y les dijeron que no hacía falta usar mascarillas. Craso error. Como se ha confirmado posteriormente. Tampoco rastrearon a los afectados. ¿Qué medidas implantaran hoy? Entre lo del Rose Garden y hoy se han producido varios hechos relevantes:

  • Trump fue hospitalizado y volvió a la Casa Blanca cuatro días después, tras pasar tres noches en el hospital. Las circunstancias de su ingreso y posterior alta no están claras. Se ocultó cuando dio el primer positivo (comunicado por el presidente la madrugada del viernes, día en el que acabó en el hospital). Posteriormente se ha establecido que dio positivo antes. El propio Trump, para eludir responsabilidades, especuló en Fox News sobre la posibilidad de haberse contagiado el lunes 27 de septiembre en otra recepción en la Casa Blanca, para las familias de los veteranos caídos en combate. Alegó los contactos directos con los asistentes. Las implicaciones racistas de este comentario, a la vista de las fotos, se las dejo a su consideración.
  • En cualquier caso, Trump se presentó infectado al debate con Biden. Así se entiende que llegase tarde, para que tanto él como su entorno eludiesen las pruebas obligatorias.
  • Se desconoce si Trump ya ha dado negativo y tampoco sabemos cuando fue el último positivo.
  • Un positivo, del almirante responsable de la guardia costera, ha puesto en cuarentena a todos los jefes del estado mayor del Pentágono. En casa bromeaba con La Mundana que así evitaban el contacto directo con Trump, el Infector In Chief.
  • Mitch McConnell, líder de la mayoría Republicana del Senado, ha declarado que evita ir a la Casa Blanca desde principios de agosto. La razón dada es abrumadora: no le convencen las medidas sanitarias de seguridad de la Casa Blanca y entran en contradicción con las que el mismo implementó en el Senado (uso de mascarillas y distanciamiento social, por ejemplo, además de rastreo en caso de contagios).
  • La comisión encargada de los debates presidenciales ha suspendido el segundo con Biden, previsto para el jueves de la semana que viene. Para no extenderme les dispenso de los dimes y diretes sucedidos hasta llegar a esta decisión.

Este pasado jueves en el programa de Hannity de Fox News, al que llama frecuentemente, Trump anunció su vuelta a la acción. ¡Y lo hizo tosiendo! “El espécimen humano perfecto” (son sus propias palabras), considera que haber sufrido el covid-19 es una “bendición divina”, adelantaba a Hannity que tras la recepción de hoy daría un mitin electoral en Florida. El primero de varios. Recordemos que ya tenemos datos de la incidencia de sus mitines en recintos cerrados: del de Tulsa (Oklahoma), el primero de su campaña, y del último que dio en Duluth (Minnesota) ya con el covid-19: en ambos casos hubo brotes. En la zona de Tulsa y entre los asistentes al de Duluth (donde nació Bob Dylan).

Considero necesario poner estas fotos del NYT del acto del Rose Garden. Tanto del exterior como del interior. Esta bomba vírica fue con 200 invitados. Hoy serán 2.000.Para cerrar la estupenda y muy acertada portada de la revista Time

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50 años del “After The Gold Rush” de Neil Young

Hoy se cumplen 50 años de la edición del “After The Gold Rush” de Neil Young. Era su tercer álbum en solitario y en mi opinión el mejor de su carrera. Es mi favorito y el único suyo que aún sigo escuchando. Luego vendría “Harvest“, que lo catapultó al estrellato mundial absoluto, con ese “Heart Of Gold“, n.º 1 en Estados Unidos y Top 10 en los principales mercados.

Generalmente cuando se habla del country-rock (hoy conocido como Americana) siempre surgen dos nombres pioneros: Gram Parsons y The Byrds. Y solemos olvidar el tercer pilar: “After The Gold Rush” de Neil Young.

El ambiente campero del LP rezumaba desde los primeros compases de la maravillosa “Tell Me Why“, que abría la cara A. Y continuaba con tres joyas más: “After The Gold Rush“, “Only Love Can Break Your Heart” y “Southern Man“. Esta última sirvió para que Lynyrd Skynyrd  respondiesen a Neil Young con otra obra maestra, “Sweet Home Alabama“. La cara A, al igual que la B, cerraba con un pequeño divertimento.

La cara B arrancaba con la versión de un clásico de Don Gibson (un grande del country, conocido como The Sad Poet). El resto de los temas estaban al nivel de los de la cara A, sobre todo “Don’t Let It Bring You Down” y “When You Dance I Can Really Love“.

Una característica de este LP, y de la nueva época discográfica, era el foco puesto en los álbumes. El primer sencillo no se editó hasta un mes después del LP. Y solo hubo uno mas, en marzo del 71. Se trataba de resaltar la obra conjunta.

1970 fue el año de la explosión de Crosby, Stills, Nash & Young en Estados Unidos. Su disco “Dèjá Vu” se había editado en marzo de ese año. Era la primera colaboración con Neil Young tras el LP de debut de Crosby, Stills & Nash del año anterior. El éxito del álbum les convirtió en el grupo más taquillero del país. Esa gira del 70 fue recogida en el excelente doble “4 Way Street“, editado en 1971. En ese 1970, además del “Dèjá Vu” de CSN&Y y el “After The Gold Rush” de Neil Young, tuvimos el primer LP en solitario de Stephen Stills, en noviembre, con el hitLove The One You’re With“. Y en el 71 llegaron los debuts en solitario de Graham Nash y David Crosby.

En los años que viví en Nueva York descubrí, hablando con compañeros y colegas, que la edición de “After The Gold Rush” coincidió con el comienzo del curso universitario. Esto quería decir que los adolescentes que crecieron con la revolución de los Beatles y Bob Dylan y/o luego con la del rock, la contracultura y los hippies, estaban predispuestos a los nuevos sonidos del conglomerado CSN&Y. “After The Gold Rush” nació de pie entre los jóvenes universitarios y se convirtió en una obra que formó parte del dormitorio de todas las residencias universitarias y colegios mayores. Las incipientes radios universitarias también tuvieron mucho que ver. Se convirtió en un disco generacional.

Les dejo con esta versión en directo con Paul McCartney de “Only Love Can Break Your Heart“, la canción que Young compuso a raíz de la separación de Nash y Joni Mitchell.

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Beethoven: un tipo muy inspirado

Triple Concerto

Espero que disculpen mi comentario de clásico cuñao de la clásica, pero es que Beethoven era un tipo muy inspirado. Sé que resulta una obviedad. Para alguien como yo, que bebe los vientos por el “Roll Over Beethoven” de Chuck Berry, y lo considera un himno generacional de ruptura musical que definió y cimentó las bases ideológicas del rock ‘n’ roll y su evolución, es muy importante reconocer al genial compositor alemán. Una prueba de madurez sin duda que ya me tocaba.

Beethoven nació en Bonn, ni más ni menos. ¡Nadie nace en Bonn! Miras la lista de ilustres de la ciudad y no conoces a ninguno, salvo a Beethoven y un par de nazis (el médico de las SS del campo de concentración de Mauthausen y Klaus Barbie, el carnicero de Lyon). Y todos acaban yéndose de Bonn, incluido Beethoven que marchó a Viena.

Estos meses de pandemia he estado escuchando mucho las Sonatas para piano de Beethoven. Todas. Las 32. De mi época de Nuevos Medios tengo una espléndida grabación del pianista húngaro András Schiif en ECM.

Los dos últimos CDs que he comprado han sido el nuevo de Bob Dylan y el “Triple Concierto” de Beethoven con Daniel Barenboim, Anne-Sophie Mutter y Yo-Yo Ma. Este triple concierto para piano, violín y cello se completa con la “7ª Sinfonía“. Estoy enganchado a ambos albumes. Ya no escucho otra cosa.

El “Triple Concierto” siempre me ha fascinado. Al menos desde que lo escuché por primera vez. Como curiosidad mencionar la grabación, hace 40 años, de la Filarmónica de Berlín dirigida por Von Karajan con  unos jovencísimos Yo-Yo Ma y Anne-Sophie Mutter. Comparen las caritas de entonces con las de ahora en ambas portadas.

Karajan Triple Concerto

La nueva grabación, aparte de conmemorar los 250 años del nacimiento de Beethoven, también celebra los 20 años de la West-Eastern Divan Orchestra, el proyecto ideado por Daniel Barenboim y el filósofo Edward Said.

Les dejo con un video que recoge breves fragmentos de los tres movimiento y sobre todo las geniales opiniones de los tres interpretes. De paso les recuerdo que esta obra fue compuesta en la primera década del siglo XIX. Y su belleza ha ido aumentando con el paso de los siglos…

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Dylan ni tosco ni follonero

Bob Dylan portada

El nuevo álbum de Bob DylanRough & Rowdy Ways” no es ni tosco ni follonero, como da a entender su título. Es más bien todo lo contrario, sutil y reflexivo. Y a los dylanólogos les resultará paradisiaco por sus continuas citas y referencias, sobre las que podrán teorizar e interpretar. Lo mismo sirve para los haters.

Aquí les dejo una primera teoría, mía, que no he visto mencionada en las críticas y reseñas que he leído (tampoco me he pegado un empacho): el nombré del álbum es un homenaje al título de un yodel de 1929 del gran Jimmie Rodgers, de quien Dylan es fan absoluto. Se llaman prácticamente igual. Y es en la letra de esa canción del maestro que inventó el country, aunque entonces no se denominase así (lo llamaban hillbilly), donde hallamos una posible clave de este disco de Dylan. Rodgers nos cantaba sobre un cambio vital, de alguien que durante años “rambled, drank my wines and gambled” y que ahora, al conocer a la mujer perfecta, quiere construir una cabaña en su pueblo y reposar su estilo de vida. Pero no puede olvidar sus “good old rambling days”. Vamos, que la cabra tira al monte. Y Dylan a sus 79 años no es una excepción. ¿Está dejando una puerta abierta por si se arrepiente y esta grabación que suena a despedida resulta no serlo? Aquí, salvando las distancias, tenemos un ejemplo en Miguel Ríos: se ha retirado más veces que Antoñete. Este ejemplo ha pasado a ser el de dos figuras, cada una en lo suyo.

En una primera escucha lo que más me llamó la atención fue la producción a la española. Es decir, con la voz muy presente. Muy por encima de la música. Esta es una característica de la música popular española desde los 50 del siglo pasado (como poco). Los anglos son más de equilibrar en las mezclas las pistas de voces e instrumentos. Y si quien cantaba andaba cortita/o la/e medio escondían entre la música.

Héctor García Barnés, conocedor de mi querencia por Dylan y consciente de mi disgusto con sus ultimas producciones (el disco de villancicos y los del repertorio de Sinatra), estaba interesado en conocer mi opinión. Agradezco su amabilidad e interés. A mi me pasaba lo mismo con la suya. Su espléndida reseña para Ruta 66 explica muy bien el disco. Y es la única (insisto: no me he pegado ninguna empacho de leer críticas) que menciona a Hemingway al hablar de “Key West (Philosopher Pirate)“, uno de los temazos de este “Rough & Rowdy Ways“. ¿Es Key West, en Florida, la cabaña de Jimmie Rodgers cuando Dylan canta que es “the place to be”, si buscas la inmortalidad o encontrar la cabeza que perdiste? ¿Estamos ante el mismo anhelo de cambio vital? ¿Es otra despedida encubierta de Dylan?

No es mi intención entrar en un análisis pormenorizado de cada una de las canciones que componen este doble CD. Para eso les recomiendo el artículo de un veterano como Esteban Linés en La Vanguardia. En cambio sí quiero resaltar otro aspecto que me sorprendió: los ecos de Leonard Cohen que he encontrado. Conceptos como los de “Mother Of Muses” nos llevan al “Tower Of Song” de Cohen. Musicalmente el uso del vals (popular en el primer country al igual que la polka), cantar susurrando o la salmodia (nexo común para ambos por su tradición judía) son otros puntos en común. En una de las escuchas La Mundana me lo comentó: “A veces se parece a Leonard”.

Solo quiero decir que me ha gustado este “Rough & Rowdy Ways“. ¿Dónde lo sitúo? Hay que compararlo con los otros discos de Dylan. No es uno de los grandes, indiscutibles, como varios de los 60 o el “Blood On The Tracks“. Pero lo pongo al nivel de otros muy buenos como “John Wesley Harding“, “Nashville Skyline“, “New Morning“, “Planet Waves“, “Street Legal” o “Desire“. No está nada mal estar ahí arriba!!! Y más teniendo en cuenta que Bob Dylan acaba de cumplir 79 años.

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Patti Smith canta a Neil Young

El pasado 9 de enero Patti Smith estuvo en el Tonight Show de Jimmy Fallon. Presentaba su nuevo libro de memorias “Year Of The Monkey“, referido al año 2016 cuando cumplió 70 años. Contó algunas anécdotas (como cuando conoció a Bob Dylan) y cantó el “After The Gold Rush” de Neil Young. Este tema, de 1970, daba título a un LP que, a mi entender, sigue siendo el mejor de la larga carrera de Young (y mira que tienes discos buenos). En su temática la canción tocaba problemas medio ambientales y auguraba un futuro negro para el planeta. Patti Smith la grabó para “Banga“, su álbum de 2012. El pasado año aún la cantaba en directo. Y fue la elegida para el programa de Fallon.

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El sorprendente nuevo álbum de Coldplay

Everyday Life” es el sorprendente nuevo álbum de Coldplay. El octavo de su carrera grabado en estudio (tienen 10 en directo). Tras el “Mylo Xyloto” (2011) les desatendí. Y me perdí los dos siguientes (el de 2014 y el de 2015).

He de decir que a priori las informaciones que me llegaban sobre este “Everyday Life” (“Vida cotidiana”) no me invitaban al optimismo: disco conceptual y doble (en vinilo), dos partes (“Amanecer” y “Atardecer“), Chris Martin en plan social y comprometido (no pensaba que tuviese la talla y entereza para estos fregados). Todos mis temores y prevenciones desaparecieron tras una primera escucha (el disco no es una ñoñería ni tampoco una pretenciosidad) . Y a partir de la segunda mi entusiasmo fue in crescendo. Ahora estoy enganchado.

Es digno de elogio que Chris Martin, a sus 42 años, no haya perdido capacidad de riesgo. Porque “Everyday Life” es una apuesta arriesgada. Tampoco ha perdido la inspiración (ni él ni sus compañeros de Coldplay). Los temas que suenan a lo que puedes esperar de ellos son impecables. Como las dos que cierran el álbum: “Champion Of The World” y la que da título “Everyday Life“. Lo mismo puede decirse de “Orphans“. Entre los nuevos sonidos, que se alejan de su estilo, destaca “Arabesque“, con ese saxo de Femi Kuti (hijo de Fela) que preside el final del tema y nos acerca al afrojazz. También “Guns“, un alegato contra la proliferación de armas, que parece una folk song (con referencias a Bob Dylan); la pieza orquestal que abre el disco o “BrokEn“, con claras influencias de los espirituales negros.

Everyday Life” es un todo. En cuanto entras en su universo (en mi caso fue a la primera escucha) y te adentras, empiezas a descubrir detalles y ambientes. Cada vez que vuelves a oírlo te asaltan nuevas sensaciones.

En resumidas cuentas, “Everyday Life” es un gran álbum. Y crece con cada escucha.

Coldplay

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Adíos a José José, el príncipe de la canción

Ayer conocimos la noticia del fallecimiento de José José. el príncipe de la canción. No por esperada es menos dolorosa. Una vida de éxito profesional que escondía aspectos más oscuros. Aunque la vida del ídolo (la de los ídolos en general) y sus problemas fuesen de sobra conocidos.

La vida artistica de José José es la de los cantantes de toda la vida. Interpretes de grandes facultades vocales siempre a la caza de repertorio. Comienzan haciendo versiones, en su caso de éxitos contemporáneos, españoles e italianos, o de clásicos de la música popular romantica. Hasta lograr la confianza de autores consagrados y logran codearse con ellos para que les compongan. José José cantó a los mejores.

Siempre recordaré uno de mis primeros viajes profesionales a México. CBS había fichado a Emmanuel y se organizó una presentación en México para las compañías de los países de habla hispana. Congeniamos. Y trabé amistad y confianza con su representante Angelo Medina, puertorriqueño. Nos unía nuestra pasión por el baloncesto. Años después me presentó a Piculín Ortiz, exNBA y compatriota suyo, quien acababa de fichar por el Real Madrid (Angelo se había convertido en manager de Chayanne y Ricky Martín, ambos de CBS/Sony). Cenamos en la antigua La Trucha, al lado de la madrileña Plaza de Santa Ana. Pero volvamos a México y a una noche inolvidable en Plaza Garibaldi.

Tras los actos oficiales de la presentación me empeñé en ir a la Plaza Garibaldi. A los compañeros de la compañía mexicana no les hacía demasiada gracia la propuesta. A los argentinos tampoco. A Emmanuel le chocó mi interés y apreció las razones que expuse (para entendernos: podría ser el equivalente a nuestros tablaos con unas características especiales como es que en cada bar/taberna contratas a los mariachis para que te canten). A la expedición se apuntaron los colegas peruanos, colombianos y venezolanos. Emmanuel y Angelo se encargaron de movilizarnos y les vi haciendo llamadas.

Cuando llegamos a la plaza, nos dirigieron directamente a una de las muchas terrazas. Era la del local al que previamente habían avisado. A los mariachis se les notaba entre expectantes y emocionados. Lo achaqué a la presencia de Emmanuel, el ídolo mexicano del momento. En el transcurso de la siguiente media hora entendí lo que les pasaba: fueron apareciendo José José, Juan Gabriel y Juan Luis Guerra (quien poco después le produciría un disco a Emmanuel). Para que la gente del rock lo entienda, es como si de repente surgen Joe Cocker, Bob Dylan y Bob Marley (por lo del Caribe anglo).

No hay palabras para describir la admiración que estas estrellas mostraban ante la voz de José José. Constantemente le pedían que cantase esta o aquella. Canciones propias o ajenas a su repertorio habitual.

Se corrió la voz y la gente se fue agolpando a nuestro alrededor.  En silencio respetuoso. Que solo rompían para aplaudir o reír algunas de las anécdotas que contaban los artistas. Fue, como supondrán, una noche mágica. Entre tequila, canciones e ilustres de la música popular. Y un privilegio para mí haberle escuchado en directo. La primera y última vez. ¡Gracias José José! Y por supuesto, gracias a Emmanuel y Angelo que lo hicieron posible.

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Robert Hunter (1941-2019)

Robert Hunter posed

Ayer cuando me enteré del fallecimiento de Robert Hunter, a los 78 años de edad, no pensé en escribir nada al respecto. Daba por supuesto que medios y redes sociales se harían eco de la triste noticia. Esta mañana he comprobado que no ha sido así.

Hunter, letrista habitual de Grateful Dead, rechazó la oferta de su amigo Jerry Garcia (de origenes gallegos por parte de padre) para unirse al grupo. Prefirió concentrarse en escribir sus textos. La amistad entre Hunter y el guitarrista fue inquebrantable y superó un mal comienzo: la novia de Garcia le dejó para casarse con Hunter (terminarían separándose).

La primera letra que Robert Hunter hizo para los Dead fue la de “Dark Star“, un tema instrumental que ya desde los inicios de la banda de San Francisco mostraba las querencias por los desarrollos e improvisaciones.

Si por su trabajo con los Grateful Dead ya ocupa un lugar en el panteón del rock, añadan a la lista a Elvis Costello, Bruce Hornsby,… y ¡Bob Dylan!

Qué mayor honor puede haber para un escritor de versos de canciones que colaborar con el maestro del oficio. La primera en la que colaboraron fue en “Silvio” del álbum “Down In The Groove” (1988). En ese mismo disco hay otra colaboración. 20 años después volvieron a escribir juntos. para el “Together Through Life“, editado en abril de 2009. Grabado en diciembre de 2008 era el trigésimo tercer álbum de Bob Dylan. Todas las canciones, menos una, eran de Dylan y Hunter.

En los últimos años su salud se resquebrajó. Y para poder cubrir los gastos médicos se embarcó en varias giras (la última fue en 2013), para apoyar las varias grabaciones en solitario que había editado.

Uncle John’s Band” (1970), una de mis favoritas de Grateful Dead, con esas voces tan Crosby, Stills & Nash, sirve para despedir a Robert Hunter.

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Algo más que los 50 años de Woodstock

Sender BFyR&R

Estos días los medios celebran profusamente el 50 aniversario del Festival de Woodstock. Como si fuese el festival de todos los festivales. El único. Lo achaco a las fechas en las que nos encontramos, con las redacciones bajo mínimos (la plaga de los becarios de los becarios). Menos mal que quedan algunas voces críticas en los medios que recuerdan el desastre organizativo que fue aquello y que no se produjo una autentica desgracia de milagro (o más bien, por la intervención de las autoridades).

Rock FM produjo el mes pasado un especial al respecto, bastante completo. Nuevamente agradezco a la emisora que contase conmigo.

El Festival de Woodstock no fue el primero en celebrarse. Y me atrevería a decir que ni siquiera fue el más importante. Sí fue el más documentado (películas, documentales, discos, etc.). Para nosotros, en Europa, los de la Isla de Wight son más relevantes. Especialmente su segunda edición, la de 1969 (50 aniversario por tanto), porque sacó de su retiro a Bob Dylan. El genio no quiso actuar en Woodstock, cerca de su domicilio, y en cambio eligió Wight para su retorno a los escenarios. La tercera edición de este festival, la de 1970, fue la que mas asistentes congregó (se habla de más de medio millón de personas, superando  a Woodstock).

Decía que Woodstock no fue el primer festival de rock al aire libre. En el libro “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll” relato cuales fueron los primeros. Y conviene subrayar la relevancia del madrileño Ramón Sender en la producción del primer festival de tres días de duración (el pantallazo del encabezado refleja el texto al respecto).

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