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Fra Angelico en el Prado

Fra Angelico MdPTeníamos pendiente ver la exposición Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia del Museo del Prado. Se agotaba el tiempo (termina a mediados de este mes). Y sobre todo queríamos admirar la restauración de esa obra maestra que es “La Anunciación“. Tampoco habíamos visto la de Velázquez, Rembrandt, Vermeer. Miradas afines. Así que ayer por fin fuimos al Prado. Seguimos el consejo horario que Aurora Ciriza y Cristino de Vera le dieron a La Mundana. Acierto pleno. Sin aglomeraciones y con tiempo para disfrutar de las obras. Y comentarlas.

Desde el 9 de mayo que leí un espléndido artículo de Ángeles García en El País, donde detallaba todo el proceso de restauración de “La Anunciación“, he estado con ganas de ir a admirarla. Por unas causas u otras el momento se ha ido postergando. Y como dice el refrán “nunca es tarde si la dicha es buena”.

En su texto Ángeles García escribía “Como en una novela policíaca, el más mínimo detalle puede ser el desencadenante de la solución al problema. En el arte, rigen las mismas reglas. Hace poco más de un año que una de las tablas más imponentes realizadas por Fra Angelico, La Anunciación (hacia mediados de la década de 1420), fue trasladada al prestigioso taller de restauración del Museo del Prado. Considerada una de las joyas indiscutibles de la colección, ingresó en la pinacoteca en 1861 procedente del Monasterio de las Descalzas Reales. No sufría daños importantes, salvo la inevitable capa de polución que aporta el paso del tiempo y repintes inadecuados que habían suprimido la luz mística original y los deslumbrantes lapislázuli, rojos y verdes de los elementos originales que ahora han retornado a la tabla tal cual los pintó su autor.” A continuación contaba que la polución era mayor de la pensada inicialmente. Pero lo que más nos impactó fue lo referido a la partícula de oro que devolvió la luz al retablo: ” Y, de repente, apareció el hallazgo que daría las claves sobre la extraña composición de las alas del arcángel Gabriel: una partícula de oro perdida en la espalda como único resto de las alas doradas originales.”.

Viendo la tabla dos detalles nos llamaron poderosamente la atención: el suelo de mármol del pórtico, pintado muy siglo XX, y el jardín del Edén en otro hito adelantado a su tiempo. Respecto a esto último bromeé sobre Adán y Eva como el mito fundacional del heteropatriarcado judeocristiano. Al no lograr el efecto deseado tuve que repetir la gracieta varias veces hasta lograr la irritación buscada.

Samuel Sánchez El País

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Saint Marc Jaumegarde

En nuestra exploración de la Provenza francesa (llevamos varios veranos en ello), hemos llegado a Saint Marc Jaumegarde. Una pequeña localidad a las afueras de Aix en Provence. Y tan pequeña: no llega a los 1.300 habitantes y el pueblo solo consta del ayuntamiento, una escuela y una iglesia. El resto son casas de campo y chalés escondidos entre los árboles.

En las cercanías se encuentra el Château de Vauvenargues, el castillo que se compró Picasso, en los 50, para seguir los pasos de Cézanne, natural de Aix.

En la foto, desde la casa donde nos alojamos, se ve el monte de Saint Victoire, que Cézanne pintó decenas de veces. Jorge Freiré me mandó una reproducción de un cuadro del pintor francés desde el otro lado del monte, con el lago de frente.

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Dalí en el NYT y en “Bikinis”

El pasado lunes, 24 de diciembre, desayunando en Manhattan con mi ejemplar del día del The New York Times me llevé un subidón al ver el cuadro Rock ‘n’ Roll de Salvador Dalí en la portada del suplemento cultural del periódico (ellos lo llaman The Dance y dicen que a veces es conocido como Rock ‘n’ Roll, que es su nombre original; también se refieren a esta pintura como The Dance of Rock ‘n’ Roll).

De este cuadro y de su predecesor, Boogie-Woogie, escribía en “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll” y contaba su historia (que es la misma que refleja el NYT y que podrán leer más abajo). Formaba parte del extenso capítulo dedicado a Fraga, el director de marketing del franquismo. Y decidimos eliminar del texto final la parte que hacía referencia a las vicisitudes de los distintos propietarios del cuadro (en 1988 pasó a las manos del capo del narco colombiano). Ahora, que es de lo que el artículo trata, la viuda de Pablo Escobar confirma, en su libro de memorias, que el cuadro estuvo en posesión de la familia Escobar. Y lo colgaron en la biblioteca de su apartamento de Medellín.

La obra sobrevivió a dos ataques contra Pablo Escobar y tras un fuego provocado fue robada por una banda rival. Posteriormente fue subastada y adquirida por un empresario japonés.

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Warhol en el Whitney

3F7BFA81-114E-493B-9440-36469BBB9EB0Jesús Espino, mi editor, me recomendó que fuésemos a ver el nuevo museo Whitney. Conocíamos el anterior, no muy lejos de donde vivíamos. Las recomendaciones de Jesús son siempre bienvenidas. Y más en este caso al ser algo que desconocíamos y estaba al final del trayecto del High Line, nuestro espacio favorito en Nueva York y que hemos visto crecer (con un intervalo de tres años y en este viaje nos hemos puesto al día).

El edificio es una maravilla por fuera y por dentro. Y las terrazas de las tres ultimas plantas tienen una vistas magníficas. Del sur de la isla (con los rascacielos del distrito financiero y a lo lejos la estatua de la Libertad) y del midtown (con el Empire y el Chrysler).

Jesús me había comentado que siempre hay una exposición estrella. En este caso era la de Andy Warhol. Habíamos visto la del Caixa Forum en Madrid pero intuíamos que esta iba ser diferente. Acertamos. Más completa como era de esperar y pudiendo apreciar la evolución del artista. Desde sus primeros dibujos y telas hasta la explosión pop. Lógicamente en Madrid vimos algunas de las piezas expuestas en el Whitney (hay fotos al final).

Lo primero que nos llamó la atención al entrar fue el ascensor que nos llevó derechos a la quinta planta, donde estaba la muestra de Warhol.

Las siguientes fotos las hicimos entre los tres (y en algunas reconocerán algunos clásicos de Warhol).

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Psicodelia en la cultura visual de la era beat (1962-1972)

Psicodelia CdBAAyer por fin conseguí ver la exposición Psicodelia en la cultura visual de la era beat (1962-1972) en el Círculo de Bellas Artes. Lo había intentado dos veces antes y no pude. La última vez fue el lunes, aprovechando la presentación del libro de Esteban HernándezEl tiempo pervertido“. Pero los lunes las exposiciones del Círculo están cerradas.

La nueva intentona fue a raíz de la presentación del libro “La llama” de Leonard Cohen, traducido por Alberto Manzano, en Blanquerna. Al igual que el lunes llegué al Círculo una hora antes de la presentación. Y esta vez sí pude disfrutar.

La exposición me impactó. Vi los discos de mi infancia, adolescencia y juventud. Los tuve casi todos. Y descubrí con alegría que Los Bravos y Los Brincos habían llegado a Checoslovaquia. Porque la muestra esta comisariada por Zdenek Primus, historiador checo de Arte.

Brincos Bravos

De Bravos nos encontramos el LP “Black Is Black” al lado del “Contrabando” de Brincos (portada de Iván Zulueta). De Brincos hay dos más, el segundo LP y el “Mundo, demonio y carne“.

Tener a un historiador de arte significa que la base de Psicodelia en la cultura visual de la era beat (1962-1972) es el maravilloso grafismo que se desarrolló tanto en portadas como carteles de conciertos (especialmente acertados -y crearon escuela- los desarrollados en San Francisco anunciando las actuaciones en el Avalon, Winterland o Fillmore). Es muy interesante observar la evolución de los primeros pósters de los conciertos del Avalon a los más elaborados del Fillmore.

Primeros carteles

Otro aspecto a destacar de los carteles es ver la programación que anunciaban: como las nuevas bandas de la bahía de San Francisco alternaban en los escenarios con las leyendas del blues y del rhythm & blues como Big Mama Thornton, Bo Diddley, James Cotton, etc. Y también con las nuevas bandas de blues (blanco) que se estaban formando (Butterfield Blues Band, Blues Project, Janis Joplin con Big Brother & The Holding Company, etc.).

También hay clásicos como el póster de Zappa en el retrete, que adornó mi habitación para horror de mi madre. Respiró aliviada cuando lo quite. Y se preocupó mucho más cuando lo reemplacé por uno de Bowie (el de “Hunky Dory“).

Zappa

Psicodelia en la cultura visual de la era beat (1962-1972) está en la Sala Picasso del Círculo de Bellas Artes hasta el 20 de enero de 2019. Altamente recomendable. Y les dejo con un texto del programa:

“Como dijo Paul Kantner, de Jefferson Airplane, la música rock significó para toda una generación una nueva forma de comunicación, que transformó la mentalidad de los jóvenes y su forma de percibir la vida. A través de elementos procedentes del mundo de la música y de la escena alternativa, esta muestra intenta evocar el espíritu que impulsó a gran parte de una generación que, a través de su aspecto, preferencias musicales y, en cierta medida, actitud política, denunciaba y rechazaba las convenciones imperantes y que encontró en la música una vía de escape.”

 

 

 

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El pintor de canciones

Hoy estuve viendo la exposición El pintor de canciones, en el Teatro Fernán Gómez del Centro Cultural de la Villa (Madrid). Se trata de una impresionante muestra que abarca 30 años, desde 1948 hasta 1978 (año en el que se aprueba nuestra actual Constitución). Estuve con los alumnos de este curso del Máster en Industrias Musicales y Estudios Sonoros (MIMES) de la Universidad Carlos III. El comisario de la muestra, Javier Panera (a quien podemos ver en el video), se trajo a sus alumnos de Historia del Arte de la Universidad de Salamanca. Nos juntamos un buen grupo que disfrutamos de las explicaciones del shérif. (No pude evitar estar callado e intervine un par de veces).

El trabajo fino, riguroso e impecable de esta exposición se debe a Panera, sus dos colaboradoras y a La Fábrica, que dirige Alberto Anaut.

Mientras Panera nos daba una charla de introducción antes de recorrer la muestra vi entrar a Luis Mendo. Tanto él como Bernardo Fuster (incluyendo su faceta artística con seudónimo) están presentes en El pintor de canciones. Nos saludamos desde la distancia. Y me comentaron que la mayoría de quienes aparecen, o son mencionados, han visitado las salas de la exposición. Los vivos, claro está.

El impacto emocional que me supuso la exposición es difícil de expresar. Al acabar estuve comiendo con Javier Panera e Ignacio Marín, director del Fernán Gómez y viejo conocido. Javier me comentó lo emocionado que se sintió Gonzalo García-Pelayo, uno de los protagonistas culturales de la España de los 70. Me solidaricé con lo que comentó Gonzalo (siendo un servidor tan solo un segunda fila). Mi sobrecogimiento se debió a dos factores muy sencillos. Primero por revivir mi infancia, adolescencia y mis inicios profesionales, recorriendo los distintos apartados de las salas dedicadas al El pintor de canciones, mientras reconocía a amigos, conocidos y colaboradores. Y el segundo motivo fue por ver reflejado, o reivindicado, mi trabajo de “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll“. El paralelismo entre el libro y la exposición es evidente. Hay diferencias, lógicamente, pero son de enfoques puntuales en algunos aspectos, pero que son complementarios. En este aspecto de contar la historia de España, desde 1948 (ellos) o 1950 (yo), desde el punto de vista de la cultura popular ya no me siento tan solo. Es más, siento que he sido pionero al respecto (aspecto que señalaron varios críticos en su momento, pero que hoy he podido contrastar, palpar in situ).

Y aparte de refrescar cosas también aprendí: la primera visita a España de John Cage fue financiada por Joan Miró. Miró se enteró que la compañía de danza del bailarín Merce Cunningham estaba de gira por Europa. Intentó convencer al Hot Club de Barcelona para que le trajesen. Los problemas económicos frenaron la contratación. Miró no se amilanó y corrió con los gastos, además de realizar el cartel del evento. Club 49 (burocráticamente una sección del Hot Club) organizó la velada. Cunningham vino acompañado de su entonces pareja, John Cage (una de las piezas era música suya).

Cage Miró

La mala noticia es que El pintor de canciones se clausura el 11 de noviembre.

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Eduardo Arroyo (Madrid 1937-2018)

cartel arroyoDe la amplia obra artística de Eduardo Arroyo (artista polifacético donde los haya: pintor, ilustrador, escultor, escritor, escenógrafo) he escogido el cartel que hizo el año pasado para el festival La Mar de Músicas (en un triste giro del destino este año, hace dos meses, también fallecía Paco Martín, el director y promotor de este importante festival musical).

Tuve la fortuna de conocer a Arroyo en una exposición de su cuñada, amiga nuestra, y pasamos una tarde inolvidable. Gran conversador, lucido y brillante en sus apreciaciones (coincidimos ambos en la fortuna que tuvimos de perdernos La Movida y discrepamos sobre Walter Benjamin). Tan solo eché en falta más tiempo para cotillear sobre sus reuniones veraniegas en Robles de Laciana (León), el pueblo que se convirtió en la capital de su “paraíso de las moscas”, tras la rehabilitación de la casona de su bisabuela. Durante 17 años organizó en julio un festival de música en la localidad leonesa (servía de encuentro para amigos, artistas e intelectuales). También gestionó cursos de verano en la comarca con la Universidad Carlos III (y muchos otros proyectos se quedaron aplazados sine die). Mañana será enterrado en Laciana.

En “Bikinis, Fútbol y Rock & Roll” no podía faltar una mención a Eduardo Arroyo, como uno de los máximos exponentes del arte pop español.

Arroyo Bikinis

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