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Paula Moscuzza: arte en los balcones

Plaza de la PajaAyer descubrí la exposición de la pintora Paula Moscuzza en los balcones de un edificio en la parte superior de la Plaza de la Paja. Parece que estuve lento en el descubrimiento, a escasos metros de mi casa. La verdad es que hace tiempo que no pasó por ahí. Creo que las últimas veces fueron en el Delic con Aránzazu Soler Garijo y luego con David El Indio de Vetusta Morla. El cambio de la propiedad del Delic ha debido influir en mi ausencia.

La artista argentina Paula Moscuzza, licenciada en Derecho y profesora de español como lengua extranjera, lleva 17 años en Madrid. Ante la dificultad de encontrar una galería para exponer tuvo la feliz idea de sacar su arte a los balcones. Al principio le daba vergüenza, como señala en la entrevista con Pablo Pampa Sainz en El Salto. Superada esta dificultad consultó con sus vecinos de Lavapiés y encontró una respuesta de lo más positiva. Así que Quería exponer, como denominó a esta iniciativa, se convirtió en una realidad desde los tres balcones de su casa en la calle Esgrima 5 hasta los de la vecina calle Espada. Se unieron cinco edificios en esta original iniciativa.

Este proyecto artístico arrancó en marzo de este año e inicialmente estaba prevista hasta el 21 de abril, Según leo en el Facebook de la artista bonaerense, de donde he tomado prestadas las fotos: “El pasado 21 de junio, la vecindad de Esgrima y Espada, en un acto solemne y amoroso, entregó en mano a la vecindad de la Plaza de la Paja las obras de Quería exponer“.  Quería exponer

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Almeida pon una estatua invisible en la Plaza de Oriente

20 minutos

Almeida olvide la escultura homenaje a la Legión y ponga en la Plaza de Oriente una estatua invisible. ¡Alcalde atrévase! Sea moderno y original. A usted le gustan los focos y como político tiene afán de protagonismo. Dará la nota seguro y dejará a Ayuso como una principiante.

Mire el ejemplo del crack italiano Salvatore Garau (en la foto): vendió por 15.000 euros su escultura invisible. ¡Un fenómeno! El artista dice que su obra “representa el peso y la energía de la nada” y afirma que “ha vendido un vacío”. Garau pone condiciones al comprador: debe situarse en una casa particular, en una habitación especial libre de cualquier obstáculo o construcción y con un espacio de 150 x 150 centímetros.

No ha trascendido el nombre del comprador. Tengo mucho interés en conocer a quien será el más firme candidato al Gilipollas del Año.

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Almeida quiere cargarse la Plaza de Oriente

Legión

El alcalde de Madrid, Martínez-Almeida, quiere cargarse la Plaza de Oriente y su entorno colocando una estatua de seis metros de un legionario. Sería en homenaje a la Legión. Abstrayéndose de los símbolos políticos asociados, tanto a la Plaza de Oriente (punto de encuentro de los franquistas durante tanto tiempo), como a la Legión (fundada por Millán-Astray, amigo personal del dictador), quisiera centrarme en el aspecto estético que implica esta medida. 

La estatua de bronce, tres metros de altura, es bastante fea (como pueden apreciar en la imagen). El conjunto escultórico alcanza los seis metros con el pedestal de piedra. Los técnicos del ayuntamiento deben dilucidar si la plaza podrá soportar el peso (debajo hay un parking y una terminal de autobuses, además de las obras en curso). ¿Pero nadie se plantea que este añadido es un pegote en el armonioso entorno que configura la Plaza de Oriente?

Me da la impresión, que por mucho que yo elimine el tinte ideológico de la ecuación, el alcalde hace todo lo contrario. Su motivación es claramente tendenciosa. Para nada es artística. ¡Espantado estoy!

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Ana Juan en The New Yorker

!2 septiembre

Esta semana hemos conocido que la icónica portada del cumpleaños del New Yorker es obra del granadino Sergio García. La Mundana me ha alertado sobre las numerosas portadas de Ana Juan para la misma revista.

The New Yorker, aparte de su proverbial calidad, se distingue por el esmero con el que cuidan sus portadas. Las de su aniversario quizás sean las más significativas. Hace 96 años, el 21 de febrero de 1925, presentaban en su primera portada a Eustace Tilley, un dandy inspirado en la ilustración de un aristócrata francés, el conde de Orsay. Cada aniversario se conmemoraba con una nueva imagen de Eustace. Con el paso del tiempo se convirtió en una imagen simbólica del semanario. Su mascota. Tuvo sus transformaciones: fue un adolescente blanco en camiseta, con la gorra al revés, espinillas y pendiente (Robert Crumb, 1994), afroamericana/o, mujer (Ana Juan dibujó una Eustacia en 2005), hipster de Brooklyn (2013), incluso se asemejó a Putin en 2016, cuando las injerencias rusas en las presidenciales de ese año.

Ana Juan, además de la mencionada portada de 2005, es una firma asidua en The New Yorker. Para la historia ha dejado dos: la del encabezado a los 10 años del atentado de las Torres Gemelas y la dedicada a otro acto terrorista, el ataque a la revista Charlie Hebdo.

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Ana Juan (Valencia, 1961), es probablemente muestra ilustradora más internacional. Obvio que es por su proyección desde las portadas del New Yorker. La primera data de 1995. Su primera exposición individual fue en Ginebra (1988). En el 92 debutó en una galería neoyorquina del Soho. Tras tres años consecutivos obteniendo la Medalla de Plata de Ilustración de la Society of Newspaper Design ganó la Medalla de Oro en 1998 y 1999. En 2010 el ministerio de Cultura la galardonó con el Premio Nacional de Ilustración. Ha diseñado numerosas portadas de libros (propios y ajenos). ¡Una crack!

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Exposición de Jordi Socías en Madrid

Chicago 2012

Me entero por un articulo de Jesús Ruiz Mantilla en El País de la exposición de Jordi Socías en Madrid. La muestra “Naturalismo cosmopolita” de la galería Fernández-Brasó recoge lo mejor de su obra y estará hasta el 31 de julio.

He elegido una foto suya que es la misma que encabeza la pieza de Ruiz Mantilla. Se trata de la Crown Fountain, la instalación de Jaume Plensa en el Millennium Park de Chicago. Me alegra que a mi exvecino le impresionase tanto como a mi (en el enlace podrán ver un pequeño clip que rodé un año antes de la foto de Socías). Digo exvecino porque hace tiempo que se mudó. Primero vivió en la puerta de al lado de la nuestra. Un par de años después bajó un piso.

Conocer y tratar a Jordi Socías es algo de lo que me enorgullezco. Mejor dicho, nos enorgullece tanto a La Mundana como a mi. Su sentido del humor y su visión de las cosas (que se aprecia en su obra gráfica) siempre me llamaron la atención. Su trayectoria vital le ha permitido observar el mundo con otros ojos, los del naturalista cosmopolita. Un urbanita al 100%.

Sus inicios como vendedor de relojes, su muestrario era el maletín con el que viajaba a la caza de clientes, le proporcionó la experiencia vital que hemos comprobado a traves de su objetivo. Su enfoque único y especial es el que ahora se resume en la galería Fernández-Brasó.

Un fragmento del texto de Ruiz Mantilla define perfectamente la obra y personalidad de Jordi Socías:

“Del surrealismo al neorrealismo, las corrientes se entremezclan en el estilo de Socías con el desparpajo que él utiliza la cámara: una herramienta de la que dice apenas entender en su complejidad técnica. Jamás se vio a un fotógrafo más desprovisto de artificio, de parafernalia. Jamás alguien dentro de ese mundo y rodeado de tales barreras de narcisismo entre artistas, creadores y popes se quitó más importancia”.

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El All Star Team del siglo XVII

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Felipe IV presidió el All Star Team del siglo XVII. Un capricho real pasó de ser un encargo a una exigencia. E involucró a las dos ciudades punteras del momento: Madrid, capital del Imperio, y Florencia, cuna del Renacimiento.

Felipe IV era rey de España, Portugal, Nápoles, Sicilia, Cerdeña y Países Bajos, duque de Milán Borgoña, y conde de Flandes. Quería una escultura ecuestre que superará a la de su padre Felipe III. Esta, que podemos ver en el centro de la Plaza Mayor de Madrid, fue un regalo del primer Gran Duque de Florencia, Cosme I de Médicis, al monarca español. La obra la inició Giovanni da Bologna (Giambolognay la terminó Pietro Tacca.

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El caballo de Felipe III tenía una pata elevada. Felipe IV quería el suyo con las dos patas delanteras izadas. Así que tanto el monarca como su valido, el conde-duque de Olivares, encargaron a Velázquez, entonces pintor del rey, que se pusiese al frente del proyecto (en esa corte un tal Góngora era el capellán real). El genial pintor sevillano argumentó la imposibilidad de tal emprendimiento. No era factible que la escultura aguantase todo el peso sobre solo las dos patas traseras. El rey no atendió a razones. Quería lo que quería. Y el proceso se puso en marcha. Velázquez dibujó el diseño. Se lo envió a Pierto Tacca a Florencia. Con una nota avisando de la obstinación real y urgiéndole a encontrar una solución. Tacca había finalizado la escultura de Felipe III y ahora se enfrentaba a la de su hijo, Felipe IV.

Tacca sabia que Galileo Galilei estaba bajo arresto domiciliario en Florencia. La Inquisición le había condenado por afirmar que la Tierra giraba alrededor del Sol. Tacca fue a verle y le expuso el problema. Galileo acabó encontrando la solución. O más bien, las soluciones. La primera era una condición indispensable: la escultura debía estar hueca en su interior, salvo en la parte trasera. Nalgas y patas debían estar rellenas del mismo material de la escultura. Una innovación pionera en el mundo del arte. Impuso un nuevo modelo que estuvo vigente durante el siglo XVII y el siguiente. Pero aún había otro aspecto: la cola del caballo es excesivamente larga y ancha en su extremo final. El objetivo era que llegase a tocar el suelo del pedestal y convertirse así en un tercer punto de apoyo (junto a las dos patas).

Aún había otro aspecto a resolver. Tacca no conocía a Felipe IV y tampoco tenía ningún retrato suyo. Velázquez resolvió el asunto encargando al escultor Juan Martínez Montañés un busto del monarca. Una vez terminado se envió a Florencia. Y Tacca pudo terminar este proyecto global e innovador, nacido de un capricho real y que reunió a un plantel de primeras figuras de la época. Hoy podemos admirarlo en la madrileña Plaza de Oriente, como parte de un conjunto escultórico ordenado por Isabel II.

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Aute en La Habana (por Rodri)

Un delicioso texto de Rodri de finales de marzo de 2008, que ahora desgraciadamente cobra actualidad.

El Mundano

23 de marzo de 2008

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“Fue en ese cine, ¿te acuerdas? en una mañana “Al Este del Edén”. James Dean tiraba piedras a una casa blanca, entonces te besé” 

Cuando recibí, en 1972, el primer single de Rosa León con Las cuatro y diez, canción de Luis Eduardo Aute, pensé: ¡Este tío es un brujo! Yo estaba ya en la radio y, sobre todo, hacía programas musicales. Lo que ocurrió es que me había traído a la cabeza una escena, un momento real, vivido por mí y por una chica llamada Pili en el cine Colón, que estaba en la calle Génova, viendo esa película allá por el año feliz del 61. Tal vez no fuera cuando tiraba piedras, sino cuando volvía sobre el techo del tren subiéndose el jersey para quitarse el frío. 

Cuando en 1967 salió el primer disco de Aute con Don…

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Luis Eduardo Aute (1943-2020)

Estoy conmocionado, son días de dolor y duelo. Hace como dos horas me enteré del fallecimiento de Luis Eduardo Aute (Manila, 1943-Madrid, 2020). Los últimos sorbos del café que estaba tomando han sido los más amargos que recuerdo. Me cuesta articular frases. En Facebook recurrí a un texto de Luis Lapuente que reflejaba un fragmento de su libro “Conversaciones con Gonzalo García Pelayo. Nostalgia del futuro“, en el que GGP mostraba su admiración y afecto por Aute. Inmediatamente pensé hacer lo mismo aquí en El Mundano. Porque Aute forma parte de mi “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll“. Como no podía ser de otra forma, porque es un pionero del rock & roll madrileño. Al igual que otros importantes cantautores que tuvieron sus inicios en el incipiente r&r patrio (Patxi Andión, Manolo Díaz, Raimon, Xabier Ribalta, Serrat, etc.).

Otra de las facetas del mestro Aute es la de artista plástico. Y en esto también estuvo cercano al pop-rock español. Suya es la ilustración de la portada del primer álbum de Barrabás. el exitoso proyecto afrolatino del Fernando Arbex de los 70. En el grupo formaban dos Morales, Ricky y Miguel.

Tenía claro que la canción que iba a elegir para este post era “Slowly” (y mira que es difícil seleccionar una entre tantas grandes canciones). Siempre pensé que tenía el potencial de ser un hit mundial. Mi idea original era que la grabase Julio Iglesias. No prosperó. Aute ya tuvo un éxito internacional con la adaptación inglesa de su “Aleluya Nº. 1” (1967) en la versión que grabó Ed Ames. La original de Aute contó con los arreglos y producción de Juan Carlos Calderón y triunfó en España. También Massiel tuvo éxito con su versión. La de Asner funcionó en EEUU, Canadá y en Australia (en menor medida). El tema era un proto Leonard Cohen en toda regla. Escribo esto y enseguida me viene el recuerdo de su admiración por Cohen y el entusiasmo con el que comentamos su primera actuación en el Teatro Monumental de Madrid (era la gira del “New Skin For The Old Ceremony” y representaba una evolución sonora importante). Me ha llamado la atención que Víctor Lenore  también eligiese “Slowly” en su muro de FB. Aquí me viene de perlas porque refleja perfectamente el ambiente de ese primer Aute rocanrolero.

Vecino del barrio de La Mundana (la Karina ye yé era la otra celebridad de Fuente del Berro) recuerda que el primer, y probablemente único autógrafo que pidió, fue con 12 o 13 años cuando ella y su amiga Ana Davies se lo encontraron a la puerta de El Corte Inglés de Goya. Yo, en cambio, la recuerdo mirándole embobada en el vestíbulo del Teatro Alcalá Palace (no me acuerdo que actuación pudo ser; igual fue Leo Sayer).

Les dejó con pantallazos de “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll” referidos al gran Luis Eduardo Aute:

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Tigres copia

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Fra Angelico en el Prado

Fra Angelico MdPTeníamos pendiente ver la exposición Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia del Museo del Prado. Se agotaba el tiempo (termina a mediados de este mes). Y sobre todo queríamos admirar la restauración de esa obra maestra que es “La Anunciación“. Tampoco habíamos visto la de Velázquez, Rembrandt, Vermeer. Miradas afines. Así que ayer por fin fuimos al Prado. Seguimos el consejo horario que Aurora Ciriza y Cristino de Vera le dieron a La Mundana. Acierto pleno. Sin aglomeraciones y con tiempo para disfrutar de las obras. Y comentarlas.

Desde el 9 de mayo que leí un espléndido artículo de Ángeles García en El País, donde detallaba todo el proceso de restauración de “La Anunciación“, he estado con ganas de ir a admirarla. Por unas causas u otras el momento se ha ido postergando. Y como dice el refrán “nunca es tarde si la dicha es buena”.

En su texto Ángeles García escribía “Como en una novela policíaca, el más mínimo detalle puede ser el desencadenante de la solución al problema. En el arte, rigen las mismas reglas. Hace poco más de un año que una de las tablas más imponentes realizadas por Fra Angelico, La Anunciación (hacia mediados de la década de 1420), fue trasladada al prestigioso taller de restauración del Museo del Prado. Considerada una de las joyas indiscutibles de la colección, ingresó en la pinacoteca en 1861 procedente del Monasterio de las Descalzas Reales. No sufría daños importantes, salvo la inevitable capa de polución que aporta el paso del tiempo y repintes inadecuados que habían suprimido la luz mística original y los deslumbrantes lapislázuli, rojos y verdes de los elementos originales que ahora han retornado a la tabla tal cual los pintó su autor.” A continuación contaba que la polución era mayor de la pensada inicialmente. Pero lo que más nos impactó fue lo referido a la partícula de oro que devolvió la luz al retablo: ” Y, de repente, apareció el hallazgo que daría las claves sobre la extraña composición de las alas del arcángel Gabriel: una partícula de oro perdida en la espalda como único resto de las alas doradas originales.”.

Viendo la tabla dos detalles nos llamaron poderosamente la atención: el suelo de mármol del pórtico, pintado muy siglo XX, y el jardín del Edén en otro hito adelantado a su tiempo. Respecto a esto último bromeé sobre Adán y Eva como el mito fundacional del heteropatriarcado judeocristiano. Al no lograr el efecto deseado tuve que repetir la gracieta varias veces hasta lograr la irritación buscada.

Samuel Sánchez El País

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Saint Marc Jaumegarde

En nuestra exploración de la Provenza francesa (llevamos varios veranos en ello), hemos llegado a Saint Marc Jaumegarde. Una pequeña localidad a las afueras de Aix en Provence. Y tan pequeña: no llega a los 1.300 habitantes y el pueblo solo consta del ayuntamiento, una escuela y una iglesia. El resto son casas de campo y chalés escondidos entre los árboles.

En las cercanías se encuentra el Château de Vauvenargues, el castillo que se compró Picasso, en los 50, para seguir los pasos de Cézanne, natural de Aix.

En la foto, desde la casa donde nos alojamos, se ve el monte de Saint Victoire, que Cézanne pintó decenas de veces. Jorge Freiré me mandó una reproducción de un cuadro del pintor francés desde el otro lado del monte, con el lago de frente.

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