Cuando escuchábamos “Idea”, “To Love Somebody” o “Spicks And Specks”, en los años 60, sólo sabíamos que esos tres chicos -en teoría australianos- tejían magia con sus voces.
Poco sabíamos del genio musical de Robin, el feo, el narizotas. Ignorábamos que era un maestro de la composición, del canto, de la guitarra, de los teclados… Los escuchábamos embelesados viendo llover desde nuestros dormitorios, en un pick-up, soñando con ser adultos un día.
Crecimos y ensanchamos el bajo de nuestros pantalones de pana y nos echamos a la pista, ya post- adolescentes. “Tragedy”, “Saturday Night Fever” o “Jive Talkin’” nos hicieron dar mil vueltas sobre nosotros mismos, en esas noches locas e idealizadas de los 20 años. Reyes del party, reyes del sábado noche. ¿Horteras? Tal vez… ¿Le importaba eso a alguien con esas voces?
…y pensábamos que el motor era Barry, porque daba la cara…
…pero era Robin, con su registro multifacético, y con ayuda de sus dos hermanos, quien nos ponía los pelos como escarpias.
Robin Hugh Gibb -nacido, junto a su hermano Maurice, el 22 de diciembre en la Isla de Mann, hijo de ingleses y criado en Manchester-, emigrante con su familia a Australia a los nueve años, integrante de un trío con su hermano gemelo y con Barry, el mayor. Cantaban canciones de Bob Dylan, Beatles y propias.
Responsables del mejor Pop en los 60 y del Disco Sound en los 70, escribieron las canciones más hermosas y las cantaron deliciosamente. En 1974 se vuelven bailones y nosotros con ellos. Dominan donde pisan. Fuertes en el escenario y mágicos en el estudio, siguieron juntos y por separado.
Robin Gibb fue prolífico en su carrera en solitario, con hits como “Juliet” y canciones hermosas y perfectamente estructuradas. Su carrera en solitario incluye seis LPs y una veintena de singles, amén de actuaciones en vivo y colaboraciones varias. Sus incursiones en el escenario fueron la guinda del pastel: mejoraba, si es posible, las versiones originales. Su prodigioso alcance vocal, su voz nasal esculpiendo armoniosos sonidos, enlazando notas y emociones, eran su sello de marca. Era el edulcorante de oídos y el arquitecto de esa maravilla…
Armonizaron como nadie: Barry era el rey del falsetto, Maurice era más standard. Pero Robin vibraba por encima de sus dos hermanos: su voz podía ser cavernosa o llegar a las cumbres más altas. De hecho, fue Robin el lead-singer original, destacando en “I Can’t See Nobody”, “New York Mining Distater Of 1941”, “Odessa”, “Lamplight” o “I’ve Gotta Get A Message To You”, entre otras. Siempre arropado por las volutas y las armonías de sus hermanos.
Fue un hombre feliz, casado dos veces, padre de cinco hijos, interesado por los Druidas, el budismo, vegano y con una visión de la vida muy serena. Músico polifacético y virtuoso.
Un cáncer acabó con su aflautada vida en mayo de 2012..
Este tango de 1928 de Enrique Santos Discepolo cantado por Carlos Gardel viene muy a cuento de los tiempos que corren. Descubierto gracias a Elena Gabriel.
Yo no la conocía hasta que vi a The Lords of The New Church en vivo, en “La Edad de Oro”, una noche de Reyes de 1984. La tocaron y quedé fulminada… qué buena música se hacía en los años 80.
Mira por donde, la canción era un cover. Excelente, por cierto… Y tal vez hasta un plagio.
Todo empezó en Italia…
En 1964, un grupo inglés decidió probar suerte en Italia. The Rokes (antes The Cabin Boys) llegaron a Roma contratados por The Piper, un club de moda. No tardaron mucho en firmar un contrato con la RCA. Se dedicaron a hacer versiones en italiano de éxitos británicos y americanos, pero en 1966, su fundador, David Shapiro, decidió que ya era hora de escribir sus propias canciones. Con la ayuda de Ivan Mogull (más conocido por su seudónimo de Mogol) escribió lo que sería su primer hit en Italia: “Piangi Con Me“.
Visto el éxito, la canción se traduce al inglés como “Passing Thru Grey“… pero el editor, Dick James, no está contento con la letra y encarga a Michael Julian, un miembro de su equipo, que la re-escriba. En 1967 la canción se llama “Let’s Live For Today” y The Living Daylightsla graban antes de que los Rokes entraran en estudio.
También la graban The Rokes. Pero la canción no llegaría a ser un hit en ninguna de las dos versiones.
Mientras tanto, en América…
P.F. Sloan y Steve Barri hubieran formado parte del Brill Building neoyorkino si no hubieran vivido en la Costa Oeste, donde Lou Adler los descubrió y les abrió las puertas. Jan & Dean, Terry Melcher, The Beach Boys, The Searchers, The Fifth Dimension son nombres que, de un modo u otro, se asocian al dúo de compositores. Incluso se llamaron The Fantastic Baggys y llegaron a grabar un LP en 1964 junto a Hal Blaine, Leon Russell y otros músicos de estudio.
Y, como bien sabemos, acuñaron muchas, muchas canciones famosas para grupos y cantantes en el candelero. Pero la historia de Sloan/Barri es otra historia.
El famoso dúo de songwriters empezó a ir por caminos distintos. P.F.Sloan se dedicó a escribir frenéticamente éxitos para varios artistas: Barry McGuire (es el autor de “Eve Of Destruction”), The Mamas & The Papas, The Turtles… cuando escucharon la versión inglesa de los Rokes. Trabajaban en exclusiva para Dunhill Records y los Grass Roots eran su grupo mimado. La canción era perfecta para sus chicos.
Los Grass Roots provenían de 13th Floor; eran Warren Enter, Rob Grill, Creed Bratton y Rick Coonce. Fueron la gran apuesta del tándem. Ya habían grabado su primer LP en 1966, con temas propios y, cómo no, de Sloan/Barri. Tuvieron un hit: “Where Were You When I Needed You” pero aún no habían llegado alto.
Pero había una pega: la canción se parecía peligrosamente a un hit de los Drifters de 1961: “I Count The Tears”
A pesar de ello siguieron adelante y la canción se grabó en mayo de 1967. El 13 del mismo mes salía a la venta como single, con “Depressed Feeling” en la cara B y también se incluyó en el segundo LP del grupo – “Let’s Live For Today”- aprovechando el tirón del hit. El LP salió a la venta en julio de 1967.
Por supuesto, Sloan/Barri eran los productores.
¿Un plagio?
Curiosamente, algo les había llamado la atención en este tema: el coro es prácticamente el mismo que el que escuchamos en “I Count The Tears”, por los Drifters, grabado en 1961, escrito por otro memorable tándem: Doc Pomus y Mort Shuman.
No cabe duda de que el gancho de la canción es una copia de “I Cry The Tears”. Sloan & Barri lo aprovecharon sin reparos. El hecho de que los Grass Roots fueran un grupo un poco “preconcebido” tampoco importó: la canción era excelente y la tenían que grabar ellos.
A Doc Pomus no le gustó la cuestión y su primera idea fue la de demandar a los autores. Pero no lo hizo. Por un lado, no era su estilo: no le gustaban los abogados ni los pleitos. Vivía bien con sus derechos de autor y no quiso complicarse la vida. Por otro lado, Hill & Range eran los editores de “I Count The Tears”; Doc Pomus no podría haber llevado a juicio a los autores de “Let’s Live For Today”, eso tendría que haberlo hecho la editorial.
Y lo dejaron pasar.
Entraron en el estudio con músicos de sesión. El propio P.F. Sloan tocaba la guitarra. Rob Grill era el cantante a la vez que el bajo. El guitarra Warren Enter cantó el intro del estribillo: “one, two, three, four…”
En Junio de ese año, la canción ya había llegado al #8 de las listas de éxitos.
Sha la la la la ¡Vivamos para hoy!
Hay que tener en cuenta que estamos en 1967. En plena guerra de Vietnam, la protesta contra la segregación racial y el verano del amor. Una declaración de principios basada en aprovechar el presente y en quererse no podía sino triunfar en esos días.
La sociedad americana se desmorona ente lo que está pasando, los cambios han llegado. Los Grass Roots tienen una amplia audiencia que se rinde ante la potencia de sus voces, su entusiasmo, sus guitarreos sesenteros, sus pintas de buenos chicos. En medio de una guerra, la canción tocó la fibra de obreros, estudiantes, clases bajas, rebeldes. Los críticos siempre hicieron hincapié en el hecho de que muchos veteranos de Vietnam se identificaran con esta canción.
Porque además de ser una canción de amor es una canción emotiva y poderosa, una incitación al anti-establishement. Un pre-punk en la medida en que el “No Future” de los 70 se parece mucho al “Vivamos para Hoy” de los 60.
Todo cambia, nada es seguro, la velocidad que toman los acontecimientos saca a la gente de sus casas, universidades, trabajos. Una voz para la rebelión externa, pero también interna.
Nada importa salvo HOY. Vivamos el presente.
Era un mensaje sencillo, evidente… y cuajó.
Los catalanes Xocs grabaron su versión como “Plora Per Ellis”. Los peruanos Silvertones y los chilenos Beat4 la grabaron en español como “Llora Conmigo”. Fue “Be Mine Again” por los holandeses The Skope. Los Tempters, de Japón, grabaron su versión nipona mientras que en Brasil, los Tempters lo hacían en inglés, al igual que Dreamhouse o Slickee Boys.
Y llegaron los ochenta…
En 1982 se forman The Lords of the New Church en Londres. Stiv Bators (Dead Boys), Dave Tregunna (Sham 69), Nicky Turner (Barracudas) y Brian James (Damned) se juntan para sacudir un poco la escena post-punk. Con poderosas guitarras y sintetizadores, la banda mezclaba glam con punk y gótico con rock and roll.
Energía pura en escena.
En 1983 incluyen en su LP “Is Nothing Sacred” una versión acelerada y rabiosa de “Let’s Live For Today”. El single no llegaría muy alto pero la canción se convierte en el lema de la banda y para sus oyentes, es el mejor de sus temas. De hecho, Todd Rundgren toca los sintetizadores y produjo la canción, logrando una versión poderosa, oscura y mágica.
Muchos pensamos que la canción era de ellos pero pocos sabían que era un cover del cover de, a su vez, otro cover de una canción en italiano cantada por unos ingleses en 1966. Diecisiete años antes.
Veintidós años antes si recordamos “I Count The Tears”…
Otra sencilla canción de amor con un mensaje fácil y machacón: nada importa, sólo hoy.
Un mantra poderoso para varias generaciones.
VIVAMOS EL PRESENTE (Grass Roots)
Cuando pienso en todas las preocupaciones que la gente se busca,
y en cómo se dan prisa para complicar sus mentes
persiguiendo dinero y sueños que no se harán realidad
me alegro de que seamos distintos, tenemos mejores cosas que hacer
Que los demás planifiquen el futuro, estoy ocupado amándote
dos, tres, cuatro
Sha la la la la vivamos el presente
Sha la la la la vivamos el presente
Y no te preocupes por el mañana, hey hey hey
sha la la la la la vive el presente, vive el presente Nunca quisimos preocuparnos como los demás
Y no necesito darme prisa mientras esté contigo
Lo tomaremos con calma y alegría y haremos mi plan sencillo
Seré tu hombre amante y tú mi amante mujer
Aprovecharemos al máximo la vida y disfrutaremos mientras podamos…
Sha la la la la vivamos el presente
Sha la la la la vivamos el presente
Y no te preocupes por el mañana, hey hey hey
sha la la la la la vive el presente, vive el presente Nena, necesito sentirte profundamente dentro de mi,
nena ven acércate a mí,
Necesito tenerte ahora, por favor, por favor,
dame cariño, dame cariño.
dame cariño, dame cariño
nena, dame cariño
dame cariño, necesito todo tu cariño.
dame cariño, necesito todo tu cariño Dame amor ahora
Necesito todo tu amor Sha la la la la la Sha-la-la-la-la-la, vive el presente Sha-la-la-la-la-la, vive el presente Y no te preocupes por mañana
hey hey hey
LET’S LIVE FOR TODAY (Grass Roots)
When I think of all the worries people seem to find
And how they’re in a hurry to complicate their mind
By chasing after money and dreams that can’t come true
I’m glad that we are different, we’ve better things to do
May others plan their future,
I’m busy lovin’ you (1-2-3-4) Sha-la-la-la-la-la, live for today
Sha-la-la-la-la-la, live for today
And don’t worry ’bout tomorrow, hey, hey, hey
Sha-la-la-la-la-la, live for today
Live for today
We were never meant to worry the way that people do
And I don’t need to hurry as long as I’m with you We’ll take it nice and easy and use my simple plan
You’ll be my lovin’ woman,
I’ll be your lovin’ man
We’ll take the most from living, have pleasure while we can
(2-3-4) Sha-la-la-la-la-la, live for today
Sha-la-la-la-la-la, live for today
And don’t worry ’bout tomorrow, hey, hey, hey
Sha-la-la-la-la-la, live for today
Live for today Baby,
I need to feel you inside of me I got to feel you deep inside of me
Baby please come close to me I got to have you now, please, please, please
Gimme some-a lovin’, gimme some-a lovin’
Gimme some-a lovin’, gimme some-a lovin’
Baby gimme some-a lovin’
Gimme some-a lovin, I need all your lovin’
Gimme some-a lovin, I need all your lovin’
Give me some love, now I need all your lovin’
Sha la la la la la Sha-la-la-la-la-la, live for today
El verano del amor: 1967. Seguimos en la Costa Oeste. La bahía de San Francisco bulle de creatividad. Y suena una canción que define esos tiempos de descubrimiento y revolución: “Somebody To Love” se convertiría en uno de los himnos de los sesenta.
Cuando Darby Slick montó un grupo de rock en la primavera de los 60, pocos podían imaginar que se estaba gestando la marca de unos tiempos. Junto a su hermano Jerry a la batería, su cuñada Grace -esposa de Jerry- y Jean Pierson compartiendo la voz principal, David Miner a la guitarra y Bard Dupont al bajo, montó The Great Society y debutaron un 15 de Octubre de 1965.
Como tantos otros, muy influenciados por los Beatles. Nadie se estaba quieto en esos días.
Darby Slick, guitarra y compositor, también escribió varios temas; entre ellos, los dos únicos que llegaron a grabar: “Somebody To Love” y su cara B “Free Advice”, editados por Autumn Records.
El single salió en febrero de 1966. No tuvo ningún éxito fuera del estrecho circuito de la bahía de San Francisco.
Grace Slick recuerda a Sylvester Stewart (Sly Stone) produciendo el single. “Era increíble. Tocaba todos los instrumentos, iba de uno a otro, cantaba y producía. Pero dejó la producción cuando se hartó de grabar “Free Advice”: hicieron falta hasta 50 tomas. Luego montó su grupo Sly & the Family Stone”.
The Great Society tocaron durante año y medio junto con otros grupos como Jefferson Airplane (a quienes taloneaban), Big Brother and the Holding Company o Charletans.
Sí, la Costa Oeste era un hervidero…
Jefferson Airplane despega…
Eran el grupo más importante de la zona. Según recuerda Grace Slick, “Tenían fama de ser muy creídos. Los otros grupos de la costa, como Big Brother o Great Society ni siquiera tenían camerino propio. Pero cuando llegaban Jefferson Airplane, todo eran reverencias”. No obstante, siempre se declaró fan absoluta de la banda.
Jefferson Airplane ya habían sacado un LP. Pero lo mejor faltaba por llegar…
En 1966, Signe Anderson, cantante de Jefferson Airplane, deja el grupo. “Dijeron que Signe había dejado el grupo porque se quedó embarazada y tenía que cuidar de su bebé. En realidad hubo otras presiones”, recuerda Grace Slick. Coincidió con el divorcio de Grace y Jerry. Y con la gran oferta: que Grace fuera la cantante de Jefferson Airplane.
“Yo también era modelo en esos tiempos. Fui modelo dos o tres años. Pero no me gustaba. Me agobiaba posar”.
No se lo pensó dos veces: se incorporó a lo que iba a ser una banda de culto junto a Paul Kantner, Marty Balin, Jorma Kaukoneen, Jack Casady y Spencer Dryden.
Se llevó dos canciones: una, escrita por ella, “White Rabbit”. La otra, “Somebody To Love”.
La canción que había pasado inadvertida un par de años antes iba a convertirse en el símbolo de la contracultura de Haight-Ashbury, en uno de los pilares del pop de los 60… En un hito de la psicodelia rockera.
Mientras tanto, Darby Slick seguía metido en sus sonidos hindúes y escribiendo música. The Great Society se disolvió y Slick se fue a la India. Regresó para tocar con la banda Hair, escribió su autobiografía (“Don’t You Want Somebody To Love”) en 1991 y pasó a la historia como el autor de una gran canción. Años más tarde su discográfica editó un par de LPs con actuaciones en vivo de The Great Society.
Cuando la verdad resulta ser mentira…
El 31 de octubre, JA entraron en el estudio de RCA en Hollywood. Salieron el 22 de noviembre con un flamante segundo LP, “Surrealistic Pillow”. Dos de los temas serían los grandes éxitos del grupo: “Somebody To Love” y “White Rabbit”.
“Somebody To Love” se grabó el 3 de noviembre y la lanzaron el 1 de abril de 1967. “She Has Funny Cars” era su cara B. Llegó al número 5 de las listas en mayo de 1967 y se convirtió en figura de proa del grupo. La revista Rolling Stone la clasificó en el número 274 de las grandes canciones de la historia del Rock.
Era una versión diferente de la original. Menos pausada, menos rítmica, gana fuerza con la entonación de Grace Slick. Esto ya era rock&roll furioso. Una sorpresa en medio del estilo básicamente psicodélico de la banda. La potente voz de la nueva cantante y su seguridad en sí misma confieren un sello único.
Grace Slick afirma: “yo he dicho siempre que en realidad no cantaba sino que hablaba… pero no es tanto el estilo sino la forma de mi nariz, así sale mi voz… de hecho, yo no canto. Grito”
La canción se abre a capela: “Cuando la verdad resulta ser mentira…” Sube el tono y modula los versos; golpea con la voz, afirma, habla y grita el estribillo.
La letra: sencilla y sin complicaciones. Una canción de amor.
Suena desesperante, es un chillido de angustia a la vez que una auto-afirmación. “¿No quieres a alguien a quien amar? ¿No necesitas a alguien a quien amar? Más vale que encuentres a alguien a quien amar…”
Puro sonido Frisco; guitarras sesenteras, ritmo volátil y más afirmaciones: “Cuando las flores del jardín están muertas y tu mente está llena de marihuana…”
Siempre un guiño a la cultura de las drogas, un distintivo de la banda y de los tiempos.
Paul Kantner dijo al respecto: “Queríamos elevar la consciencia de la gente. Hacer que se diviertan. Cuando empezamos no teníamos idea de lo que hacíamos. Pero el mensaje era pasarlo bien. Todos. Nosotros y el público.”
“…creedme, es un nuevo amanecer. Buenos días, gente!
Así saludaba Grace Slick a los asistentes al Festival de Woodstock, en 1969. Eran el primer grupo que tocaba nada más salir el sol. Ya estaban consolidados. Presentó a la banda como “los chicos de siempre” y llegado el momento, entonó una asombrosa versión de “Somebody To Love”. Junto con Marty Balin le daban un aire diferente, más “vivo”, más vocal y modificando la letra, alargando la canción. Haciendo hincapié en el texto.
Sí, era un nuevo amanecer.
Dos años antes, también en el Festival de Monterrey, hicieron una de las versiones más poderosas del tema.
Hubo muchas versiones de “Somebody To Love”. Tal vez la más destacable sea la de los Ramones, que consiguieron una calidad y un sonido muy particulares, nada envidiable al original.
Somebody To Love
When the truth is found to be lies / and all the joy within you dies / don’t you want somebody to love / don’t you need somebody to love / wouldn’t you love somebody to love / you better find somebody to love / When the garden flowers baby are dead / yes and your mind [, your mind] is [so] full of RED / don’t you want somebody to love / don’t you need somebody to love / wouldn’t you love somebody to love / you better find somebody to love your eyes, / I say your eyes may look like his [yeah] / but in your head baby I’m afraid you don’t know where it is / don’t you want somebody to love / don’t you need somebody to love / wouldn’t you love somebody to love / you better find somebody to love / tears are running [ahhh, they're all] running down your breast / and your friends baby they treat you like a guest. / Don’t you want somebody to love / don’t you need somebody to love / wouldn’t you love somebody to love /you better find somebody to love
Tenía ganas de hablar de mi canción favorita. Una melodía que cuenta una triste historia de amor. Un reflejo que lo que fueron los primeros años 70. O los últimos 60. Bueno, vaya… en realidad, una canción desgarradoramente hermosa sobre los estragos del amor, de la droga, de la vida…
Que maravilla de canción, “Wild Horses”…
Algunos la reconocimos, de refilón, en el documental de los hermanos Maysles, “Gimme Shelter” (el desastroso concierto de Altamont en 1969): en una secuencia, el grupo sale en un descanso en el estudio Muscle Shoals, en Alabama; de fondo suena “Wild Horses”, una versión no pulida. La están escuchando. La acababan de grabar. Estamos a finales de 1969.
En mi caso, vi la película en 1972. Ya conocía el tema, ya había salido “Sticky Fingers”.
Keith Richards, más nonchalant que nunca está tumbado, al lado de Jim Dickinson, en un sofá… canturreando… breve plano por su cuerpo para culminar en… ¡¡¡sus botas!!! ¡¡¡¡¡ESAS BOTAS!!!! Unas auténticas botas de piel de serpiente de desierto americano!!! Acabadas en auténtica cabeza de ofidio, con sus colmillos arizónicos y todo…
Wow, las botas de Keith… y de fondo, sonando “Wild Horses”… “I have my freedom but don’t have much time”, canturrea Richards sólo con los labios… afirma con la cabeza… “tears must be cried… “ no se sabe aún muy bien la letra pero la escena queda marcada a fuego.
LA escena por excelencia.
Mick Jagger, Charlie Watts y Mick Taylor, escuchan, contemplan…
Los tiempos ya han cambiado…
Keith, ya lo hemos dicho… tumbado, canturreando, lip-syncing “Wild Horses”…
Muchos la descubrimos con ese primer LP del logo de la lengua y la portada con el vaquero Warholiano… Cuando salió “Sticky Fingers” no sabías con cual canción quedarte. A cual más seductora, enigmática… Todas, casi sin excepción, hacían mención a la droga. En 1971 era lo más trendy.
Tenías que empaparte de “Sticky Fingers” si querías estar IN.
También la grabaron acústica, en 1995: salió en “Stripped”, su album unplugged. Una versión bonita y diferente, no podía ser de otro modo: esa canción es un monstruo de belleza.
Pero la original… es muy salvajemente única.
Mick Taylor y su guitarra “envoûtante”
Si bien “Sticky Fingers” fue la presentación oficial del sello de los Stones, también fue en cierto modo la presentación oficial de Mick Taylor en estudio. Ya se había dado a conocer en el concierto de Hyde Park, homenajeando a Brian Jones días después de su muerte.
Si bien había participado ya en sesiones para “Let It Bleed”, esta vez era EL guitarra de los Rolling Stones. Su juego era distinto al de Brian Jones. Hacía volutas, viajes, se adentraba en laberintos sonoros y hacía llorar a las cuerdas en el mejor estilo Mayall, su maestro.
Mick Taylor dio una cuarta dimensión a la música de los Rolling Stones.
Podías bucear en los temas; podías viajar y subir y girar. Con la ayuda de Jimmy Miller, un gran productor para ese sonido mágico. La guitarra de Mick Taylor abrió las puertas de un mundo onírico que Brian Jones, con toda su genialidad, no tuvo tiempo de explorar. Al menos en su aspecto bluesy.
En “Wild Horses”, el angelical Mick Taylor -que acabaría dejando al grupo por las presiones y su adicción a la heroína- usa una guitarra afinada al estilo Nashville: una guitarra acústica normal, pero con las cuatro últimas cuerdas afinadas un octava más alta.
Richards toca la guitarra eléctrica y una acústica de 12 cuerdas. El solo es de Keith.
Como siempre, Bill Wyman al bajo y Charlie Watts a la batería. Ahí no hay sorpresas.
Aunque según Taylor, “Wild Horses” es “puro estilo Jagger”.
Keith Richards y su estilo único…
Estamos a finales de los 60, Keith Richards se ha emparejado con Anita Pallemberg, ex de Brian Jones, quien muere en el verano del 69.
Al poco tiempo nace Marlon, primer hijo de Keith y Anita.
Keith dice que escribió la canción en un momento en que su hijo acababa de nacer y los Stones se iban de gira: Anita y el bebé se quedaban en casa. Su estado de ánimo era bajo; por lo tanto, la melodía es suave y triste.
Según Keith, “Wild Horses es un ejemplo típico de cómo trabajamos Mick y yo. Yo me ocupo del riff y los coros, Mick lleva la letra. Es la típica canción que habla de volver a casa… Yo no quería irme de gira, mi hijo acababa de nacer y mi mujer se quedaba sola.“
“En realidad fue un poco como “Satisfaction”, la canción que se escribe sola: estaba jugando con una guitarra de doce cuerdas y en el baño de los estudios Muscle Shoals, y de ahí saqué la melodía. Era como magia: la había soñado y de repente… estaba ahí”
“No podía poner otra cosa que no fuera “los caballos salvajes no podrán arrastrarme”. Encajaba perfectamente con todo: la melodía, el tiempo, la situación…”
“Pero sí, debo decir que Marlon fue la inspiración fundamental. Sabía que tenía que irme de gira y el niño solo tenía 2 meses… estaba tan feliz en casa con Anita y Marlon…“
En un guiño irónico, también dice “En realidad solamente puse el título y el estribillo. Y la melodía. Pero se la di a Mick y a Marianne y mira lo que hicieron. Era sólo una canción de amor.”
…caballos salvajes
La heroína era un factor decisivo en esos tiempos. Estaba de moda, así de sencillo. Aún no se era del todo consciente de lo que conllevaba… o tal vez todos eran más jóvenes y veían en ella algo que podrían controlar y disfrutar.
Una canción tan tremenda, agridulce, oscura, romántica, enigmática. Sexual, viciosa y desesperada.
Hay tantas versiones respecto a su creación: el amor, la muerte, la vida hasta el extremo…
Mick Jagger dice: “La leyenda afirma que escribí la letra pensando en mi reciente ruptura con Marianne Faithfull. Tal vez lo hice, a un nivel inconsciente. De todos modos, yo escribí la letra. La música es de Keith. Y puede que un poco de Gram Parsons.”
Marianne Faithfull dice que fue ella quien dijo a Mick “Los caballos salvajes no podrán llevarme” cuando salió del coma de su intento de suicidio.
Versiones para todos…
La canción se grabó entre el 2 y el 4 de diciembre de 1969 en los estudios Muscle Shoals, Alabama. En esos días también grabaron “Brown Sugar” y “You Gotta Move”. Una semana más tarde, los Rolling Stones daban el famoso concierto de Altamont.
Jim Dickinson toca el piano.
Keith Richards recuerda que “estábamos grabando, pero Ian Stewart decidió que los acordes eran demasiado bajos para él y no quiso tocar el piano. En ese momento apareció Jim Dickinson en el estudio, como por arte de magia. Empezó a dar toques en el teclado. Arreglamos el piano para que sonara a piano de cabaret. Jim hizo un papel perfecto.”
La canción no pudo editarse inmediatamente. Los Rolling Stones habían acabado su contrato con Decca pero Allen Klein, su manager, los tenía atados también. Hubo que esperar a que pudieran crear su propio sello discográfico.
“Sticky Fingers” no salió hasta abril de 1971, el estreno de Rolling Stones Records; el single de “Wild Horses”, con “Sway” en la cara B salió el 12 de junio del mismo año. Llegó tan sólo al número 28 de las listas de éxitos.
Mientras tanto, la canción estaba ahí… los Stones, muy amable, la cedieron a Gram Parsons para que la grabara y la lanzara.
Gram Parsons
A finales de los 60, Gram Parsons (Flying Burrito Brothers) y Keith Richards eran íntimos amigos. Gram Parsons influyó en Keith al insuflarle parte de su estilo country; su amistad duró años, incluso Parsons pasó con los Stones la temporada en Nellcote, en el sur de Francia, mientras grabababan “Exile On Main Street”.
Al estar inmersos en un “no-man’s-land” discográfico, Mick y Keith no tuvieron reparo en ofrecerle la canción a Parsons.
De hecho, la grabó con su grupo, Flying Burrito Brothers: “Burrito DeLuxe”, segundo LP de la banda, salió en abril de 1970 con la primera versión oficial de “Wild Horses”. Los Stones no sacaron la suya hasta un año más tarde.
Es interesante ver cómo Parsons hace una versión más intimista aún, muy en su propio estilo.
Una canción muy adecuada para tiempos de vida rápida y sexo y droga….
Parsons moría de una sobredosis en 1973.
“Vivir como un niño es fácil…”
Una de las canciones más apasionadas y apasionantes del grupo. Intrigante, melancólica y con una letra que se presta a confusión: ¿estamos hablando de amor o de heroína?
Todos saben lo que significa “caballo”. En el contexto de “Sticky Fingers”, con letras que hablan de opiáceos (“Brown Sugar”, “Bitch”, “Sister Morphine”, “Dead Flowers”), cocaína y anfetaminas (“Can’t You Hear Me Knocking”)… en un momento en el que tanto Keith como Mick Taylor, Marianne Faithfull o Gram Parsons eran heroinómanos… en un tiempo en el que la droga era la fuente de inspiración, de dolor y de euforia… omnipresente, sobre todo en el mundo del rock…
…pues cabe suponer que la heroína fuera fuente directa de inspiración del tema. Paralelismos hay muchos; ellos lo han negado.
Yo nunca me lo he créido.
¿Una canción de amor? Sí, había desgarradoras rupturas, como siempre. Pero una lectura de la letra puede dejar claro que la canción es, por lo menos, ambivalente.
Un rock and roll suave, sensual… un toque country y triste… muerde, atrapa y envuelve. Como la droga, como el amor. Habla de la vida y de la muerte, hubo mucha muerte en esos tiempos… “No puedo permitir que te escurras entre mis dedos… vivamos un poco después de morir”
Jagger la canta en un grito de auxilio… “vivir como un niño es fácil… todo lo que querías te lo dí…”
Algo así como “¿Qué mas quieres?” ¿Canta a una mujer, a la vida, a la heroína? Por una vez Jagger entona a la perfección, sin recurrir al encanto de su estilo “roto”. Esta balada lo merecía.
WILD HORSES
Childhood living is easy to do
The things you wanted I bought them for you
Graceless lady you know who I am
You know I can’t let you slide thru my hands Wild horses couldn’t drag me away
Wild wild horses couldn’t drag me away I watched you suffer a dull aching pain
Now you’ve decided to show me the same
No sweeping exits or off stage lights
Could make me feel bitter or treat you unkind
Wild horses couldn’t drag me away
Wild wild horses couldn’t drag me away
I know I’ve dreamed you a sin and a lie
I had my freedom but I don’t have much time
Faith has been broken tears must be cried
Let’s do some living after we die
Wild horses couldn’t drag me away
Wild wild horses we’ll ride them some day
Wild horses couldn’t drag me away
Wild wild horses we’ll ride them some day
CABALLOS SALVAJES
Vivir como un niño es fácil,
te compré todo lo que querías
Mujer sin piedad, sabes quien soy,
sabes que no dejaré que te escurras entre mis manos
Caballos salvajes, no pudieron arrastrame
Caballos salvajes, no pudieron arrastrame Ví como sufrías un dolor lacerante y gris
Ahora has decidido enseñarme lo mismo
No hay salidas de escena radicales ni frases entre bastidores
que puedan amargarme aún más
o hacer que te trate mal.
Caballos salvajes, no pudieron arrastrame
Caballos salvajes, no pudieron arrastrame Sé que te soñé como un pecado y una mentira
tengo mi libertad pero no tengo mucho tiempo
La fe se ha roto, habrá que llorar lágrimas
vivamos un poco antes de morir
Caballos salvajes, no pudieron arrastrarme Caballos salvajes, salvajes… algún día los cabalgaremos.
En 1970 “Wild World”, interpretado por Cat Stevens, empezó a sonar por la radio y se hizo famosa. No era un Objetivo Principal de la Compañía; ni siquiera era una novedad: Jimmy Cliff había sacado su versión tres meses antes. Era simplemente una canción encantadora.
Otro adolescente británico…
Cat Stevens, nacido en Londres en julio de 1948, hijo de sueca y griego y llamado originalmente Steven Demetre Georgiou, ya era conocido por su primer LP y el single “Matthew And Son”. El disco incluía la versión original de “Here Comes My Baby”, popularizada por los Tremeloes. Ya era conocido cuando sacó otro hit, “First Cut Is The Deepest” y lo vendió por 30 Libras a P.P. Arnold.
Hacía giras, era popular, teloneaba a Engelbert Humperdinck o a Jimi Hendrix, entre otros…
…pero una tuberculosis cambio su vida en 1969. Estuvo a punto de morir. Inmovilizado en una cama de hospital, tuvo tiempo para pensar y se volvió más espiritual, su conciencia se expandió y su música acusó el cambio. Tuvo tiempo de escribir muchas canciones. Su tercer LP, “Mona Bone Jakon”, ya editado por Island Records con la idea de dar el salto a América, distribuido en el Nuevo Continente por A&M, llevaba una misteriosa canción: “Lady D’Arbanville”.
Empezaba una etapa más pausada e introspectiva.
Otro cambio importante para su sonido: su nuevo productor era Paul Samwell-Smith, antiguo bajista de los Yardbirds. Su sonido ya no era tan “pop”: ahora se plegaba al folk. Alun Davies tocaba la guitarra junto a él y le daba un toque diferente. Su imagen, sus ojos de gato y su barba, su voz nasal y su sencillez ayudaban a su creciente popularidad.
En julio de 1970 se empezó a grabar “Tea For The Tillerman”. En noviembre salía a la venta. En seis meses vendió medio millón de copias. Un compendio de canciones a cual más bonita. Un remanso de paz. Una de ellas era “Wild World”, canción que tres meses antes había sido un éxito para Jimmy Cliff, colocándose en el número 8 de las listas británicas.
El amigo protector
Fue un pistoletazo de salida a la fama. La canción se lanzó como single con “Miles From Nowhere” en USA. Fue el primer gran éxito de Stevens en América, llegando al nº11 las listas de Billboard.
El LP, a fecha de hoy, es Triple Platino.
En el Reino Unido no fue editado como single, mientras que en otros países sí que se editó con “Sad Lisa” en la cara B.
“Wild World” fue escrita tras la ruptura de Stevens con Patti D’Arbanville y siempre se dijo que la canción estaba dedicada a ella. Según él, “todo lo que uno escribe en un período de transición refleja lo que ha pasado. Escribo sobre mi vida, sobre Patti, sobre mi familia y mi entorno y descubro el significado más tarde”
En realidad y visto desde una óptica posterior, Stevens escribió su canción buscando un poco de paz dentro de un mundo salvaje: “Mi vida había dado un giro de 180º. Ya había sido famoso pero caí enfermo. Todo era tan frágil. Tenía que tener cuidado, la vida no avisa. Mi canción habla más de mí mismo y de mi hogar. Un intento de no perder mis referencias”.
La canción es, básicamente, sencilla. Stevens dice que “está inspirada en los acordes de la música española; y la letra, algo recurrente en mi música: la ruptura, la partida… la pena. Es como la vida vista por un niño. Sí, es naïf. Como mi pintura”.
Y es que Stevens también es un pintor e ilustrador que se encargó de varias portadas para sus discos, como “Mona Bone Jakon”, “Tea For The Tillerman” o “Teaser And The Firecat”.
Mujeres aparentemente indefensas que parten, que dejan un amor, un hogar… una ruptura y una serie de consejos: ten cuidado, este mundo es salvaje, ojalá tengas suerte. Cuídate mucho…
Patti D’Arbanville, Melanie Griffith…
Hay mujeres famosas en el pasado de Cat Stevens. Una de ellas es Carly Simon (corrió el rumor de que “You’re So Vain” estaba dedicada a él).
También estuvo la inspiradora directa de “Lady D’Arbanville”: fue musa de los 60 y 70. Neoyorquina nacida en 1951, actriz precoz con 8 años y descubierta por Andy Warhol con 13 años, Patti D’Arbanville mantuvo un romance de dos años con Stevens. Tras la ruptura, prosiguió con su carrera como modelo y actriz. Estuvo casada con Don Johnson en los años 80, con el cual tuvo un hijo.
Por otro lado, la actriz Melanie Griffith, que tuvo un romance breve con Stevens, ha comentado que la canción fue escrita pensando también en ella. Stevens siempre ha sido muy protector con sus chicas. Curiosamente, Melanie Griffith también estuvo casada con Don Johnson y también tuvo una hija con él.
“Ahora que lo he perdido todo por ti…”
Ahora que lo he perdido todo por ti
Dices que quieres empezar algo nuevo
Y me parte el corazón, te marchas,
Nena, estoy desolado
Pero si quieres irte ten mucho cuidado
Espero que tengas bonitas ropas que ponerte
Pero las cosas pueden ponerse feas ahí afuera.
Nena, nena, es un mundo salvaje
Es duro salir adelante sólo con una sonrisa
Oh nena, nena, es un mundo salvaje
Siempre te recordaré como a una niña, nena
Sabes que he visto mucho de lo que el mundo puede hacer
Y me parte el corazón
Porque nunca quiero verte triste
No seas una chica mala
Pero si te quieres ir, ten cuidado,
Espero que hagas muchos buenos amigos
Pero sólo recuerda que hay mucha maldad y ten cuidado.
Nena, te quiero
Pero si te quieres ir, ten cuidado,
Espero que hagas muchos buenos amigos
Pero sólo recuerda que hay mucha maldad y ten cuidado
Wild World
Now that I’ve lost everything to you
You say you wanna start something new
And it’s breakin’ my heart you’re leavin’
Baby, I’m grievin’
But if you wanna leave, take good care
I hope you have a lot of nice things to wear
But then a lot of nice things turn bad out there
Oh, baby, baby, it’s a wild world
It’s hard to get by just upon a smile
Oh, baby, baby, it’s a wild world
I’ll always remember you like a child, girl
You know I’ve seen a lot of what the world can do
And it’s breakin’ my heart in two
Because I never wanna see you a sad girl
Don’t be a bad girl But if you wanna leave, take good care
I hope you make a lot of nice friends out there
But just remember there’s a lot of bad and beware
Baby, I love you
But if you wanna leave, take good care
I hope you make a lot of nice friends out there
But just remember there’s a lot of bad and beware
…de Cat a Yussuf Islam.
De Cat Stevens sabemos que se convirtió al Islam en 1977, pasando a llamarse Yussuf Islam. Otra muestra de su inquietud espiritual que se acrecentó, según él, cuando estuvo a punto de morir ahogado en Malibú en 1976. Stevens pidió a Dios que si lo salvaba, trabajaría para él.
Tras ello estuvo estudiando varias religiones y entró en una etapa de misticismo que culminó al leer un Corán, regalado por su hermano.
Ha tenido problemas desde entonces, como la prohibición de pisar suelo USA tras apoyar la fatwa contra Salman Rushdie o la interdicción de tocar en suelo israelí, acusado de ayudar a Hamas. A pesar de ello cantó en Nueva York en el concierto por las víctimas del 11-S. Su fama declinó pero sigue activo en el panorama musical, especialmente en los últimos años.
Una canción eterna.
“Wild World” está considerada por medios y artistas (y su álbum “Tea For The Tillerman” también) como la obra cúspide de Cat Stevens. Ha sido versionada por muchísimos artistas: desde Cliff a Barry Ryan, Bette Middler, The Ventures o José Feliciano, o desde UB40 a Jonathan King, pasando por Mr. Big, Maxi Priestt, Frank Pourcel, Claude François… o el mismo Cat Stevens ya como Yussuf Islam, junto a Peter Gabriel (quien ya colaboró con Stevens en sus primeros tiempos tocando la flauta),
¿Para qué sirve el amor? Edith Piaf se había vuelto a enamorar en el ocaso de su vida. Una vez más. Su hombre era veinte años menor que ella y juntos cantaron el broche final de una leyenda.
La vida de Edith Piaf no tiene gran misterio: es un personaje público y los medios la han retratado y aireado hasta la saciedad. Su carrera es un canto al amor, a la vida y a la lucha. Nació con todas las de perder: según la leyenda, bajo una farola en el Boulevard de Belleville, un barrio bajo y popular de Paris, el 19 de diciembre de 1915. Aunque en realidad esto no sea del todo cierto, pero viene muy bien al personaje.
Edith Gassion, hija de un acróbata y de una cantante de origen argelino, criada por sus abuelas y recogida por su padre para recorrer Francia como artistas ambulantes, huyó de su casa con 15 años para dedicarse a cantar. Con 17 años ya era madre soltera de una niña que moriría poco después de meningitis. Siguió cantando, cantaba en las calles, en Pigalle, en Belleville, hasta que Louis Leplée -empresario de cabarets de los Campos Elíseos- la descubrió. La bautizó “la niña Piaf”, usando su apellido como símil de lo que era: una mujer pequeña, de menos de metro y medio, que canta como un “piaf” (un gorrión).
Frágil, enfermiza y apasionada, Piaf se lanzó a la vida cantando entre guerras, muertes, amores; triunfó en los escenarios y representó a Francia, a Paris. Se enamoró de un legionario, de un cantante, de un boxeador, de otro cantante, de un actor, de otro empresario, de un ciclista… et ainsi de suite.
New York, el triunfo… el amor
Exprimió el sufrimiento y la felicidad al máximo: necesitaba ese timbre de voz para cantar, desde su metro 47 de altura, su vida desgarrada. Todo giraba en torno al amor. También fue actriz, compositora de canciones, descubridora de talentos.
En 1947 su fama es internacional. Triunfa en Estados Unidos y ya es parte de la “gente guapa”. Entre sus amigos: Jean Cocteau, Marlene Dietrich, Yves Montand…
Y llega Marcel Cerdan, el boxeador de moda, entrando en su vida: son la pareja que arrasa, están de moda. Pero él muere dos años más tarde en un accidente de avión. Piaf vuelve a enfrentarse a la cara amarga del amor.
La morfina y el alcohol también aparecen en su vida: la primera, para paliar los dolores de un accidente de coche; a pesar de varias curas de desintoxicación, tampoco la abandonaría. Pero sigue siendo portada de todas las revistas, protagonista del estrellato absoluto. Y sigue enamorándose.
Su boda con el cantante Jacques Pills duraría muy poco. Luego vendría Georges Moustaki. Y la poliartritis, el agotamiento, los desvanecimientos en escena… no obstante, logra salvar el Olympia, que estaba a punto de cerrar. La leyenda resiste.
Théo Sarapo: más amor.
Cuando en 1961 le presentan a Théophanis Lamboukas, un cantante 20 años menor que ella, Edith Piaf ya está muy enferma y carcomida por su mala salud. Pero el amor no entiende de estas nimiedades: se casan un año más tarde.
Lamboukas, al principio contratado como secretario de Piaf, pasa a llamarse Teo Sarapo por su origen griego. “Sa ra po”, en griego, significa “Te quiero”. Cantaron juntos y juntos recogieron ovaciones. Su gran éxito, grabado en septiembre de 1962, es una canción escrita por Michel Emer (autor de grandes temas para Luis Mariano, Eartha Kitt o Ray Ventura, entre tantos otros): “A Quoi Ça Sert L’Amour?”.
Parece una broma… tanto desgaste, tanto dolor pero el amor sigue presente y, aunque todo lo justifica, ¿para qué sirve? ¿quién lo sabe?
Piaf y Sarapo lo expresaron como pocos: en el dúo Sarapo empieza la primera estrofa, Piaf responde, Sarapo sigue preguntando y la canción continúa entre ambos, como una lección de vida… entre maestra y alumno. Entre la artista y su marido, que para ella es “como un hijo que cuida a su vieja madre enferma”.
Pero fue un éxito absolutoque devolvió a la Piaf al candelero y que llenó, una vez más, las portadas de periódicos y revistas.
¿Para qué sirve el amor?
Sarapo:
¿Para qué sirve el amor? Siempre se cuentan
historias insensatas. ¿Para qué sirve amar?
Piaf:
¡El amor no se explica! ¡Es algo así! Viene vete a saber de dónde y te atrapa de golpe…
Sarapo:
Yo oí decir que el amor hace sufrir que el amor hace llorar ¿Para qué sirve amar?
Piaf:
El amor ¿para qué sirve? Para darnos alegría con lágrimas en los ojos ¡Es triste y maravilloso!
Sarapo:
Sin embargo se dice a menudo que el amor es decepcionante que haya uno de los dos que nunca es feliz…
Piaf:
Incluso cuando lo has perdido el amor que has conocido te deja un sabor a miel ¡el amor es eterno!
Sarapo:
Todo esto es muy bonito pero cuando todo se acabó no te queda nada más que una pena inmensa…
Piaf:
Todo lo que ahora te parece desgarrador mañana será para ti un recuerdo alegre
Sarapo:
Resumiendo, si entendí bien sin amor en la vida sin sus alegrías y sus penas ¿hemos vivido para nada?
Piaf:
¡Pero claro! ¡Mírame! ¡Siempre creo en él! Y siempre creeré… ¡Para eso sirve el amor! Pero tú eres el último Pero tú eres el primero Antes de ti no había nada contigo estoy bien es a ti a quien quería eras tú quien me hacía falta a ti a quien siempre querré… ¡Para eso sirve el amor!
Una lección un poco inocente tal vez… pero una declaración de principios sin dudas. Piaf y el amor, el amor y Piaf… fue lo que la mantuvo viva y el motor de su arte. Siempre creyó en el amor, aún cuando se estaba muriendo. Aunque su amante fuera veinte años más joven, aunque supiera que ya no le quedaba mucho tiempo. Pero una explicación verídica. El amor viene no se sabe de dónde, te atrapa y te envuelve… y hace girar el mundo. No en balde todo, o casi todo, se hace por amor; o, al menos, en música, en literatura, en poesía…
El 10 de octubre de 1963, Piaf muere de un aneurisma. (Curiosamente, Cocteau fallece un día después). Sarapo le sobrevivió diez años y se dedicó a poco. Tras una larga depresión reanudó su carrera y pagó las deudas de Edith.
Murió en 1970 en un accidente de coche. Ambos están enterrados en el cementerio parisino de Père-Lachaise.
À Quoi Ça Sert L’Amour?
À quoi ça sert l’amour? On raconte toujours Des histoires insensées À quoi ça sert d’aimer? L’amour ne s’explique pas! C’est une chose comme ça! Qui vient on ne sait d’où Et vous prend tout à coup. Moi, j’ai entendu dire Que l’amour fait souffrir, Que l’amour fait pleurer, À quoi ça sert d’aimer? L’amour ça sert à quoi? À nous donner de la joie Avec des larmes aux yeux… C’est triste et merveilleux! Pourtant on dit souvent Que l’amour est décevant Qu’il y en a un sur deux Qui n’est jamais heureux… Même quand on l’a perdu L’amour qu’on a connu Vous laisse un goût de miel L’amour c’est éternel! Tout ça c’est très joli, Mais quand tout est fini Il ne vous reste rien Qu’un immense chagrin… Tout ce qui maintenant Te semble déchirant Demain, sera pour toi Un souvenir de joie! En somme, si j’ai compris, Sans amour dans la vie, Sans ses joies, ses chagrins, On a vécu pour rien? Mais oui! Regarde-moi! À chaque fois j’y crois! Et j’y croirai toujours… Ça sert à ça, l’amour! Mais toi, t’es le dernier! Mais toi, t’es le premier! Avant toi, y avait rien Avec toi je suis bien! C’est toi que je voulais! C’est toi qu’il me fallait! Toi qui j’aimerai toujours… Ça sert à ça, l’amour!…
Una de las cosas que tienen en común Jimi Hendrix, Jimmy Page, Ron Wood, Mylène Farmer o Saint-Étienne es que todos versionaron “La Poupée Qui Fait Non”. Hit melódico y pegadizo de Michel Polnareff, uno de los grandes exponentes de la canción francesa de los años 60, que así empezaba su carrera en 1966.
Un artista misterioso y polémico
Michel Polnareff nace, el 3 de julio de 1944, en un ambiente artístico, hijo de una bailarina francesa y de un músico ruso-judío, Leo Poll (Leib Polnareff) que trabajaba con Edith Piaf y los Compagnons de la Chansons, entre otros. Su padre se había refugiado en el sur de Francia ya que los nazis habían invadido Paris y el alcalde de Nérac, Raymond Pichon, les proporcionó papeles falsos.
Con 5 años ya toca el piano y antes de acabar la primaria ya tiene un premio del Conservatorio. Pasa su adolescencia orquestando arreglos de jazz para música clásica y, tras acabar sus estudios y su servicio militar, se instala en Monmartre y toca la guitarra en la calle. El piano pesa mucho…
Rabiosamente anti-convencional y afectado por una miopía patológica, se refugia en la música y pone el contrapunto al twist, al yeyé clásico de la época…desde el primer momento, Polnareff apuesta por la melodía y la armonía. Y la calidad.
Por lo demás, es un joven beatnik, solitario y tímido que está a punto de saltar a la fama. Y que acaba de rechazar un contrato con Barclays. En 1965 aparece en escena Lucien Morisse, editor de éxito y jefe de Europe1 (radio poderosa en su momento) quien lo ficha para su escudería y le consigue un contrato con AZ. El éxito no va a tardar: la primera canción que graba es, justamente, “La Poupée Qui Fait Non”.
La muñeca que dice “No”
Exigente y puntilloso, quiere alta tecnología de modo que la canción será grabada en un estudio en Londres. Con letra de Franck Gérald y música de Polnareff. Y con la participación de Jimmy Page a la guitarra, ya que en ese año alternaba su trabajo de músico de sesión con su actividad en los Yardbirds.
El EP sale a la venta el 26 de mayo de 1966. Otros tres temas completan el pack: “Chère Véronique” en la cara A, “Beatnick” y “Balade Pour Toi” en la cara B.
Posteriormente se incluiría en su primer LP, “Love Me, Please Love Me”, en 1966.
La canción vende 200.000 copias. Es una canción fácil basada en tres acordes y con una letra aparentemente naif: una muñeca que solamente dice que no. A todo dice que no. Todo el día, sin mirar y sin escuchar, una muñeca preciosa que solamente sabe decir una palabra “No”.
Nadie le ha enseñado a decir que sí.
Muchos han visto en ella un símbolo de la liberación sexual femenina, aunque Polnareff nunca se pronunciara al respecto. Otros la ven como una negativa a lo establecido, como un símbolo de la época: verano de las flores, Mayo 68… Un pequeño himno a la rebeldía. En una letra sin mayores complicaciones se mezclan política, moralidad, inconsciente, sexo y, sobre todo, música.
Lo que no deja de ser un hecho es que se trata de una canción facilona, repetitiva, con un texto sencillo y aparentemente inocente, con un riff de guitarra apto para cualquier principiante. Pero así empezó todo.
Polnareff, encantado de su éxito, no tarda en grabar su versión en italiano, alemán y español.
Una carrera errática
Otros temas consolidan a Michel Polnareff como uno de los grandes valores de la canción francesa: “Love Me, Please, Love Me”, “L’amour Avec Toi”, “Le Roi Des Fourmis” o “Le Bal Des Laze”. La lista es larga…
La verdad es que Polnareff, con una sólida y disciplinada formación de hijo único de artistas, tiene un talento impresionante. El 1967 sus canciones se escuchan ya en toda Europa y es una vedette, lo que hoy llamamos celebrity.
Pero su mente y su miopía extrema nunca le dieron paz. Sus letras escandalosas (“Je Suis Un Homme”, “L’amour Avec Toi”) y su genialidad innegable no lo hacen feliz. Polnareff es depresivo y el suicidio de Morisse, su descubridor, en 1970, lo retira de la escena momentáneamente. Luego vendrían canciones para películas, juicios por inmoralidad y giras por el mundo huyendo de sí mismo. Su ambigüedad sexual, sus pelos y sus gafas se convierten en su imagen de marca.
En 1973, tras morir su madre y descubrir que su contable le ha robado su fortuna, Polnareff se marcha a Estados Unidos, un exilio que rompería intermitentemente. Entretanto, se suceden episodios de su excentricidad (llegó a pasar casi 3 años recluido en un hotel parisino, a finales de los 80, haciendo música). Hasta 2007, Polnareff no volverá a tocar en vivo en Francia, pero sigue activo entre Japón, Estados Unidos y otros países, no pudiendo regresar a Francia durante una larga temporada, acusado de evasión fiscal y arriesgándose a ir a la cárcel.
Su miopía amenaza ceguera, su vida personal no es brillante pero Polnareff no deja de componer, viajar y seguir brillando. Hasta la fecha de hoy, sigue activo.
De hecho, en 2010 fue condecorado como Caballero de la Legión de Honor Francesa.
Nombres famosos
“La Poupée Qui Fait Non” es un nexo entre muchos nombres famosos. Pero también es una canción atemporal, una pieza que se sigue interpretando desde 1966 hasta hoy.
Por un lado, Page y Jones grabarían la canción original con Polnareff quien, en 1996 saca un single con la versión en vivo en el Roxy de Los Ángeles.
Por otra parte, las versiones han sido muchas y notorias.
Existe una versión por los Birds, el grupo británico en el que militaba Ron Wood.
Jimi Hendrix grabó su versión instrumentalen octubre de 1966, durante su visita a Paris para actuar en el Olympia. De hecho, fue telonero de Johnny Hallyday, quien grabaríasu versiónen 1980 en su LP “A Partir De Maintenant”.
El grupo Saint-Etiennetambién la tiene en su repertorio y la ha tocado en vivo en el show de Jools Holland.
En 1997, Mylène Farmer y Cheb Khaled la graban en vivo en Bercy y sacan un single que tiene un gran éxito en las listas. James Blunt recientemente o Cristina Monet en 1980 también han hecho su versión.
Es una muñeca que dice no, no, no, no, no, no
Todo el día dice no, no, no, no, no, no
Es tan guapa que sueño con ella de noche
Es una muñeca que dice no, no, no, no, no, no
Todo el día dice no, no, no, no, no, no
Nadie le enseñó nunca que se puede decir “Sí”
Sin siquiera escuchar dice no, no, no, no, no, no
sin mirarme dice no, no, no, no, no, no
sin embargo daría mi vida para que dijera sí
Pero es una muñeca que dice no, no, no, no, no, no
todo el día dice no, no, no, no, no, no
No, no, no, no…
C’est une poupée qui fait non, non, non, non Toute la journée elle fait non, non, non, non Elle est, elle est tell’ment jolie Que j’en rêve la nuit C’est une poupée qui fait non, non, non, non Toute la journée elle fait non, non, non, non Personne ne lui a jamais appris Qu’on pouvait dire oui Sans même écouter elle fait non, non, non, non Sans me regarder elle fait non, non, non, non Pourtant je donnerais ma vie Pour qu’elle dise oui Pourtant je donnerais ma vie Pour qu’elle dise oui Mais c’est une poupée qui fait non, non, non, non Toute la journée elle fait non, non, non, non Personne ne lui a jamais appris Qu’on pouvait dire oui Oh, non, non, non, non non, non, non, non Ell’ fait non, non, non, non
Es una canción fetiche para muchos: gracias por todo lo bueno, seguiremos adelante y el recuerdo nos dará fuerzas. Una canción que, dulcemente, te incita a festejar los buenos momentos pasados en lugar de lamentarse por la pérdida. Por la general la música popular recurre más a la queja… Ray Davies lo ve desde otra óptica.
Muchas veces me han preguntado – nos han preguntado- acerca de nuestra canción favorita. ¿Se puede tener UNA canción favorita? Ni mucho menos. Depende del momento, del estado de ánimo y de lo que hayamos estado escuchando en esos días… Mis canciones favoritas pueden llegar a hartarme si las pongo doce veces seguidas en mi iPod. No hay excepciones.
Eso sí, tenemos una lista de muchas canciones favoritas que anidan en nuestro Top Ten y llegan al Uno, dependiendo de las rachas. La música de los 60, en mi caso, es rica en canciones “favoritas”.
La letra, la melodía o la rítmica pueden desencadenar esa adictiva reacción a un tema en concreto.
Ray Davies y sus Kinks
The Kinks son maestros en canciones maravillosas. Los hemos tenido de banda sonora desde 1964 hasta hoy, ya sea a través de ellos mismos o de su tremenda influencia sobre otras bandas. O de versiones. O de Ray Davies, que hasta el día de hoy sigue activo.
Su sonido crudo, directo, sus riffs distorsionados y su ausencia de perfección son su sello de identidad. Una impronta deliciosa.
Hicieron muchísimas canciones y abundan sus “Grandes éxitos”. “You Really Got Me”, “All Day And All Of The Night” o “Set Me Free” son iconos. “Waterloo Sunset” o el archifamoso “Lola” hacen más hincapié en la dulzura de la melodía o la broma de la letra.
En noviembre de 1968 salió su sexto LP: The Kinks Are the Village Green Preservation Society. Un álbum considerado por muchos como un “concept album”, una serie de canciones -compuestas en los años previos- que giran alrededor de la transición de los tiempos. Un homenaje, en cierto modo, a las antiguas costumbres británicas, al concepto decimonónico de la vida rural en los pueblos. Los Kinks, muy británicos ellos, siempre amaron la tradición.
Una canción...
Un LP que no fue un éxito comercial pero que, en su versión para Europa, incluía una de esas canciones perfectas…para muchos. “Day’s”. Presente en posteriores ediciones del álbum para otros países -incluido el Reino Unido- recoge el espíritu nostálgico de ese momento. No se incluyó en el LP por motivos exclusivamente comerciales, pero fue un éxito relativo como single y llegó al Número 10 en las listas del Reino Unido. Se editó en enero de 1969 y “She’s Got Everything” era su cara B. En Estados Unidos hubo que esperar un año.
La carrera del grupo tampoco atravesaba su mejor momento. Muchas de sus canciones no habían llegado a las listas y pisaban terreno movedizo. No obstante, “Day’s” les devolvió la fuerza -aunque tampoco fuera un rotundo hit- y los encarriló anímicamente.
Los Kinks atravesaban una crisis en 1968: Peter Quaife, el bajista original, ya había anunciado a Ray Davies su intención de dejar el grupo y éste fue su último album. La canción, que habla de recuerdos y agradecimiento por esos “días” está directamente inspirada en la partida de Quaife. En la transición de la banda. Según Ray Davies, Quaife también sufría por dejar el grupo. “Escribió el título en un papel y en lugar de Day’s puso Daze (suena igual pero significa “aturdido, perdido”). Estaba claro que él también sentía la ruptura”
En “Day’s” participaron Ray Davies y su hermano Dave, guitarras, Peter Quaife al bajo, Mick Avory a la batería y, aunque no oficialmente, Nicky Hopkins en los teclados.
Muchos la consideran la típica canción de funeral: “Gracias por los días que me diste”. Otros ven en ella la canción de la ruptura: “Cogiste mi vida aunque sabía que pronto me abandonarías”. Desde luego, es una canción de agradecimiento, de cariño y de recuerdo: una despedida agridulce, un amor que nunca olvidarás.
También sabemos que una de las hermanas de los Davies murió con 13 años: eso marcó a Ray y es posible que su hermana René fuera la temprana inspiración del tema.
Algo recurrente en el cancionero de Ray Davies: la pérdida… una experiencia por la que todos hemos pasado. Pero lo describe tan bien, y los Kinks lo cantaron tan maravillosamente, que muchos tenemos en “Day’s” a otra de nuestras canciones fetiche. Nicky Hopkins pone su toque mágico con el piano, las armonías vocales son sencillas, la batería escueta y precisa… y la letra es perfecta para eso… para dar las gracias por la vida, por lo bueno, por haber vivido esos días que nunca olvidaremos. Y que nos ponen las pilas para seguir adelante. Aunque hayamos perdido. Aunque nos estemos despidiendo.
Ray Davies supo transformar una despedida en una celebración: no lloremos por los tiempos que se fueron, porque ya no volverán: celebremos una vida que fue feliz, una etapa resplandeciente o un amor inolvidable.
Gracias por la canción.
“Días”
Gracias por los días,
esos días interminables y sagrados que me diste
Estoy pensando en esos días y no olvidaré un sólo día, créeme
Bendigo la luz, la luz que brilla sobre ti, créeme
y aunque te has ido estás conmigo cada día, créeme
Días que recordaré toda mi vida,
días en los que no distingues el bien del mal,
tomaste mi vida aunque supe que muy pronto me dejarías
pero está todo bien, no me asusta el mundo, créeme
Ojalá hoy fuera mañana,
la noche es oscura y trae penas, hay que esperar
Gracias por los días,
esos días interminables y sagrados que me diste
Estoy pensando en esos días y no olvidaré un sólo día, créeme
Días que recordaré toda mi vida,
días en los que no distingues el bien del mal,
tomaste mi vida aunque supe que muy pronto me dejarías
pero está todo bien, no me asusta el mundo, créeme
Gracias por los días,
esos días interminables y sagrados que me diste
Estoy pensando en esos días y no olvidaré un sólo día, créeme
Bendigo la luz, la luz que brilla sobre ti, créeme
y aunque te has ido estás conmigo cada día, créeme
“Days”
Thank you for the days,
Those endless days, those sacred days you gave me.
I’m thinking of the days,
I won’t forget a single day, believe me.
I bless the light,
I bless the light that shines on you believe me.
And though you’re gone,
You’re with me every single day, believe me.
Days I’ll remember all my life,
Days when you can’t see wrong from right.
You took my life,
But then I knew that very soon you’d leave me,
But it’s all right,
Now I’m not frightened of this world, believe me.
I wish today could be tomorrow,
The night is dark,
It just brings sorrow, let it wait.
Thank you for the days,
Those endless days, those sacred days you gave me.
I’m thinking of the days,
I won’t forget a single day, believe me.
Days I’ll remember all my life,
Days when you can’t see wrong from right.
You took my life,
But then I knew that very soon you’d leave me,
But it’s all right,
Now I’m not frightened of this world, believe me.
Days.
Thank you for the days,
Those endless days, those sacred days you gave me.
I’m thinking of the days,
I won’t forget a single day, believe me.
I bless the light,
I bless the light that shines on you believe me.
And though you’re gone,
You’re with me every single day, believe me.
Days.
Nota de PYE Records:
Ray Davies escribió ambas caras del nuevo single de los Kinks “Day’s”/cara B: “She’s Got Everything”. “Day’s” es una canción melódica y bien construida, con armonías vocales muy atractivas por parte del grupo. En la otra cara hay una canción más en el estilo antiguo de la banda. Los Kinks son: Ray Davies (24) guitarra y voz; Dave Davies (21), guitarra rítmica; Peter Quaife (25), bajo; Mick Avory (21) batería)
Una pequeña gran joya del pop sedujo a toda una generación desde 1961. El falsete, el Musitron y el riff de Del Shannon cantando un desamor.
Música para oídos de todo tipo
En 1961, yo vivía en Buenos Aires y tenía 5 años. Como casi todos los niños de ciudad, el tiovivo era mi gran adicción. Ponían música de todo tipo. Pero un día pusieron una canción especial, alguien hacía “A wawawawawonder” y sonaba un organito delicioso que me acompañó hasta en mis sueños.
Argentina era un país muy moderno: “Runaway”, de Del Shannon, acababa de ser un hit en los Estados Unidos, y como tal se reflejaba en casi todo el mundo. Mi tiovivo, tal vez por encontrarse en un barrio exclusivo, tal vez porque fuera la canción de moda, no iba a ser la excepción. “Runaway” empezó a sonar a diario, varias veces al día. Los niños estábamos fascinados.
Qué duda cabe, una canción pop que enamora a una niña de 5 años tiene todas las papeletas de convertirse en un éxito mundial. La música fácil -que no por fácil es barata- sabe llegar muy pronto a los corazones y a las endorfinas de la gente.
“Runaway” era una de esas canciones que estaba destinada a triunfar, en todas partes, en todos los estratos y edades, en el recuerdo. Porque era una canción con un gancho tremendo.
Del Shannon, Crook y el Musitron.
Charles W. Westover, de Michigan (USA), cantaba y tocaba la guitarra en su banda, The Big Little Show Band cuando conoció a Max Crook, en 1959. Crook ya tenía experiencia como músico y había grabado varios temas.
Westover también tenía escritas varias canciones: casi todas hablaban de lo mismo, del desamor. Según sus propias palabras, temía al amor y a la pena que implica un corazón destrozado. Por eso se consideraba a sí mismo un runaway, un fugitivo del amor.
Y tenía una manera particular de tocar los acordes y una voz especial, capaz de llegar a notas muy altas.
Crook había inventado un instrumento único: el “Musitron”. Un órgano electrónico a base de un clavioline (órgano electrónico portátil de dos cuerpos) mejorado y perfeccionado con una cámara de eco. Max era un genio de la electrónica. Su Musitron conseguía notas que el oído humano no podía captar. Además, un vibrato eléctrico daba el toque definitivo a ese sonido distinto. La cara B del single, “Jody” está considerada como un tema experimental y futurista, pionero en su sonido. Este instrumento se utilizó en el órgano Hammond posteriormente.
Es curioso el hecho de que Crook nunca haya podido registrar el Musitron como un instrumento propio: al estar compuesto de varios aparatos ya registrados, le queda tan sólo el honor de haber sido quien creó ese sonido.
Muchos intentaron imitarlo: Los Tornados usaron un clavioline en “Telstar”. Berry Gordy usó un Musitron para discos de las Marvelettes. Ennio Morricone lo utilizó en “El Bueno, El Malo y el Feo”. Incluso la ELO lo utilizó en algunas de sus grabaciones.
A finales de 1960 Crook y Westover consiguen un contrato con la discográfica Blue Top Records.
Blue Top venía de Twirl Records, un sello de Detroit fundado por Harry Balk. Ahí grabaron Johnny and the Hurricanes, Little Willie John o Freddie & The Parliaments.
Y Westover pasaría a llamarse Del Shannon.
Fueron a Nueva York a grabar en los estudios Bell Sound, donde probablemente pensaron que sería uno más de tantos singles.
No contaban con la magia de ese explosivo mix: falsete y electrónica.
“Runaway”
A la hora de grabar, las cosas no salieron tan bien. Hubo que esperar y reescribir un antiguo tema de la banda, “My Little Runaway”. Del Shannon cuenta cómo fue: “Estábamos tocando en un club y Crook, de repente, tocó un La menor y un Sol. Fue un sonido mágico. Dick Parker siguió con su batería durante 15 minutos. Hasta que el dueño del local nos dijo que ya estaba bien, que tocáramos algo en serio. Por la noche, en el hotel, pedí a Max que creara algo para la parte instrumental de la canción con su Musitron. Ese solo era perfecto. Ya teníamos “Runaway”. Ya podíamos grabarla.”
Esta vez, el falsete de Shannon y el Musitron de Crook le darían un aire muy especial, seductor y pegadizo al máximo. El estribillo, con un “I wonder… I wahwahwhawah-wonder...” fue un acierto.
La grabación de “Runaway” tuvo lugar el 24 de enero de 1961. Al Caiola tocaba la guitarra; Harry Balk produjo el single. Bill Ramal hizo los arreglos. “Jody” iba en la cara B. (aunque algunas copias llevaban, erróneamente “The Snake”, un instrumental) La canción estaba firmada por Shannon-Crook.
En Abril “Runaway” ya era un éxito. Fue número uno en los charts durante un mes, pasando a Inglaterra y posteriormente conquistando el mundo entero. Ese riff, ese falsete, ese Musitron…
El LP salió junto con el single. Del Shannon ya era una estrella.
Una carrera irregular
“Hats Off To Larry” fue su segundo éxito. “Little Town Flirt” (1962) también llegó a las listas, al número 12. Tras estos éxitos para Del fue muy difícil mantener el ritmo en Estados Unidos, sin embargo, en el Reino Unido resultó ser una revelación. Fue también el primero en hacer una versión de los Beatles “From Me To You” y sacarlo incluso antes que los propios autores.
Su carrera fue irregular. El éxito de “Runaway” no se repetiría. La estrella declinaba aunque su carrera continuó: triunfó con “Keep Searchin” e hizo muchas televisiones, giras y covers. Formó su propio sello Berlee, produjo a un joven Bob Seger, a Bryan Hyland…
En 1967, el propio Shannon volvió a grabar otra versión de su éxito para sacarla como single; pero “Runaway 67” no llegó a las listas de éxitos.
Grabó un LP, “Home And Away” producido por Andrew Loog Oldham, pero Liberty Records no lo editó y se dedicó a lanzar algunas canciones como singles. El álbum original no se editaría hasta el año 2006.
Incluso grabó una nueva versión de “Runaway” para Crime Story un programa de TV, cambiando ligeramente la letra y adecuándola al tema central de la serie: bandas mafiosas.
Hacia 1970, Del Shannon ya era víctima de la depresión y del alcohol. Esta no fue su década más brillante… aunque se dedicó a cantar y a seguir actuando. En 1980, Tom Petty le ayudó en su carrera intentado revivirla, produciendo su LP “Drop Down And Get Me”. “Sea Of Love” salió como single y llegó al puesto 31.
Se dijo que formaría parte de los Travelling Wilburys tras la muerte de Roy Orbison e incluso grabó con los Smithereens y con Jeff Lynne.
…y Prozac.
Pero Del Shannon sufría de depresión. Siempre había sido un hombre tímido con miedo al éxito y a la popularidad. Él mismo declaraba a los periódicos su fobia a las multitudes y su deseo de volver a casa, de huir… El alcohol fue su gran aliado.
En un momento de su vida en el que Shannon empezaba a repuntar, se encontró desbordado con el trabajo: era su propio manager, agente, contable, productor… se estaba cambiando de casa y preparaba su gira europea. Estaba acusando el agotamiento.
Entre la dieta y una sinusitis recurrente, sus fuerzas mermaban y acabó en la consulta de un psiquiatra que le recetó Prozac, marca comercial de la fluoxetina, un polémico medicamento.
Es conocida la mala fama de esta droga. Aunque muchos lo defiendan, la verdad es que se han colado -en más de una ocasión- informes secretos de los laboratorios Lilly, revelando que un 17% de los pacientes tratados con fluoxetina acaban reaccionado de manera opuesta a la esperada: intentos de suicidio
LeAnne, su esposa, recuerda cómo cambió el carácter de Del Shannon tras iniciar el tratamiento… Insomnio, abulia, más depresión… Ya no quiso hacer la gira europea ni grabar.
En 1990, el 8 de febrero, Del Shannon se pegó un tiro en la cabeza con su fusil. Su esposa ha iniciado una lucha contra los laboratorios Lilly y desde hace unos años existen campañas para concienciar tanto a médicos como pacientes sobre el uso de esta “droga inofensiva”.
Trivia
Tom Petty, en su canción “Running Down A Dream”, canta que “era un bonito día, Del y yo cantábamos, una pequeña escapada”
The Sensational Alex Harvey Band, Bonnie Raitt, ElvisPresley o Me First and the Gimme Gimmesestán entre los muchos artistas que versionaron esta canción. Los Travelling Wilburys sacaron su versión en la cara B de su single “She’s My Baby”. De hecho, cuando Elvis grabó su versión, Del Shannon se encontraba en el estudio, animando a la gente a aplaudir.
La canción forma parte d ella banda sonora de American Graffitti.
“Runaway”
As I walk along I wonder a-what went wrong
With our love, a love that was so strong
And as I still walk on, I think of the things we’ve done
Together, a-while our hearts were young
Tears are fallin’ and I feel the pain
Wishin’ you were here by me
To end this misery
And I wonder
I wa-wa-wa-wa-wonder
Why
Ah-why-why-why-why-why she ran away
And I wonder where she will stay
My little runaway, run-run-run-run-runaway
I’m a-walkin’ in the rain
Tears are fallin’ and I feel the pain
Wishin’ you were here by me
To end this misery
And I wonder
I wa-wa-wa-wa-wonder
Why
Ah-why-why-why-why-why she ran away
And I wonder where she will stay
My little runaway, run-run-run-run-runaway
A-run-run-run-run-runaway
“Fugitiva”
Mientras voy andando me pregunto
que salió mal con nuestro amor, un amor que era tan fuerte.
Y mientras sigo andando pienso en las cosas que hicimos juntos,
mientras nuestros corazones eran jóvenes.
Camino bajo la lluvia, caen las lágrimas y siento el dolor,
deseando que estuvieras aquí conmigo para detener esta miseria
y me pregunto,
¿Por qué?
¿Por qué huyó?
Y me pregunto dónde podrá estar mi pequeña fugitiva.
El tertuliano de Málaga de Radio Marca dice que Ancellotti no ha ganado nada. Ligas en Inglaterra, Italia y Francia y 2 Champions son nada. 21 hours ago
Morata Bota de Oro del Europeo sub21 (e Isco mejor jugador del torneo que ganó España). fb.me/2HKxmelyN1 day ago
…pero era Robin, con su registro multifacético, y con ayuda de sus dos hermanos, quien nos ponía los pelos como escarpias.
